Cortesia dos artistas
É impossível exagerar o quão dourado o quadril…o lúpulo brilhou em 2017 – os registos quebrados do Billboard, o reconhecimento do gênero mais transmitido pela Nielsen. O rap, à parte a propaganda da indústria, refletia nossa consciência coletiva e a crise nacional, como nunca antes. Enquanto o poder das playlists (e a capacidade de fazer streaming stats com loops de músicas) estabelece novos padrões, o álbum long-play continua sendo o formato definitivo para artistas que pretendem fazer declarações criativas atemporais. E os artistas ficaram bastante criativos (DAMN.) dentro desses limites.
Jay-Z e Tyler, o Criador evitou as respectivas crises de meia-idade e de quarto de vida com seus confessionários mais maduros até hoje. GoldLink e Open Mike Eagle ergueram memoriais para as culturas apagadas, e presépios, de sua criação. Lil Uzi Vert e Future foram hiper-emo sobre os amores perdidos e detestados. Big K.R.I.T. e Cyhi The Prynce transcenderam as armadilhas e clichês do rap sulista. Kendrick Lamar expôs sua luta profética em um altar de auto-sacrifício. E Rapsody reinou supremo sobre quase todos.
Em um ano tão robusto, seria fácil fazer uma lista exaustiva dos melhores lançamentos. Na verdade, a Internet está cheia deles. Mas o hip-hop não subiu a novas alturas no vácuo. A revolta sônica aconteceu em meio a um cenário nacional de agitação política, discórdia racial, manifestações violentas e contas revelatórias em torno dos abusos sistêmicos de poder e desigualdade de gênero que atingem tão perto de casa neste gênero.
No hip-hop, como em qualquer outro lugar, o pessoal é sempre político. Onde você está, por assim dizer, e como você escolhe cultivar e representar esse espaço – seja real ou imaginário – importa.
É tão verdadeiro hoje como há 15 anos, quando o acadêmico Murray Forman publicou seu livro The Hood Comes First: Race, Space, and Place in Rap e Hip Hop. “A música que eu estava ouvindo estava sempre articulando identidades baseadas em lugares – seja Hollis, Queens ou Brooklyn South Bronx”, disse-me Forman recentemente, lembrando sua inspiração original para o livro. Ele escolheu olhar para este “aspecto definidor do som” num “sentido maior e mais profundo”, diz ele, “não apenas como uma coisa de hip-hop, mas uma coisa sobre identidades raciais e a forma como os lugares são atribuídos a certas pessoas na sociedade”
No mesmo espírito, a NPR Music, que é o conjunto dos 21 melhores álbuns de hip-hop do ano, tem como tema a política de raça, espaço e lugar. Entre os melhores LPs de 2017, estes são alguns que desafiaram ou complicaram o disco americano sobre raça, detalharam um forte senso de lugar enquanto criticavam o apagamento cultural generalizado, ou quebraram convenções de gênero, gênero e identidade dentro do próprio espaço do rap. – Rodney Carmichael
Cortesia do artista
- Vince Staples, Big Fish Theory
- Quelle Chris, Sendo você é ótimo, eu deveria ser você mais vezes
- Joey Bada$$, ALL AMERIKKKAN BADA$$
- J.I.D., The Never Story
- Princess Nokia, 1992 Deluxe
- Smino, blkswn
- Billy Woods, Conhecido Unknowns
- Big K.R.I.T., 4eva Is A Mighty Long Time
- Migos, C U L T U R E
- Jonwayne, Álbum Rap Número Dois
- Ill Camille, Heirloom
- Brockhampton, Saturação III
- GoldLink, At What Cost
- Tyler, o Criador, Flower Boy
- CyHi The Prynce, No Dope On Sundays
- Jay-Z, 4:44
- Futuro, HNDRXX
- Rapsody, Laila’s Wisdom
- Lil Uzi Vert, Luv Is Rage 2
- Kendrick Lamar, DAMN.
- Abra Mike Eagle, Brick Body Kids Still Daydream
Vince Staples, Big Fish Theory
A ensaísta feminista e poetisa Adrienne Rich escreveu uma vez que “uma relação humana honrada – isto é, um em que duas pessoas têm o direito de usar a palavra ‘amor’ – é um processo, delicado, violento, muitas vezes aterrador para ambas as pessoas envolvidas, um processo de refinar as verdades que podem dizer uma à outra.” Ela estava falando sobre relacionamentos entre mulheres, então espero que você me perdoe por aplicar sua idéia a todas as pessoas que tiveram que aprender a mentir como um mecanismo de sobrevivência: O álbum do Vince Staples sobre os bangers do clube dos tear-jerking é o processo do amor em acção. Este é um disco que cria espaço para as verdades: A forma como se fala do género, se não se tiver cuidado, é provavelmente uma mentira, e a história da música electrónica e doméstica é uma história negra.
É também um álbum de canções de amor. Ninguém lhes chama canções de amor porque as letras de Staples, tal como as batidas que lhes são apresentadas, não seguem os guiões convencionais. Mas quando, sobre uma linha de baixo que se esforça o suficiente para rebentar alto-falantes insuspeitos, a música “745” emite a confissão: “Esta coisa chamada amor é muito difícil para mim / Esta coisa chamada amor é um deus para mim,” sente-se romântico de coração. Ele não está fazendo um julgamento de valor sobre essa luta com o amor. “Não acho que nada seja bom ou mau”, disse ele uma vez. Em vez disso, ele está a dizer uma verdade. – Jenny Gathright
Cortesia do artista
Quelle Chris, Sendo você é ótimo, eu deveria ser você mais vezes
Quelle Chris não é violeta encolhida; de facto, o estereótipo dos “indie-backpackers-as-schoolmarms” não se aplica desde a onda Dillatroit/Madvillain/Okayplayer dos “mid-aughts”. Ele chama os rappers rivais de “clones” em “The Prestige” (que também ostenta um solilóquio incrível de Jean Grae). Mas ele também anseia pelos despojos da guerra lírica. Em “I’m That Nigga”, ele se gaba de ter as mulheres mais más, “cada cidade, cada cidade”. O nômade criado em Detroit, que reivindicou brevemente residência em cidades de Oakland a Brooklyn, não tenta resolver as suas contradições interiores. Ele também não se esconde delas. Algumas das melhores músicas sobre Being You Is Great, I Should Be You More Often – a capa ilustrada o retrata como imagens espelhadas, uma franzida e a outra com um sorriso de dente – encontram Quelle peneirando em seus pensamentos. “Parece meu aniversário hoje, e esses são os piores dias / Se é uma corrida para o fim, então por que vir em primeiro lugar?” ele faz um raps em “Birthdaze”
Cortado com cameos por diversas luminárias do hip-hop underground, esta é uma jóia ideologicamente bagunçada, tornada coerente por batidas de chock cheio de samples estranhos, produzidos por Quelle e outros; e sua performance crocante, aguçada e consciente de si mesmo. – Mosi Reeves
Cortesia do artista
Joey Bada$$, ALL AMERIKKKAN BADA$$
Joey Bada$$’ segundo álbum rola com indignação, tristeza e confusão, lutando com temas políticos (brutalidade policial, supremacia branca e identidade negra) em seu projeto mais tematicamente apertado até agora. Rappers explorando a situação da negritude na América não é novidade, mas há algo neste projeto em particular, tendo sido lançado em um período que viu o ressurgimento e relativa normalização do neonazismo e da supremacia branca, que se sente especialmente ressonante e radical.
Agora, quando Joey raps “nos deixa mortos na rua para sermos doadores de órgãos” em “LAND OF THE FREE” lê-se como uma manchete, e “Y U DON’T LOVE ME (MISS AMERIKKKKA)” é menos uma simples pergunta e mais uma tentativa desesperada de entender os ataques racialmente tendenciosos. ALL AMERIKKKAN BADASS é um dos recordes mais eloquentes do ano, com a sua mensagem plantada orgulhosamente na linha da frente. Os críticos do disco diriam que é um pouco exagerado; mas talvez seja a única forma de a mensagem ser ouvida. – Steffanee Wang
Cortesia do artista
J.I.D., The Never Story
J. Cole uma vez revelou numa entrevista que tinha aspirações de contratar Kendrick Lamar para a sua editora Dreamville. Como Cole conta, ele ouviu K. Dot cuspir ao vivo pela primeira vez em uma festa em L.A. em 2010 e ficou imediatamente impressionado. Claro que os seus sonhos de cachimbo foram rapidamente frustrados – Kendrick já tinha assinado com a Top Dawg Entertainment na altura. Mas, rapidamente sete anos à frente, e Cole pode ter acabado de conseguir seu desejo de uma estrela do rap com J.I.D. Desde que anunciou sua assinatura para a Dreamville em fevereiro e lançou sua lenta gravação de um álbum de estúdio The Never Story em março, o Atlanta MC e o LP do membro da Spillage Village provou ser um dos mais fortes lançamentos de rap de 2017.
Existe algo de divertido e severo sobre a entrega de J.I.D.. Talvez seja o tom dele, um tom nervoso, quase caricato, com o peso certo de um baixo credível. E a habilidade de J.I.D. de dobrar e distorcer sua voz original com o propósito de contar diferentes perspectivas da história é parte da razão pela qual ele faz comparações tanto com K. Dot quanto com Cole. Em “Nunca”, ele se lembra de seus tempos de sobrevivência e luta por batidas selvagens de Christo e Childish Major. Em “Hereditário”, ele dialoga sobre uma relação de auto-sabotagem acompanhada de piano e guitarra elétrica.
Fechando em 40 minutos, The Never Story é ágil em todos os sentidos da palavra. Com temas que vão desde famílias desfeitas a questões de confiança, a estréia de J.I.D. está o pegando como um diamante no bruto da cena da armadilha encharcada de xarope de Atlanta, enquanto ganha elogios de alguns dos melhores do rap. – Sidney Madden
Cortesia do artista
Princess Nokia, 1992 Deluxe
Se ouvir atentamente o Deluxe 1992 de Destiny Frasqueri, poderá notar uma fina camada de grão no som. É uma abrasão bem-vinda. Na verdade, é o que dá à mixtape 2016 de Frasqueri – ampliada e relançada este ano como seu primeiro LP – uma realidade autobiográfica que me faz imaginar o pequeno Destiny a romper por quadras de basquete em cadeia, a fazer um rapping silencioso destas pistas para si mesmo.
1992 Deluxe é a celebração de Frasqueri de Nova York e de todos aqueles que não se encaixam no molde de respeitabilidade da sociedade. Em “ABCs of New York”, isso inclui as meninas do gueto e mães solteiras, os modelos da sua infância. “Brujas” presta homenagem à diáspora africana, reenquadrando o trauma como uma superpotência espiritual. Na literatura (lembre-se de The Crucible’s Tituba?) e na história, a bruxaria foi uma acusação contra as mulheres negras que muitas vezes acabou com suas vidas. Esta faixa subverte a narrativa ao abraçar feitiços e hexes, construídos sobre a tradicional espiritualidade iorubá, como antídoto para a supremacia branca: “Eu sou aquele nativo negro americano, eu destruo todo o mal.” Tonteante em seu poder e ameaçador em sua mensagem, “Brujas” é uma tese de luxo para 1992 Deluxe: “Falar merda, podemos lançar feitiços”. – Steffanee Wang
Cortesia do artista
Smino, blkswn
Nunca houve falta de talento entre os rappers de St. Louis. A cidade sempre se orgulhou sempre que um MC do Estado do Show-Me alcançou sucesso – do pioneiro local Sylk Smoov à superestrela internacional Nelly, que por fim colocou a cidade no mapa, nós defendemos eternamente esses artistas. Mas ao contrário de cidades como Atlanta, Houston e Nova Orleans, as comportas nunca se abriram e o mundo em geral só foi tratado de forma intermitente com perspectivas tão únicas.
North St. Louis native Chris Smith Jr., aka Smino, migrou para Chicago em 2010 para conseguir o que sua cidade natal não podia lhe oferecer na época – uma sólida infra-estrutura musical. Mas o lar nunca estava longe da mente: Ele lançou seu álbum de estréia, Blkswn, na terça-feira, 14 de março – 14/03 ou 314 dias, um feriado não-oficial em St. Louis. O álbum personifica a cultura atualizada da cidade, tocando em lutas sociais (“Long Run”, “Amphetamine”), mas prosperando em celebração e prazer juvenil em faixas como “Netflix and Dusse” e sua ode à mulher negra, “Anita”. A natureza harmoniosa e as texturas de blkswn estão muito além do que um rapper novato seria capaz de fazer; um testemunho do seu passado na igreja e da sua linhagem musical. Resta saber se Smino se tornará o pioneiro de um movimento STL iminente. Mas o seu momento é agora mesmo, então vamos brindar a isso. – Bobby Carter
Cortesia do artista
Billy Woods, Conhecido Unknowns
Billy Woods’ sexto álbum a solo – sem contar com projectos paralelos como Armand Hammer, um par com Elucid que produziu Roma no outono passado – soa como vintage underground de Nova Iorque, com batidas costureiras e claustrofóbicas que parecem artérias de metro entupidas. Woods desempenha o papel de um entusiasta do rap tão imerso na cultura que ele não consegue ver fazendo mais nada. No “Dia das Marmota”, ele descreve caprichosamente um dia de levantar, fumar erva e tentar fazer sua carreira perpetuamente subfinanciada funcionar. Faixas como “Snake Oil” e “Everybody Knows” revelam uma mente que se sente em uma linguagem metafórica. “Eles sabem as placas do carro da sua mãe / Eles sabem onde o hooptie estacionou”, ele faz um rap sobre este último num tom conspiratório e paranóico sobre as notas de piano do produtor Blockhead. “Eles sabem quem tu és.” Um produtor veterano cujos truques musicais provêm da escola DJ Shadow de instrumentos barrocos e pesados, Blockhead ajuda a sustentar o melhor trabalho de Woods até hoje, especialmente em faixas como “Bush League”, que soa como um disco compacto Afrobeat colado na repetição. – Mosi Reeves
Cortesia do artista
Big K.R.I.T., 4eva Is A Mighty Long Time
Há uma canção no LP duplo do Big K.R.I.T., 4eva Is A Mighty Long Time, que resume a razão pela qual este ponto na sua carreira está a chegar há tanto tempo. Intitulada “Drinking Sessions”, é, como o nome sugere, um lançamento catártico que encontra o K.R.I.T. expondo suas feridas mortais e inseguranças com inibição zero – desde os sonhos que ele encontrou fora de alcance numa indústria construída sobre a ilusão até o pedágio emocional que ele suportou perseguindo o sucesso ao ponto de sacrifício. “Todos tentam morrer jovens, mas quem vai falar sobre a vida”, ele grita, como o baixo de linha de baixo em forma de madeira, como um bêbado funerário.
Depois de anos de compromisso criativo dentro do sistema de rótulos principais, Mighty Long Time encontra o K.R.I.T. de volta em forma rara, mas também melhor para o desgaste. Aquelas restrições orçamentais do Def Jam que o obrigaram a desistir da sua abordagem baseada em amostras de produção fizeram-no expandir as suas costeletas com instrumentação ao vivo e produtores colaborativos que podiam recriar a paleta de alma que ele exibia nas primeiras mixtapes K.R.I.T. Wuz Here, Return Of 4eva e 4eva N A Day. Como ele faz nesses clássicos, o representante do Mississippi ainda está mapeando sua jornada pessoal e se conformando com as contradições que o tornam singularmente humano. Mas o fardo do seu blues é compensado por uma fé eterna que faz parecer mais uma promessa do que uma impossibilidade. – Rodney Carmichael
Cortesia do artista
Migos, C U L T U R E
Parece que já passaram anos desde que a Migos lançou o C U L T U R E no início de 2017. Desde então, o trio se infiltrou efetivamente no campo de visão do mainstream, colaborando com Katy Perry, Calvin Harris, Frank Ocean e inúmeros outros. O single principal do álbum, “Bad and Boujee” com Lil Uzi Vert (cujo próprio Luv Is Rage 2 você encontrará abaixo), foi inescapável e permaneceu na Billboard Hot 100 por 36 semanas. Donald Glover agradeceu ao grupo em seu discurso de aceitação dos Globos de Ouro, comparando-os com os Beatles. Migos actuaram na Ellen, um dos eventos mais surreais do ano. Pensando em tudo isso, foi talvez predestinado que o disco veio até nós no início do ano, afirmando-se calmamente como a mudança de jogo que iria alterar a paisagem cultural como a conhecemos.
A recepção entusiasmada do álbum faz sentido – as formas lúdicas em que os fluxos individuais de Quavo, Offset e Takeoff se acentuam e se elogiam mutuamente estão sempre no seu auge. A produção elegante de Metro Boomin, Zaytoven, G Koop, Murda Beatz e muito mais mantém o disco a rolar após o replay. “Slippery”, um dos cortes mais melódicos do disco, poderia ter sido “Migos”, que se aproximava do pop-stylings; mas, no final, o pop virou-se e abraçou-os. – Steffanee Wang
Cortesia do artista
Jonwayne, Álbum Rap Número Dois
Logar em qualquer site que centralize música à esquerda do centro e você encontrará dezenas de lançamentos de autoria do rapper e produtor Jonwayne de Los Angeles. Há EPs curtos e de cinco faixas, discos compactos dedicados a treinos de máquina de sampler e cassetes de colecionador, todos datados de seu surgimento durante as últimas edições. Mas o Rap Album Número Dois parece seu primeiro álbum que até os ouvintes casuais, desconhecedores de sua reputação entre os aficionados por batidas, deveriam ouvir. Ele marca conscientemente uma ruptura entre seu novo estado de espírito sóbrio e os anos de turnês internacionais, a bebedeira e “ser um fardo para o meu povo e alienar meus fãs”, como ele coloca em “Afraid of Us”
“I’ve been so caught up in the lack of acceptance / I never focus on the man to accept”, ele faz um rap na mesma faixa. No entanto, é o mesmo talento para compor melodias e arranjos que inicialmente impulsionou a sua carreira que mantém este álbum dinâmico. O sinistro piano de cordas que dirige a sua faixa mais orgulhosa, “TED Talk”, e as cordas arejadas que pairam em seu número mais assombroso e remorso, “Paper”, tornam o Rap Album Número Dois mais divertido e perspicaz do que uma mera confissão de 12 passos. – Mosi Reeves
Cortesia do artista
Ill Camille, Heirloom
Back em Julho, num episódio do antigo podcast de música NPR Microphone Check, Ill Camille deixou as co-apresentadoras Frannie Kelley e Ali Shaheed Muhammad entrar na chave do seu processo de auto-descoberta. Ela se apresenta sob a forma de uma pergunta que ela fez a si mesma em um momento crítico de sua carreira: “‘O que eu amo em mim que eu poderia ampliar e falar e celebrar?'”
A resposta é infundida em toda Heirloom, um álbum que o rapper de L.A. levou quatro anos para ser lançado e lançado. Tal como os seus vocais fumegantes e temperados, Heirloom reflecte a profundidade da sua força, dor e crescimento pessoal. Em 2014, ela perdeu três pilares de sua família em sua avó, pai e um tio. Apesar de ser uma figura no cenário hip-hop de L.A. conhecida por colaborar com vários artistas da Top Dawg Entertainment, contribuindo para o Good Kid de Kendrick Lamar, M.A.A.D. City e apresentando o presidente da TDE Terrence “Punch” Henderson em “São Paulo”, de Heirloom, ela tirou um tempo depois de seu lançamento de 2013 Illustrated para viver na velocidade da vida. O resultado é um álbum que ecoa seu profundo apreço pela família, respeito pela comunidade e amor a si mesma. Com produção da lenda da Costa Oeste Battlecat e outros, é uma meditação jazzy sobre a autenticidade de L.A. – Rodney Carmichael
Cortesia do artista
Brockhampton, Saturação III
Por alguns relatos, uma banda de hip-hop de 12 membros que deixa cair três álbuns no espaço de um ano é um excesso de saturação de livros de texto. Mas é isso mesmo que os membros da equipe BROCKHAMPTON do Texas querem que você acredite. O vibrante e declarativo ethos de BROCKHAMPTON está injetando hip-hop com algo novo.
Saturation III, o terceiro e mais forte álbum da banda em sua série de 2017, encontra Kevin Abstract, Ameer Vann, Matt Champion e companhia mais focada do que nunca; não mais um bando de garotos se revezando em uma batida, mas deliberadamente, contadores de histórias empolgantes. “BOOGIE”, o abre-alto álbum deadrenalina puxa o ouvinte para dentro, “HOTTIE” serve ganchos pop-inclinados enquanto toca em haplessness, e “STAIN” traz odiadores na narrativa. A produção do álbum também é feita por membros da equipe, principalmente Romil Hemnani e Jabari Manwa.
A banda de irmãos desajustados move-se como um – rappers, produtores, engenheiros e webmaster incluídos – e estão ocupando um espaço no rap que, até a história recente, não existia realmente. Com mais música do BROCKHAMPTON a sair no início de 2018, os rapazes vão sem dúvida continuar a quebrar limites e redefinir as capacidades de um colectivo de rap. – Sidney Madden
Cortesia do artista
GoldLink, At What Cost
On his 2015 album And After That, We Didn’t Talk, GoldLink falou deste momento em existência. Em “Palm Trees”, uma canção sobre uma personagem que tenta convencer uma mulher a deixá-lo entrar, ele fala de uma fuga: “Underneath the palm trees / You can leave your worryries”. Mas ele também fala de uma responsabilidade: “Você sabe que eu preciso trazer a minha cidade de volta”, ele faz rap melodicamente, com convicção.
p>GoldLink sempre falou de casa, mas em At What Cost, ele realmente nos leva lá, para as idiossincrasias da DMV, particularmente as áreas de D.C. e do Condado do Príncipe George onde ele passou mais tempo crescendo. Ele documenta a especificidade de sua geração: crianças cujos pais tiveram que lutar contra a era do crack, crianças que pegaram o fim do domínio cultural da música go-go, crianças que ainda se lembram de uma iteração anterior, menos gentrificada da cidade e sabem intimamente o que mudou – e não mudou. O álbum é uma narrativa sobre paixão e rivalidades destrutivas, contada através de referências ricas e estratificadas que as pessoas de fora têm ao Google. Parece que GoldLink fez com que as pessoas que precisavam de hip-hop finalmente reconhecessem sua realidade particular. O resultado é jornalístico, como um documentário intemporal. – Jenny Gathright
Cortesia da artista
Tyler, o Criador, Flower Boy
O Tyler, o Criador está a sofrer um surto de crescimento drástico ou é mais esperto do que o que nós lhe demos crédito. A abordagem chocante do seu trabalho inicial, mas também uma base de fãs raivosos. O fio comum que todos nós compartilhamos foi o nosso impulso para ouvir e ver o que estava por vir. Então, “Treehome95” do álbum Wolf de 2013 aconteceu e a mudança gradual começou, com mais sinais de Tyler, o maestro, a passar por cima da Cherry Bomb. No Flower Boy (promovido como Scum F*** Flower Boy), ele apresenta o núcleo anteriormente escondido de seu antigo eu. Sua pele de Bastardo está quase completamente desfeita aqui, com apenas alguns resquícios do velho Tyler deixados para trás em “Who Dat Boy” e “Ain’t Got Time”. Temos qualidade sobre quantidade em relação às barras, com a mais pesada ênfase na produção primitiva. Os tambores maníacos e os sintetizadores distorcidos são trocados por delicados arranjos de cordas e progressões de acordes. No futuro, eu posso ver Tyler se aprofundando mais no caminho de seu ídolo, Pharrell, marcando filmes e colocando seu Quincy Jones para mais músicos. Então estamos testemunhando a revelação de Tyler Okonma ou outra trama estratégica de um enredo mais longo? Eu diria que muito de ambos. – Bobby Carter
Cortesia do artista
CyHi The Prynce, No Dope On Sundays
É fácil esquecer a arma secreta por trás da vaidade lírica de Kanye West para os seus últimos álbuns, acontece que ele vem de Atlanta. A cidade tem recebido tanto talento nos últimos anos para acelerar falsas narrativas de garotos drogados e considerar o inglês do rei como uma melodia cantada de forma a perpetuar os estereótipos sobre homens negros inarticulados. Mas esta é a mesma cidade que gerou a poesia de André 3K, as linhas de punch de Ludacris e o calor político de Killer Mike. Depois há CyHi The Prynce of G.O.O.D. Fama musical. A única razão pela qual o seu nome ainda não tinha sido divulgado entre os grandes da cidade, apesar de ter lançado várias mixtapes duras, é porque ele não tinha um álbum de estúdio. Isso finalmente mudou com o tão esperado lançamento de No Dope On Sundays. E aqui está a genialidade do seu projeto: ele pega o tropo de tráfico de drogas da cidade e vira a cabeça. Porque, era uma vez em Atlanta, os verdadeiros drogados também reconheceram o Sabbath. Se não para expressar sua fé em Deus, então por medo da unidade policial Red Dog – que era conhecida por fazer varreduras nos momentos mais desrespeitosos. A exibição lírica de CyHi aqui, cheia de metáforas afiadas e de mal jogado de palavras, é louvável em si mesma. Mas é a redenção em que ele se aperta, mesmo quando ele lança a sua própria dualidade, que leva o No Dope On Sundays a um patamar mais alto. – Rodney Carmichael
Cortesia do artista
Jay-Z, 4:44
Como um avatar do capitalismo negro, Jay-Z há muito tempo alternou entre a sua própria especialidade e a generosa divulgação do evangelho para nós almas desafortunadas e decididamente mais pobres. 4:44 se enquadra nesta última categoria, pois ele lança sua tão criticada aventura TIDAL como uma aposta do poder negro na economia musical digital, e oferece sugestões sobre “Family Feud” como: “O que há de melhor que um bilionário?” (“Dois”, sua esposa Beyoncé Knowles coos apreciativamente.)
Apesar da natural oposição à atual disputa da juventude americana com o socialismo – ou melhor, seu zelo em se apropriar daquele momento tão profundamente quanto um candidato à prefeitura do final dos anos 70 pós-Panter Negro – Jay-Z continua sendo um artista encantador e persuasivo. Ele nos dá contos que aprofundam o mito que o cerca, desde confissões de infidelidade conjugal na pista do título até revelações autobiográficas em “Marcy Me” e “Smile”. Ele colaborou com o produtor No I.D. em sua música, cheia de samples de Stevie Wonder e Donny Hathaway. Sente-se desarranjado e terroso, semelhante a ouvir um tio favorito expor em sua cadeira de couro como um fogo quente crepita e um toca-discos cantarola longe. E embora a sugestão de Jay-Z de que todos nós podemos ser financeiramente ricos se trabalharmos duro o suficiente pareça paternalista e ridículo, estamos felizes em ouvir algumas histórias altas dele, de qualquer forma. – Mosi Reeves
Cortesia do artista
Futuro, HNDRXX
Os homens são socializados para suprimir a emoção. Isso vale duplamente para irmãos que operam em um gênero onde a masculinidade tóxica e a misoginia não são apenas celebradas, mas recompensadas com royalties. Não admira, então, que o Futuro tenha levado tanto tempo para escapar das armadilhas do seu sucesso. Eu já escrevi sobre porque este LP é um dos melhores R&B álbuns do ano, então pode parecer uma contradição argumentar por sua inclusão aqui. Mas, se algum álbum destaca um artista que se afasta das limitações estéticas, é o HNDRXX do Future. Este é o projeto que o astronauta residente de Atlanta está morrendo de vontade de lançar desde a sua estratosférica ascensão. Lembras-te da sua saída do segundo ano, Honestamente? O Future teve que recuar após a sua libertação para recuperar as ruas, e ele foi em um longo rasgão de fita adesiva de hinos de armadilha de catraca para fazer isso. Essa saída era muito mais granulada e caleira do que as melodias amigas da pop que apimentavam o LP 2014. É como se os fãs não estivessem prontos para abraçá-lo em toda a sua Honest-y nua. Seu retorno três anos depois a um estado de vulnerabilidade semelhante – desta vez exacerbado pela sua separação pública com a ex-namorada Ciara – deu-lhe ainda mais combustível emocional para esgotar. É uma exibição espantosamente gloriosa de ego masculino e excesso, do tipo que só poderia vir de um homem desprezado. Mas entre as suas linhas amargas, Future revela um coração vitimizado pela mesma fossa emocional em que se afoga, mesmo quando ele se afoga no último suspiro Auto-Tuned. – Rodney Carmichael
Cortesia do artista
Rapsody, Laila’s Wisdom
P Levantando Laila’s Wisdom pela forma como centrava as mulheres negras se sente como o caminho preguiçoso, quando na verdade, se destaca por seus comentários sobre muitas outras coisas: relacionamentos e poder, a indústria da música, um momento político onde parece que todos têm uma plataforma, mas ninguém sabe nada. Os ganchos lusos de Anderson .Paak, BJ the Chicago Kid e a cantora canadiana Merna (cuja contribuição para “You Should Know” é realmente algo que vale a pena continuar) dão ao álbum a sua rica textura. Assim como outros grandes nomes: Kendrick Lamar, Busta Rhymes. Mas as melhores partes do álbum são os longos trechos em que Rapsody está apenas fazendo rap, gerando polirritmos melhor do que qualquer um hoje, empunhando o tipo de jogo de palavras que muitas vezes nos dizem que as pessoas não apreciam mais o suficiente.
Não vou parabenizar Laila’s Wisdom por apenas existir. Vou honrá-la por ser o álbum ao qual acabei voltando, uma e outra vez, para relembrar o que parece ser desafiar qualquer um que te diz para só existir dentro do quadro crítico que fizeram para ti. A letra em que estou preso está em “Black and Ugly”. É uma referência ao remix de “Mais uma hipótese” do Biggie: “Negro e feio e ainda ninguém tão bem como eu”.” – Jenny Gathright
Cortesia da artista
Lil Uzi Vert, Luv Is Rage 2
“Higher than Elon Musk”, gaba-se Lil Uzi Vert em “Neon Guts” enquanto Pharrell Williams o apoia com a sua mistura inimiga de teclados sujos e melodia sentimental. A faixa de destaque não é o único sinal de que o álbum mais popular de Lil Uzi Vert até hoje é a mais recente evolução no pop-rap cantante e sonoro. Em “Malfunction”, ele soa como Wiz Khalifa; em “Early 20 Rager”, ele carrega o “rager baton” que uma vez foi lançado por Kid Cudi. O vocalista de hip-hop da Philadelphia merece algum crédito por alimentar uma tendência generalizada entre os rappers de sílabas de patterning contra as batidas. “Fui eu quem realmente começou tudo isto”, canta em “Two”. Ele adiciona alguns toques emocionais à sua performance, principalmente no grande sucesso, “XO TOUR Llif3”, onde uma namorada lhe diz, niilisticamente: “Todos os meus amigos estão mortos / Empurra-me para o limite.” Mas para cada pequeno mergulho na escuridão narcótica, como em “Sentimentos Mútuos”, há uma maior salpicadura de braggadocio harmónico reconfortante. Lil Uzi Vert pode estar consciente da sua mortalidade, mas está demasiado ocupado a divertir-se para se perder na depressão. – Mosi Reeves
Cortesia do artista
Kendrick Lamar, DAMN.
O loquaz Kendrick Lamar é maná para os investigadores do anel descodificador, que acreditam que qualquer acto de criatividade pode ser desempacotado em partes discretas e explicáveis. Ainda assim, todas as teses, pensamentos e análises profundas em torno da última obra-prima de Lamar – sua fé cristã, sua negritude, suas teorias sobre karma e seu fascínio pelo seu próprio fim físico – não conseguem descrever o ar de tristeza assombrosa que paira sobre tudo isso. Será simplesmente um subproduto de uma época em que a música pop cresceu tematicamente desanimada, propensa a expressões de abuso químico e pensamentos suicidas? Será a grande comedown depois de uma época eleitoral traumática em 2016? Será o fatalismo sobre nossa capacidade de evoluir em seres amorosos e empáticos, resultando na voz desencarnada de Bekon cantando em “Pride”, “Lust’s gonna get you killed / Mas o orgulho vai ser a morte de você, e você, e eu …”?
DAMN. pode ser o mais desesperante dos álbuns de Lamar, um sentimento de que suas afirmações de fé em “Loyalty” e “Duckworth” não pode absolver totalmente. Está impregnada na noção de que fé de qualquer tipo significa sacrifício, apenas com a crença de que suas boas obras serão apreciadas muito depois de você ter ascendido à vida após a morte para sustentá-lo. – Mosi Reeves
Cortesia do artista
Abra Mike Eagle, Brick Body Kids Still Daydream
Os projetos têm sido o pano de fundo de muitos dos maiores contos de fadas do rap. Jay-Z abriu caminho através de Marcy Houses, Prodigy sobreviveu a LeFrak City, Ol’ Dirty Bastard caracterizou as Whitman Houses como um zoológico e Nas usou Queensbridge Houses como arte de capa para ilustrar sua luta. Mas enquanto as imagens dos projetos, e aqueles que vivem neles, muitas vezes são fervidos até uma dimensão, o enclave étnico distinto nascido desses mundos raramente é destacado.
Chicago-born MC Open Mike Eagle faz exatamente isso enquanto ele traz The Robert Taylor Homes à vida para seu álbum de 2017 Brick Body Kids Still Daydream. The Robert Taylor Homes foi demolido em 2007, mas uma vez foi o maior projeto de habitação pública do país. Mike cresceu nesses projetos por meio de parentes que moravam lá. Para o rapper, as Homes tiveram experiências e histórias que ajudaram a moldar a sua identidade. Desde o pragmático e poderoso “Complexo de Tijolos” até aos lisless “(How Could Anybody) Feel at Home” e o doloroso “My Auntie’s Building”, Mike cospe de uma série de perspectivas diferentes, quase como se estivesse a viver numa memória do lugar onde cresceu.
Brick Body Kids Still Daydream ocupa um espaço especial na paisagem do hip-hop este ano porque aborda a política do apagamento e do deslocamento negro de uma forma pessoal, ao mesmo tempo que mostra as simples alegrias das crianças criadas por projetos. Todos nós poderíamos usar mais super-heróis do gueto. – Sidney Madden