Looking back at the most influential Japanese songs of the 2010s

At times it seemed the 2010s were just one long wistful gaze into the past, particularly when it came to trends in music.

Streaming services allow people to digmer into the back catalogs of an artist’s work in seconds, while YouTube uploads fill in any gaps. Assim, quando o ícone da música David Bowie morreu em 2016, os filhos de seus fãs conseguiram alcançar uma carreira multidisciplinar em um fim-de-semana de muita festa.

Os músicos japoneses não estavam imunes a essa virada nostálgica, atraindo influência em particular dos anos 80 e 90. Globalmente, a música pop japonesa não ganhou muita atenção do estrangeiro. Contudo, os fãs descobriram e celebraram todas as coisas antigas e obscuras sobre a música japonesa, transformando discos menores da era da bolha em ouro online moderno.

Dado como a música japonesa leva tempo para receber o reconhecimento geral, imaginemo-nos a chegar ao final dos anos 2040. Os anos 2010 estão agora tão na moda e influentes para a juventude do futuro como os anos 80 foram para nós. No Japão de 2040, que jóias você acha que serão desenterradas e valorizadas mais uma vez?

Bem-vindos a 2049

Na metade do século XXI, uma celebração do velho e obscuro se destacou como um dos desenvolvimentos mais interessantes da década de 2040. Cada geração mineira um ano atrás nunca soube, e os miúdos desta década puseram os olhos nos anos finais da Era Heisei (1989-2019).

Japão parecia não ter quase nenhuma influência na cena musical global durante os anos 2010. Poucas pessoas fora do país estavam documentando a música que nós apreciávamos naquela época, porque ela parecia totalmente desfasada das tendências mais amplas ao redor do mundo. O novo entusiasmo em torno dela nos anos 2040 foi em parte devido à emoção de descobrir o obscuro, ainda assim alguns de nós estávamos apenas à procura de uma boa batida de uma época que nunca conhecemos em primeira mão. Durante a década de 2010, o Japão foi definido pela cultura kawaii e pelas mídias sociais, e, após a devastação do Grande Terremoto do Leste do Japão, foi, em sua maioria, um lugar bastante fácil de se viver – especialmente considerando a agitação ocorrida no resto do mundo.

A década de 2010 viu um fascínio semelhante com a música japonesa mais antiga. Os fãs de música não japonesa escavaram em tudo, desde pop cintilante a discos ambientais experimentais e a música japonesa assume a música havaiana. Embora nunca tenha roubado as manchetes, o J-pop da década teve um impacto muito mais profundo nos ouvintes e criadores. Subseções inteiras de música eletrônica tentaram recriar o som de Yasutaka Nakata e os grupos que ele produziu, como Perfume, e micro-gêneros inteiros da internet evoluíram em torno de samples desbotados de clássicos pop japoneses. Os anos 2010 foram o auge da música japonesa dos anos 80, e os anos 2040 lançaram um foco semelhante na música japonesa dos anos 2010.

Embora muitas canções tenham gozado de renovado reconhecimento, as faixas que se seguiram estavam entre os maiores sucessos nostálgicos dos anos 2040:

Izumi Makura: “balloon” (2012)

Tastemakers e os agora extintos hypebeasts que vagueavam pela paisagem dos anos 2010 procuravam incessantemente pelo rap japonês fixe para apresentar ao mundo. Praticamente todos os esforços nessa frente terminaram em Kohh, um artista talentoso, mas mediático, cujo auge foi convidar para uma música de Frank Ocean disponível apenas em forma de revista. A maioria dos rappers japoneses de hip-hop tinham como objetivo simplesmente imitar rappers americanos muito superiores do Sul, com resultados decrescentes.

Women, por outro lado, abordaram o gênero de diferentes ângulos nos anos 2010, e fizeram o trabalho que ainda se conecta com a juventude de hoje. Criadores pop-friendly como Chelmico encontraram espaço no mainstream, enquanto MCs mais ferozes como Chanmina e Awich viajaram em espaços há muito dominados por homens. Depois houve “rappers sussurrantes” como Daoko, Bonjour Suzuki e Izumi Makura, cuja entrega mais suave e foco na vida diária em suas letras ofereciam músicas como contos capturando os altos e baixos da juventude da década. Uma canção como “balão” luta com temas intemporais como ennui e depressão em pequenas cidades, repleta de pequenos detalhes que aumentam a sua profundidade. A faixa se destacou então por causa de como abordou o rap de um novo ângulo, mas é relatável anos depois por causa do humor que ela conjura.

Mondo Grosso: “Labirinto” (2017)

“Labirinto” soou fora de lugar nos anos 2010. Nenhuma das tensões dominantes da música pop na década aparece ao longo dos seus cinco minutos de execução. O produtor Shinichi Osawa, mais conhecido pelo seu nome artístico, Mondo Grosso, fundiu os sons da casa profunda com o piano cintilante e as ondas das cordas para criar uma faixa tanto cinematográfica como física. Por cima disso, a atriz-cantora Hikari Mitsushima canta sobre tentar saborear um momento que não pode durar para sempre, mas ela vai tentar tudo o mesmo. Juntamente com um videoclipe ambientado em Hong Kong, que estava na ponta de empurrar para sua eventual independência, “Labyrinth” continua sendo um dos lançamentos mais deslumbrantes da década no país, e um que ainda pode encantar novos ouvidos.

BiS: “STUPiG” (2014)

Peppy idol pop groups dominou as paradas musicais japonesas nos anos 2010, com projetos particularmente alegres como AKB48 e seus grupos irmãos se saindo muito bem. Estes animados behemoths se tornaram grandes o suficiente para inspirar uma comunidade reacionária de “ídolos alternativos” que, enquanto operavam em um modelo de negócios similar, produziram músicas muito mais interessantes, desde a teatralidade hiperativa do Dempagumi.inc até os arremessos autoconscientes do Negicco e o Necronomidol de referência oculta.

Nenhum deles provou ser mais importante que o BiS, uma roupa que deliberadamente empurrou a idéia de idol pop para suas franjas externas. “STUPiG” chocou na época e continua a fazê-lo agora. É difícil imaginar qualquer faixa de J-pop – muito menos uma faixa que esteja no Top 10 no seu lançamento – a ser construída em torno de tagarelas e vocais gritados. “STUPiG” é claustrofóbica e caótica, mas ainda carrega uma ténia de um gancho que revela algum calor por baixo. Seria um total outlier em qualquer lugar e a qualquer hora, mas tudo isso faz parte do charme, mostrando o quanto ousado o J-pop poderia ficar se você se aventurasse até os limites.

Foodman: “Ez Minzoku” (2016)

Poucos cantos da música japonesa continuam a se deliciar como as comunidades experimentais da nação, e o tempo tem sido especialmente gentil com esse tipo de produção dos anos 2010. Muitas das mais célebres curiosidades ofereceram um reflexo de alta definição da vida saturada pela cultura pop e pelas mídias sociais, graças às colagens de samples madcap do DJWWW, woopheadclrms e as dezenas de lançamentos difíceis de localizar (e, hoje, altamente valorizados) lançados pela gravadora Wasabi Tapes. Outros ofereceram mutações coloridas, desde a corrida do açúcar Technicolor de Toiret Status até as músicas mais íntimas de denpa do emamouse. No entanto, nenhum álbum derrete melhor o cérebro do que “Ez Minzoku”. Esse foi o lançamento do álbum mais difícil do período, Foodman, que agora está no topo do ranking com Keiji Haino e Phew. Ele pegou sons aparentemente díspares e divinizou batidas off-kilter de punhados de guitarra, sintetizadores, vozes gritantes e o que mais estivesse à mão.

Soutaiseiriron: “Miss Mundo Paralelo” (2010)

Nenhuma banda no Japão provou ser mais influente nos anos 2010 do que o Soutaiseiriron. Quebrando em grande no final dos anos 2000, o grupo merece crédito por estar bem à frente da nostalgia da década, construindo suas músicas em torno de melodias de guitarra da Era Showa, que logo seriam captadas por imitadores (Passepied), alter-rockers (Frederic) e surpresas virais (Gesu no Kiwame Otome.). A letra do vocalista principal Etsuko Yakushimaru, com a mesma impressão que foi feita pelo vocalista, Etsuko Yakushimaru, com a entrega de canções e letras de dicção. Tentar encontrar demasiado significado nas suas palavras revelou-se inútil – ela estava a brincar com trocadilhos e reviravoltas de frases, colocando toda a ênfase em como tudo soava e não no que elas significavam. Bandas de rock para sussurrar rappers seguiram esta fórmula, e todos os caminhos levam de volta ao Soutaiseiriron quando tentava cavar tudo.

Mariya Takeuchi: “Plastic Love” (1984/2018)

Tente isto com seus amigos nerds da próxima vez que sair – pergunte a eles quando o “Plastic Love” de Mariya Takeuchi saiu originalmente, e aposto que a maioria deles dirá “em algum momento nos anos 2010”. Vais dar-lhes cabo da cabeça quando revelares que saiu pela primeira vez em 1984. No entanto, este bocado de disco-pop melancólico parece tão apropriado para os anos 2010 como para os anos 80, se não ainda mais. É a canção definitiva do “city pop revival” desse período, uma época em que as crianças ocidentais armazenavam sons japoneses mais antigos como se fosse água engarrafada antes de um tufão, enquanto atos ocidentais e coreanos da moda foram emprestados do som funk-indebted até os anos 2020.

Yet “Plastic Love” também foi uma canção tornada “famosa na internet” por um algoritmo do YouTube, com o toque adicional de uma versão de quase oito minutos que ficou viral sendo uma mutação do corte original de cinco minutos. Mas é o núcleo emocional de “Plastic Love” que realmente encanta. Takeuchi nunca experimentou pessoalmente os despojos da era da bolha enquanto eles aconteciam, e foi ela imaginando como poderia ser a vida na bolha em todos os seus altos e baixos – que é como incontáveis ouvintes em todo o mundo se aproximaram da canção nos anos 2010 e nas décadas após ela se tornar um padrão pop global.

group_inou: “Therapy” (2010)

Ask your grandparents what a “genre” was, kids, and be surprised to learn that there was a time when people were happy to fence off musical ideas from one other. O duo group_inou se encaixava muito bem no mundo livre de 2049, mas surgiu na primeira parte dos anos 2010, quando misturar rap, palavra falada, dance-pop e comédia em uma só música ainda era um conceito bastante estranho. Essa melodia, que também apresentava passagens sobre a dolphin therapy, só a tornava estranha.

Save para artistas centrados na internet como tofubeats e Mikeneko Homeless correndo em paralelo ao grou_inou, a abordagem ramshackle para soar o par aperfeiçoado em “Therapy” só se tornaria clara na música japonesa mais tarde, nos anos 2010, quando actos mais jovens como Haru Nemuri, a mãe e (especialmente) a quarta-feira Campanella canalizaram o espírito de fluidez livre do par na sua música.

Dean Fujioka: “History Maker” (2016)

Anime e videojogos também foram varridos para cima na actual boon em retromania, embora ao contrário da maioria das canções japonesas desse período, os lançamentos que receberam amor nos anos 2040 foram bastante grandes a nível global nos anos 2010. As trilhas sonoras destas criações também se tornaram procuradas. Dezenas de selos de reedições de boutique surgiram nos últimos cinco anos para trazer edições especiais de música de jogo difícil de encontrar para os fãs, ajudando a elevar as melodias alegremente encontradas em “Persona 5” e os cenários melancólicos de “Nier”: Automata” para o mesmo status das trilhas sonoras do Studio Ghibli.

O mesmo vale para o anime dos anos 2010, passando de uma obsessão de nicho para algo digno de louvor e estudo quase 30 anos depois. A série de 2017 “Yuri!!! On Ice” goza agora de elogios críticos, graças a uma das melhores histórias a emergir do mundo da animação japonesa durante este período e por ser um exemplo precoce da mídia japonesa destacando o amor entre pessoas do mesmo sexo de uma forma não estereotipada. Naturalmente, o tema de Dean Fujioka também chegou a novos fãs, e não apenas por causa de como os faz pensar no dito drama de patinação artística. Ele ganha pernas extras ao fundir o som da EDM 2010 na tendência com o flair da orquestra, mas lembra o quanto a mídia japonesa da época estava interligada.

Famm’in: “círculo” (2016)

A beleza de olhar para trás é poder celebrar adequadamente ideias verdadeiramente originais que foram ignoradas no seu tempo. Chamar o projeto de 2016 de Famm’in em um supergrupo seria dar-lhe muito crédito. Consistia em um ato de J-pop que passou a década tentando ganhar dinheiro em torno do K-pop (Faky), um duo que experimentou alguma fama viral graças a uma canção celebrando o quanto seus membros adoram dinheiro (Femm) e um cantor-compositor (Yup’in).

De alguma forma, o projeto limitado resultou em um “círculo”, uma canção que se insere na natureza circular da existência, contrapondo-se a elementos da música tradicional da corte japonesa e à percussão então moderna. Ela não teve chance quando foi lançada, mas 30 anos depois sua originalidade pode ser apreciada adequadamente.

mus.hiba: “Slow Snow” (2014)

Muita tecnologia de mudança de jogo acabou sendo um fracasso durante o “tech-rush” dos anos 2010. Óculos inteligentes servem principalmente como um adereço nos filmes para mostrar como as pessoas eram mal orientadas na época, enquanto o SoftBank usou todos aqueles escritórios abandonados da WeWork para esconder os robôs Pepper que restavam e que eles poderiam salvar. Adicione cantores virtuais a essa lista.

Enquanto Hatsune Miku e amigos brincavam com um mundo melhor através do software Vocaloid – e apresentava em algumas geléias legítimas de décadas – a tecnologia mudou nos anos 2020 para uma forma de as pessoas ganharem dinheiro com celebridades mortas e para estrelas pop virtuais como Kizuna AI agirem como seus predecessores de carne e sangue. Muitos, então, escolheram imaginar o mundo que poderia ter sido.

Tokyo electronic artist mus.hiba’s “Slow Snow” usa a voz digi do personagem Yufu Sekka como mais uma camada num sonho de febre sônica, não se preocupando muito em transformar um programa de computador numa pessoa, mas sim em ver o que é possível artisticamente com este novo instrumento. Muitos produtores fantásticos fizeram coisas semelhantes, e mesmo que esse sonho se tenha transformado em novidade, a música deles ainda pode cortar através.

HNC: “I Dream I Dead” (2010)

“Spookiness” na cultura japonesa de 2010 estava intimamente ligada à reputação “kawaii” do país, melhor representada por espetáculos como “Shibuya Halloween” (pelo menos até ser banida em 2024 após o grande incêndio de outubro que derrubou o Don Quixote Megaplex). Cavar por baixo do exterior colorido, no entanto, revelou muito pavor. Atos indianos como Jesse Ruins, Sapphire Slows e Hotel México (em um ponto todos juntos) ofereceram vislumbres de êxtase envoltos em sombras, enquanto o trabalho do pioneiro japonês Goth-Trad, que definiu o trabalho, se inspirou nas estranhas realidades da vida no Japão depois do terremoto e tsunami de 11 de março de 2011, e o Eadonmm de Osaka aproveitou o mesmo clima inquietante para sua estréia, “Aqonis”. Mesmo um grande acto J-pop como AKB48 encontrou tempo para ficar um pouco pesado no “Uza” de 2012.”

“I Dream I Dead” perturba mais do que qualquer um deles, no entanto. Vem de um artista que poderia facilmente ter ajudado a definir a imagem mais suave que está por vir. HNC costumava ir por Hazel Nuts Chocolate e fazia pop de brinquedo fofinho celebrando tópicos como sorvete e gatos. Ela se voltou para a preocupação atemporal da morte e o mal-estar que a cercava, criando um dos cenários musicais mais arrepiantes a partir de sinos e notas de bateria gaguejantes. “I Dream I Dead” lembra-nos que as pessoas no Japão não estavam todas cheias de pensamentos fofos, e acrescenta um bom contrapeso à imagem para a qual o país naquela época é lembrado.

Kyary Pamyu Pamyu: “PonPonPon” (2011)

Nenhum artista definiu a imagem do Japão para o mundo nos anos 2010 como Kyary Pamyu Pamyu Pamyu.

Se você folhear um filme do período que menciona o Japão, as chances são muito boas de você ouvir uma de suas músicas em segundo plano quando o diretor está tentando transmitir a idéia do país para os ouvintes. As faixas dela apareceram em livestreams de videogame e memes em igual medida, enquanto seu senso de moda mishmash marcou o ritmo de como as pessoas imaginavam crianças em Harajuku vestidas no dia-a-dia. O Japão nessa época era visto como um país das maravilhas da Technicolor, com uma margem um pouco estranha, e Kyary Pamyu Pamyu apresentou essa imagem, não mais claramente do que em seu single de estréia, “PonPonPon”

Havia mais sobre o pop do playroom da faixa – um clipe kawaii-gone-sinister que muitos vieram a amar depois que ela se tornou viral no início da década. Ele surgiu meses após o grande terremoto do Japão Oriental de 2011, um trauma nacional que definiu a década. As pessoas queriam escapar, e “PonPonPon” ofereceu exatamente isso com um ressalto implacável e letras que celebravam as pessoas sendo elas mesmas. Como importante, sua idéia hiper-colorida ainda hoje domina a estética japonesa.

A música veio cortesia do produtor Yasutaka Nakata, cujo eletro-pop baixo-cêntrico já estava infiltrado no mundo da música eletrônica de dança da época, mas aqui ele encontrou uma nova paleta sônica para brincar. Countless artists all over the world tried to imitate it, but none have had the lasting impact of this slice of pure pop perfection.