20世紀初頭、音楽におけるモダニズムを先導した作曲家のうち、最も永続的かつ広範囲に影響を与えたのはイーゴリ・ストラヴィンスキー（1882-1971）であった。 ストラヴィンスキーの音楽は、70年のキャリアの中で2度にわたって方向転換しているが、実際、それぞれの段階の作品は別の作曲家が書いてもおかしくないほど過激であり、彼がいなければ、20世紀の音楽はまったく違った方向に進んでいたかもしれない。
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多くの人にとって、ストラヴィンスキーの音楽との最初の出会いは、ウォルト・ディズニーの有名なアニメーション『ファンタジア』（1940 年）でしょう。 ストラヴィンスキーは、ディズニーが自分の音楽を利用することを嫌っていたと言われている。 最近では、チャーリー・パーカーやオーネット・コールマンからジョニ・ミッチェルやペット・ショップ・ボーイズまで、数多くのミュージシャンがこの曲を引用しており、バーナード・ハーマンによる「サイコ」やジェリー・ゴールドスミスによる「猿の惑星」、ジョン・ウィリアムズの「ジョーズ」や「スター・ウォーズ」など、数えきれないほどの映画音楽も、この曲に耳を傾けなければならないのだ。
His life …
ストラヴィンスキーはロシアのサンクト・ペテルブルクで育ち、父親は帝国劇場でバスの指導者として働いていた。 両親は彼に音楽の道を選ばせず、サンクトペテルブルクの大学で弁護士になる勉強をするように勧めた。
彼はそこで作曲家ニコライ・リムスキー＝コルサコフの末っ子ウラジーミルと親しくなり、彼を通じて父のレッスンを受けることができたが、それは1908年に父が亡くなるまで続いた。 しかし、ディアギレフの目に留まったのは、華麗な色彩のオーケストラのショーピースである「幻想的スケルツォ」と「花火」でした。彼は、パリでのバレエ・リュスのシーズンのために、「火の鳥」の伝説をテーマにしたバレエを作曲するロシア人を探していました。
その頃、ストラヴィンスキーには妻と二人の子供がおり、家族はフランスとスイスで時間を共有していました。 1913年5月、パリで初演された「春の祭典」は、音楽史上最もセンセーショナルな作品のひとつであったが、その騒々しさは、時に喧伝されるほどではなかった。 生贄に選ばれた少女が踊りながら死んでいくというシナリオの原始性は、高度な不協和音、不規則な拍子、猛烈なリズムのドライブなど、ストラヴィンスキーのスコアの前例のない暴力性とマッチしている。
そして時代は…
ストラヴィンスキーの生涯における世界を変える3つの大きな出来事、2つの世界大戦とロシア革命は、すべて彼のキャリアに直接影響を与え、彼がどこに家を構え、どのように音楽を発展させるかを決定づけたのです。 儀式』の初演後、彼は一時的にロシアに戻り、そこで最初のオペラ『ナイチンゲール』を始めたが、1914年に再びロシアを訪れた後、48年間はロシアには戻っていない。 第一次世界大戦の間、ストラヴィンスキー一家はスイスで過ごしたが、演奏の機会が限られていたため、大規模な管弦楽曲は不可能であった。 ストラヴィンスキーは小規模な音楽劇に取り組み、《レナール》や《兵士の物語》など、現在では20世紀末の音楽劇の先駆けとして知られる作品を発表している。
戦後、ドビュッシーを記念した「管楽器の交響曲」はモザイク状の構造で彼の最も優れた業績の一つですが、もう一つの全くオリジナルな楽譜があります。 ソロ、合唱、4台のピアノと打楽器のためのバレエ「レ・ノセ」と1幕のコミックオペラ「マブラ」は、20年近くストラヴィンスキーの音楽を支えてきたロシアの民族文化の世界との別れを告げる作品となった。
「マブラ」はまた、1920年代に彼の音楽に訪れた顕著な文体の変化を明らかにする最初の作品のひとつでもある。 再びディアギレフが触媒となり、ストラヴィンスキーはジョヴァンニ・ペルゴレージの音楽を出発点として、18世紀のコメディア・デラルテのシナリオでバレエを作曲することを提案しました。 その結果、バロックの形式とテーマを借用した「プルチネルラ」が生まれた。彼は後に、「私の過去の発見であり、私の後期の作品全体が可能となった啓示である」と語っている。「
戦時中、ストラヴィンスキーはフランスに拠点を置いていました。 作曲だけでなく、自分の音楽の指揮者としてのキャリアも築きつつあり、「プルチネルラ」で見出した新古典主義様式の形式的な明快さと抑制の効いた作品が続々と生み出されました。 アポロ』、『妖精の口づけ』（チャイコフスキーの音楽に基づく）、『ジュ・ドゥ・カルト』といったバレエ、ピアノとヴァイオリンのための協奏曲、そして彼の中期の作品の中で最も人気のある合唱曲、『詩篇交響曲』（1930年）などがある。 また、国際的な名声が高まるにつれ、当時最も著名な作家や芸術家たちとのコラボレーションも行われた。
1939年、ストラヴィンスキーは渡米する。 最初の妻カーチャは同年初めに亡くなっていたため、1921年から交際していた舞踏家・画家のヴェラ・ド・ボセットと結婚することになったのである。
アメリカでの初期の主要作品は、2つの交響曲、交響曲ハ長調と交響曲三部作であった。 1945年、彼とヴェラはアメリカ国籍を取得し、ストラヴィンスキーは自分の作品の著作権の再確立に着手し、主要な楽譜の多くを再編成し、有利な新しい出版契約にサインしたのです。 ウィリアム・ホガースの版画展を訪れたことをきっかけに、新古典主義時代の集大成ともいえるオペラ《放蕩者の行進》が1951年にヴェネチアで初演された。 オーデンとチェスター・コールマンは、ホガースの版画をもとに、放蕩と破滅に誘惑される若者の物語を描いた台本を書き、ストラヴィンスキーは、セットピースのアリアの連鎖とレチタートのパッセージからなる古典派の「ナンバーオペラ」をモデルにスコアを作成した。
『熊手』以降、ストラヴィンスキーの音楽は再び方向転換をします。 このように、ストラヴィンスキーの音楽は、アーノルド・シェーンベルクやウィーン第二派の音楽とは別のモダニズムを代表しており、両者はビバリーヒルズに住んでいながら、お互いを避けていたのです。 しかし、1951年にシェーンベルクが亡くなると、ストラヴィンスキーはシェーンベルクが発明した12音列の技法の可能性を追求し始める。 このときまでに、ストラヴィンスキーはロバート・クラフトという音楽助手を得ていた。彼は1971年に亡くなるまで作曲家のそばにいて、一連の対談集を共同執筆している。
おそらく1957年のバレエ作品『アゴン』を除いて、ストラヴィンスキー最後の20年間は、彼の初期の音楽のような人気を得ることはできませんでしたが、それでも『Canticum Sacrum』『The Flood』『Threni』などの作品は、彼が新しい作曲上の声を獲得することができた方法の魅力的な例であり続けています。
過去 100 年間で、ストラヴィンスキーの影響を受けていない重要な作曲家を考えるのは困難です。 新古典主義の美学は大西洋の両岸の数世代の作曲家に受け継がれ、ピエール・ブーレーズとカールハインツ・シュトックハウゼンが率いる1950年代の前衛芸術は、彼がリズムと拍子を解放した方法によって彼を賞賛したのです。 ジョン・タヴナーとハリソン・バートウィッスルという全く似て非なる最近のイギリス人作曲家が、ともにストラヴィンスキーへの恩義を表明したことは、彼の影響がいかに広範囲に及んでいたかを示している。
偉大な演奏家
1950年代から60年代にかけて、作曲家自身がコロンビアで彼のオーケストラ作品のほとんどを指揮していた。 But many conductors have put their own imprint on this repertoire, from Ernest Ansermet, who conducted a number of Stravinsky premieres including Les Noces and Pulcinella and recorded extensively for Decca, through Boulez, whose recordings for CBS/Sony and Deutsche Grammophon include all the early masterpieces, to Riccardo Chailly, whose Decca recordings include perhaps the finest of all versions of The Rake’s Progress. And Robert Craft also made a series of recordings for Naxos of the music of the composer he assisted for so long.
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