Daft Punk On ‘The Soul That A Musician Can Bring’

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Então é verdade que não fazia sentido neste disco pensar realmente no futuro da música ou na música do futuro, em vez de realmente focar, OK, o que estamos a perder neste momento como música e qual é a música que queremos fazer?

E soa como se isto falasse do título do álbum. Random Access Memories. Obviamente a RAM é uma referência a um tipo de armazenamento de dados do computador. O que significa para você aqui?

BANGALTER: É o paralelo entre computadores e disco rígido e o cérebro humano, mas também é realmente divertido com a palavra “memória”, que se tornou um termo e palavra muito técnico, muito estéril. E obviamente quando você usa o plural, que é “memória”, é algo totalmente diferente. É algo que é altamente emocional e nós sempre estivemos muito interessados na diferença entre tecnologia e humanidade e na diferença entre algo que tem uma qualidade emocional e algo que não tem nenhum tipo de qualidade emocional no mundo da tecnologia.

Então sentimos que ir de um termo muito técnico – ou seja, memória de acesso aleatório – para memórias de acesso aleatório mudou completamente a percepção dessas três palavras e as tornou extremamente humanas na forma como queríamos perseguir o conceito deste disco e o processo de fazer este disco da forma mais humana possível.

No álbum, há uma canção chamada “Beyond” e é um pouco um desvio do que as pessoas esperam da sua música na medida em que se abre com este tipo de introdução orquestral. Logo depois, esta música chega às vozes robotizadas alteradas digitalmente que as pessoas podem reconhecer da sua música. Mas fale um pouco sobre o uso de instrumentação ao vivo e elementos orquestrais neste álbum.

BANGALTER: Depois da última turnê mundial que fizemos em 2006 e 2007, paramos de fazer nossa música por cerca de um ano e meio e trabalhamos na partitura de Tron: Legacy, que era um filme da Disney. E foi uma oportunidade muito interessante para nós. Primeiro, porque adoramos fazer cinema e gostamos de fazer filmes em geral, mas também foi uma oportunidade de trabalhar com uma orquestra – algo que sempre quisemos explorar e fazer – e realmente parar esse nosso próprio processo.

passar 12 ou 14 ou 15 meses trabalhando com música orquestral realmente nos abriu a idéia de trabalho em equipe e a idéia de trabalhar com músicos e também uma certa idéia de um espetáculo. É verdade que é algo que tentamos fazer gradualmente, sabe, com os nossos personagens e a nossa pessoa como robôs e tentando construir esta fantasia ou ficção de uma forma divertida.

E depois de termos criado uma digressão muito ambiciosa e mostrar em torno da música electrónica com – estávamos de pé como robôs nesta luz grande e primitiva – pensamos que uma forma de manter esse espectáculo era trabalhar com conjuntos orquestrais, bem como com camadas electrónicas e elementos electrónicos.

Nós realmente adoramos e adoramos essa troca com os músicos e os intérpretes e decidimos tentar fazer um novo disco, mas fazendo-o com músicos ao vivo – não apenas com orquestrações orquestrais, mas também com bateristas e baixistas ao vivo e guitarristas e tecladistas. E fazer de alguma forma uma experiência com música pop de uma nova maneira para nós.

Dizemos que este disco, Random Access Memories, é o nosso primeiro álbum de estúdio apesar de estarmos fazendo música há 20 anos. Mas esta foi uma oportunidade de trabalhar com músicos e glorificar, você sabe, performances ao vivo e a magia das performances humanas e possivelmente fazer um pouco de música de dança ao mesmo tempo.

Foi tão assustador para você?

BANGALTER: Não é realmente assustador. Quero dizer, não temos medo de experimentar. Eu acho que é o oposto. É um processo muito excitante. É um pouco avassalador em algum sentido, mas normalmente gostamos de levar o nosso tempo.

Sabes, estamos a lançar música a cada três, quatro, cinco anos. O último álbum de estúdio – o último álbum que fizemos como Daft Punk – foi em 2005. Nós lançamos Tron em 2010, que foi uma partitura, então não foi realmente um álbum próprio do Daft Punk.

Mas ser capaz de – levar o nosso tempo e experimentar é definitivamente algum tipo de luxo, mas não é realmente assustador porque nos sentimos muito, muito livres e muito liberados de qualquer constrangimento. Nós realmente sentimos que temos a liberdade de experimentar, e se não gostarmos de algo, sabe, podemos trabalhar algumas semanas ou às vezes alguns meses em algumas idéias e colocar tudo no lixo e então começamos de novo.

Gostamos da idéia de não construir o próximo experimento sobre experiências passadas, então gostamos da idéia de nos sentir como iniciantes de novo. Sentimo-nos como principiantes totais quando fizemos a partitura do Tron e aqui porque ia para um estúdio e fazia um disco da mesma forma que as pessoas gravariam talvez há 30 ou 40 anos atrás.

Apesar de com um certo – como se também tivéssemos sabido o que aconteceu nos 30 anos seguintes, sabe. Então, isso foi interessante. Nós estávamos quase às vezes nos colocando em um sentimento de estúdio, ok, podemos estar em 1978 quando estamos fazendo isso no processo, mas ao mesmo tempo sabemos exatamente o que aconteceu nos próximos 35 anos.

Daft Punk’s music tem sido tão bem alinhado – ou tem sido a inspiração para a música eletrônica de dança como as pessoas podem reconhecê-la agora saindo do seu rádio. Você fez um esforço consciente para se afastar das ferramentas desse som, que hoje em dia é o laptop?

BANGALTER: Há uma confusão às vezes com o laptop sendo as ferramentas atuais e de onde vem a música eletrônica inicialmente. Nós vimos da geração anterior de produtores de música eletrônica – antes da idade do laptop. Então muito – a maioria da música eletrônica que fizemos foi feita num estúdio doméstico que era algum tipo de coleção de componentes de hardware de máquinas de bateria, sintetizadores, samplers, pedais de guitarra e numa espécie de processo de bricolagem.

Mas onde estávamos coletando diferentes peças de hardware e fazendo as conexões entre eles para criar nosso próprio ecossistema criativo em algum sentido, um laptop hoje é uma besta completamente diferente. É de alguma forma, a maior parte das vezes, uma espécie de solução de timecode com uma peça de software e muitos instrumentos virtuais diferentes dentro. E assim é um processo muito diferente.

É quase como comparar alguém que faz efeitos especiais práticos usando miniaturas e modelagem e fotografia de time-lapse e depois alguém que tem trabalhado em um computador fazendo efeitos CGI. Então é sintético – é síntese. Mas fazer música com um computador hoje é o que se pode chamar de síntese virtual, que é quase algo diferente.

Queríamos dizer, em nossa busca de experimentar a eletrônica e experimentar o que o futuro poderia ser, talvez tenhamos esquecido algumas técnicas que estão desaparecendo aos poucos. Então nós definitivamente usamos computadores neste registro, mas tentamos usar a tecnologia de uma forma invisível. Dissemos isso antes da mesma maneira que talvez Peter Jackson possa usar a tecnologia para contar a história de O Senhor dos Anéis, para colocá-la na tela. Este disco que estamos fazendo aqui não é um disco tecnológico no sentido em que você colocaria a tecnologia em cima dele. Você o está escondendo em.

Existe uma música no álbum que é um bom exemplo desse tipo de tecnologia invisível?

BANGALTER: Sim, a música “Touch” que gravamos e escrevemos com Paul Williams é um exemplo interessante porque é uma música que tem uma certa qualidade atemporal. Há definitivamente alguma parte do Dixieland e mais alguns sintetizadores psicodélicos e alguns coros infantis e muitos efeitos. Tem cerca de 250 faixas na música e não poderíamos ter lidado com tantas faixas há 30 ou 40 anos atrás.

Multi-tracks estavam limitadas a 24 faixas. Você poderia talvez sincronizar dois gravadores de fita multi-faixa juntos e isso lhe daria cerca de 48 faixas – e embora se você pegasse uma terceira seja – mas usar 250 faixas para fazer esta gravação mostrou que nós estávamos tentando criar algo que é intemporal, mas ao mesmo tempo usando a potência moderna dos computadores de hoje que não podia, nem mesmo era possível, talvez 10 anos atrás.

Este disco definitivamente usa computadores e tecnologia de muitas maneiras – ele simplesmente não usa computadores como instrumentos musicais. Eles são para lidar com recursos e peças de áudio e também para editar a música e juntá-la.

Nós simplesmente não estávamos realmente nos sentindo confortáveis como músicos para poder tocar e capturar certas emoções apenas com computadores como instrumentos musicais ao invés de usar uma guitarra ou sintetizadores analógicos ou um piano, um trombone, um baixo, um kit de bateria ao vivo.

Na música que apresenta Giorgio Moroder, “Giorgio by Moroder”, você o ouve descrevendo como ele começou a usar sintetizadores. E ele é um produtor italiano que ajudou a fazer alguns dos maiores discos de dança do final dos anos 70 – é sinônimo do trabalho de Donna Summer, “I Feel Love” e música eletrônica que realmente é uma precursora do que ouvimos hoje. Pode me dizer que tipo de influência ele teve na sua música?

BANGALTER: Giorgio Moroder é uma influência importante para nós porque ele é um pioneiro de algum tipo e ele tem esta incrível carreira e jornada de vida. Ele começou em uma pequena cidade na Itália e passou a tocar em salões de hotel no início dos anos 60. E então teve esta carreira na música pop alemã no final dos anos 60 e acabou quase inventando ou fazendo parte dos fundadores da discoteca e da música eletrônica e de alguma forma do techno em meados dos anos 70. Depois disso ele se mudou para Hollywood. Ele ganhou o Oscar pela música do Midnight Express e Top Gun, mas fez música para o Flashdance.

É realmente interessante olhar apenas para a carreira de um músico e de um produtor que foi para muitos gêneros diferentes e muitos estilos diferentes e muitos lugares diferentes, mas sempre quebrando as barreiras entre os gêneros e em algum momento reinventando a si mesmo ao longo do caminho, mas também inventando coisas ao mesmo tempo.

Vivemos hoje um momento em que há um foco na música eletrônica e um foco em como a música eletrônica pode ser essa nova tendência ou nova música, e foi divertido para nós fazer uma faixa em torno da vida de Giorgio, esse homem que está nos seus 70 anos e fala sobre sua conexão com o techno e a música eletrônica que aconteceu há 40 anos.

Também a idéia de fazer uma faixa que é quase como uma autobiografia ou como um documentário foi algo interessante para nós porque sentiu na forma que era original. E quando temos uma ideia que sentimos ser original que ainda não foi feita, nós normalmente, sabe, escrevemos num pequeno bloco de notas e tentamos ver se conseguimos fazer algo a partir dela.

Acha que as actuações do final dos anos 70, início dos anos 80 – algumas das grandes actuações pop – correram mais riscos do que as pessoas de hoje?

BANGALTER: Quando você olha para o que podemos chamar de era dourada dos álbuns conceituais, que começa em meados ou finais dos anos 60 e termina talvez no início dos anos 80, é uma época interessante para a música. Você vê todos esses atos muito estabelecidos e populares e bandas e artistas que estavam de alguma forma no topo do seu jogo, mas realmente tentando experimentar. Fazer estes discos realmente ambiciosos e correr muitos riscos e reinventar seu som em algum sentido e realmente experimentar com técnicas de gravação e experimentar com composição.

O melhor exemplo é provavelmente o mais famoso, que são os Beatles, que na época eram os maiores artistas e a maior banda do planeta. E a série de discos e álbuns que eles trabalharam e produziram com George Martin no final dos anos 60 são realmente, a cada vez, uma completa reinvenção e realmente uma idéia de empurrar o limite e sentir-se bem. Houve uma época em que estes artistas estabelecidos eram as pessoas que mais experimentavam.

A experimentação está agora nas mãos da cena underground – da alternativa, das cenas independentes. A cena alternativa e independente de bandas que estão realmente experimentando, mas que podem não ter muitos meios para fazer isso. É o que podemos chamar em francês de algo chamado bricolage – significando que você tenta experimentar com o que você tem, mesmo que você tenha alguns meios limitados.

Mas o tempo para experiências ambiciosas com alguns meios nesta idéia de uma super-produção experimental em música parece já ter passado há muito tempo. E nós definitivamente não somos o – não temos sido o artista mais vendido, mas sentimos que somos hoje. Fomos artistas estabelecidos, e queríamos aproveitar a oportunidade de tentar experimentar – ou trazer de volta um sentimento de ambição, de ambição artística em tentar experimentar e fazer algo que não está por perto em um determinado momento. Gostámos da ideia de fazer algo que nunca tínhamos feito e que ninguém estava a fazer agora.

Soa como, com a canção “Doin’ It Right”, que apresenta o Panda Bear, que estão a colocar a questão a vocês próprios, essencialmente, que se o fizerem bem, as pessoas ainda vão dançar. Mas será com alguma apreensão? Estão nervosos sobre como o álbum será recebido?

GUY-MANUEL DE HOMEM-CHRISTO: Não acho que estejamos realmente preocupados – quero dizer, não podemos – estamos preocupados, mas desde o início fizemos música só eu e o Thomas num quarto pequeno e estávamos apenas a divertir-nos e ainda nos estamos a divertir. E isso é o principal – isso é o que gostamos de fazer e é o que tem sido durante 20 anos.

A magia – podemos tentar capturar a magia – a música que sai das colunas. Esse brilho de magia que podemos obter às vezes é exatamente o que estamos procurando e se funcionar enquanto estamos no estúdio nós dois, então pensamos que talvez possamos compartilhá-la com um público. E tem sido o caso desde o início.

Então a principal prioridade para nós é estarmos felizes com o que estamos fazendo, sabe? E nos certificamos que o resultado, com um teste de tempo, que as músicas que estamos fazendo ainda são relevantes depois de alguns meses ou algumas semanas para nós, e se ainda estivermos felizes depois desse tempo, então compartilhamos com as pessoas.

Mas nós nunca – o pior para nós seria colocar para fora algumas músicas que não validamos totalmente. É por isso que desde o início trabalhamos com uma grande empresa, mas ao mesmo tempo fomos produtores da nossa música e independentes.

A grande diferença com o Random Access Memories e talvez o Tron é que decidimos partilhar a experiência de fazer música com uma equipa maior. Nós não somos realmente músicos habilidosos. Quer dizer, eu sei tocar um pouco de guitarra. O Thomas sabe tocar piano. Por uma vez decidimos sair deste quarto e não tocar os poucos loops que podíamos tocar como músicos pobres. Estamos realmente felizes em ver que a nossa visão foi mantida e que pudemos ter muitas pessoas a bordo e partilhar este álbum com todas estas pessoas. Ver todo o entusiasmo é talvez uma das coisas que mais nos deixa mais felizes.

Guy-Man, antes o Thomas disse que vocês estavam a tentar fazer a música de hoje – que faltava algo, de certa forma. O que vocês acham que é isso? Qual é a música de hoje?

DE HOMEM-CHRISTO: A música de hoje é um monte de estilos diferentes, um monte de gêneros diferentes. Como Thomas apontou, é muito gerada por computadores, e está tudo na caixa, no seu laptop. Desde o início, com nosso primeiro álbum, nós queríamos fazer a música que talvez estivesse faltando ao nosso redor – a música que queríamos ouvir.

E é verdade que nos últimos anos, com esta música gerada por laptop ao nosso redor, seja e-pop, EDM, até mesmo música pop – todos os gêneros foram feitos com estes computadores – o que realmente estava faltando para nós é a alma que um músico player pode trazer. Nós tomamos uma direção totalmente diferente do que está lá fora, eu acho, agora, e simplesmente voltamos a trabalhar com os músicos. E alguns músicos realmente bons que passaram por todas as grandes épocas dos álbuns dos anos 70 e 80, todas as grandes obras-primas que conhecemos. Acho que conseguimos – espero que consigamos trazer de volta alguma alma e emoção.

Então não é a música de hoje ou a música do futuro ou do passado. Algumas pessoas pensariam que é meio retrô trabalhar com esses caras e ter esse tipo de, tipo, disco ou funk, mas para mim é só colocar um pouco de soul ou alguma vida na música.

BANGALTER: Eu realmente não disse a música de hoje, ao invés da música que queríamos ouvir hoje. É uma posição muito humilhante, e não estamos a fazer isto de forma alguma baseada no que iríamos ouvir, sabes?

É uma abordagem muito subjectiva, pessoal e instintiva como músicos de dizer: “Não queremos substituir o que está à nossa volta; só queremos alargar as possibilidades”. Há um certo artesanato na gravação de música em estúdios que está gradualmente desaparecendo e pensamos que isso talvez fosse uma coisa triste para esse artesanato desaparecer.

Essas técnicas que foram desenvolvidas ao longo – talvez desde o início do áudio gravado no final do século XIX por 60, 70, 80 anos, até o auge da qualidade do arquivo de áudio em talvez meados dos anos 70, início dos anos 80 – essas técnicas não devem desaparecer completamente. Foi realmente uma homenagem a um certo artesanato que sentimos que estava desaparecendo.

p>Estaremos ouvindo um pouco disso numa música como “Lose Yourself to Dance”? Será que tem essa qualidade que você estava procurando? Uma espécie de calor e um princípio de prazer?

BANGALTER: “Lose Yourself to Dance” é provavelmente a faixa mais simples do ponto de vista da produção do disco, onde tem a menor quantidade de elementos. Mas ao mesmo tempo, sentimos que tem esta qualidade que procuramos porque não tem nenhum instrumento electrónico ou bateria electrónica. O único elemento eletrônico é a voz robô, que é um vocoder.

Mas toda a fantasia que tínhamos, e todo o sonho que tínhamos, era podermos fazer, ou ainda podemos fazer, hoje, música de dança sem máquina de bateria?

Não sabíamos se isso era possível. Apenas a ideia de ter John JR Robinson, que é um dos melhores músicos, bateristas do mundo – o baterista mais gravado, acho eu, na história da música pop – tendo-o com o seu sólido groove e com Nathan East, este baixista incrível e depois Nile na sua guitarra fazendo magia e Pharrell cantando e nós com os vocoders cantando com ele – é um layout muito simples, mas é extremamente humano.

Era isso que estávamos tentando criar – música de dança quase criada de uma forma acústica. Guy-Man disse que é tudo sobre se divertir; música é sobre fazer você se sentir bem. É também sobre ter um ponto de vista forte e talvez fazer algum tipo de declaração, qualquer que seja a declaração que possa ser ou venha a ser.

Sentimos que, seguindo este caminho e trabalhando com músicos e fazendo isto acusticamente e tomando o tempo de gravar tudo do zero – não usando nenhum banco de som, nenhum preset, nenhum instrumento virtual, usando camadas de palmas e tomando o tempo de gravar as palmas por quatro minutos, ou usando um agitador e gravando o agitador por quatro minutos e não confiando na tecnologia de usar estes bancos de som – parecia que era uma afirmação que estávamos tentando fazer de uma forma muito genuína com muito entusiasmo e se divertindo.

Os computadores talvez estejam nos ajudando e poderiam fazer a música ao invés de nós e podemos nos tornar esses super-escritores, mas não sentimos que é aí que está a diversão. A diversão é fazer a música de verdade e não confiar totalmente ou confiar principalmente ou fortemente na tecnologia. Não tem nada – novamente – nada de julgamento, mas para nós foi apenas mais divertido e mais desafiador fazê-lo desta forma porque na verdade é muito mais difícil.

Você está falando muito sobre como colocar a humanidade de volta nesta música, e ao mesmo tempo uma grande parte da sua persona é a idéia do robô. Vocês estão sempre em público com os capacetes para que as pessoas não saibam como vocês são; o uso dos vocoders e das vozes dos robôs nas músicas. Parece que é o oposto, realmente, do que você está tentando fazer aqui.

BANGALTER: É e não é. A ficção e a história, é sobre estes robôs. Realizámos um filme experimental há cerca de sete anos, há oito que se chamava Electroma e que seguiu a história destes dois robôs que estão no deserto e que de alguma forma estavam a tentar desesperadamente tornar-se humanos. E talvez seja isso que de alguma forma é a história deste disco, a história destes andróides ou destes robôs ou destes vocoder, vozes robóticas que estão a tentar sentir uma emoção. Ou tentando ter seu lado robótico indo em direção à humanidade em um mundo onde seres humanos estão gradualmente indo em direção à tecnologia e em direção a essa idéia de robôs, você sabe?

É talvez algo que nós sentimos, que é que somos dois robôs tentando se tornar humanos. Então ele se encontra a meio caminho; ele tem esse tipo de qualidade ciborgue e dróide, mas parece que é uma história que tem alguma emoção com ele. Porque é sobre inteligência artificial em algum sentido, mas é da mesma forma que, se você tem HAL, você sabe, em 2001 – uma entidade artificialmente inteligente que é muito elegante e que talvez saiba – é tão inteligente que ele sabe que não é um ser humano. Aqui não se trata do seu lado inteligente, mas sim do seu lado emocional. Um robô que é triste porque não consegue sentir, ou algo do género. Então é quase este paradoxo.

Mas sempre foi para nós sobre a interação entre tecnologia e humanidade, e nós não poderíamos ter feito nosso projeto, definitivamente, sem tecnologia. Como Guy-Man disse, somos músicos pobres em termos de intérpretes.

Criamos a música inicialmente com máquinas de bateria e samplers e pegando pequenos pedaços de discos e também usando sintetizadores. O que nós somos são produtores e compositores. Estamos sempre a tentar ter um sentido de melodia e harmonia e coisas que sentimos que somos capazes de gerir. Mas a nível de produção, nós confiamos totalmente, é verdade, na tecnologia. Isso não significa que não possamos, num determinado momento, olhar para a tecnologia e talvez não decidirmos glorificá-la.

Vivemos e somos totalmente viciados e estamos totalmente ligados à tecnologia nós mesmos, mas estávamos interessados, mais uma vez, em manter uma certa habilidade que talvez existisse antes da tecnologia que pensamos que não deveria desaparecer completamente e que tem o direito de coexistir com a tecnologia de hoje.

E esta coexistência e esta ideia de misturar ambas é o que nos deixa excitados com o futuro, com a obtenção do melhor de ambos os mundos e com a combinação das superpotências dos processadores de computadores com ideias e coisas reais e reais.