30 Dichterinnen, die Sie lesen sollten

Amy Kings atemberaubende Poesie spiegelt dasselbe unerschütterliche Engagement wider, das sie in ihre Rolle bei VIDA: Women in the Literary Arts einbringt: Ästhetik, die in der Ethik verwurzelt ist, Fürsprache für die Gemeinschaft und Schnittmengen. Kings Gabe, die unter anderem von John Ashbery bewundert wurde, scheint darin zu bestehen, die Lyrik die chaotische Lebendigkeit des modernen Lebens ergreifen zu lassen, die sich nahtlos zusammenfügt:

So hört es sich draußen an,
fette Gänse und Perlhühner, die sich die Hände reichen.
Ich bin 31, was sehr jung für mein Alter ist.
Das reicht, um zu erkennen, dass ich ein Bleistift bin, der gelernt hat
wie man das Internet zeichnet. Ich erkläre Schnörkel
, die genau beschreiben, wie ich mich fühle, und du wirst auf eine Weise zum Lesen angezogen
, wie du es noch nicht kannst. Langsam geht der Zug
der Schöpfung, wie das, was innen ist, außen wird,
was die rhythmische Aufrichtung der Essenz ist.

Bhanu Kapil

Kürzlich betrat ich ein Klassenzimmer, in dem die wunderbare Evie Shockley gerade eine Klasse von Studenten in Bhanu Kapils jüngstem und, wie ich finde, einem der anspruchsvollsten Bücher zeitgenössischer Poesie unterrichtete, das im 21. Ich bewunderte den Ehrgeiz, angehenden Dichtern die Strenge dieses Werks zu vermitteln. Ban en Banlieue, eine unverzichtbare Lektüre, steht am Abgrund zwischen dem, was auf einer gedruckten Seite präsent und abwesend ist. Ich beschreibe Kapil oft als die Art von Schriftstellerin, die sich nicht damit zufrieden gibt, einfach nur die von ihr beabsichtigten Gedichtbücher zu schreiben, sondern vielmehr deren Exoskelette. Das heißt, Bücher, die ihren radikalen Weg des Verlassens, der Überarbeitung, der Selbstverwirklichung durch Fragmentierung, Selbstauslöschung und das Unsagbare aufzeichnen. Suchen Sie nicht weiter nach einer Dichterin, die furchtlos das Selbst, die Verschiebung, die Dekolonisierung, das geografische und kulturelle Gedächtnis befragt. Ihr Blog, ihr Twitter, ihre Lehrtätigkeit sind immense Ressourcen.

Brian Blanchfield

Brian Blanchfield ist ein weiterer erschreckend guter zeitgenössischer Dichter, wie Bhanu Kapil, der von Nightboat veröffentlicht wird, einem unserer zuverlässigsten Kleinverlage. Ich gestehe, dass ich Blanchfield, einen schwulen Dichter und Hart-Crane-Besessenen, oft als eine Art älteren, talentierteren Bruder betrachte. Sein zweiter Gedichtband, A Several World, wurde zu Recht für seine schier enzyklopädische Majestät des Themas gelobt. In seinem neuen Buch Proxies, das teils Memoiren, teils Kritik ist (man denke an Maggie Nelson), wird er zum erstaunlichen Chronisten seiner eigenen zerbrechlichen, verfallenden Erinnerung. Das Buch ist vollständig so geschrieben, wie er sich erinnert (an Freundschaften, Sex, Lesen, homophobe Begegnungen, Tumbleweed), mit einem brillanten Korrektiv im Anschluss, um die eklatanten Unterschiede zwischen Fakten und Erfahrungen, wie er (wir) sie wahrgenommen hat, und ihrer objektiven Realität anzusprechen. Einfach ein brillantes Buch.

CAConrad

Kein Dichter scheint mir mit seiner Präsenz in den sozialen Medien und auf der Bühne mehr zu den mystischen Wellenlängen der Imagination und Neuerfindung zu passen, die seine eigenen Gedichte ausüben, als CAConrad. Conrad zu lesen, zu hören, ihm zu folgen, bedeutet, von einem Geist der Empörung und der Barmherzigkeit ermutigt zu werden, der unapologetisch queer, unerschütterlich politisch, schrullig und originell ist. Die zeitgenössische Poesie hat mir in den letzten Jahren vieles bewiesen: vor allem, dass die Aufhebung der formalen Unterscheidungen von Seite/Person, Ästhetik/Ethik, Performance/Lyrik längst überfällig und glücklicherweise im Gange ist. Und inmitten dieser dringend notwendigen Aufteilung geht CA voran. Und man sollte noch hinzufügen, dass es nur wenige gibt, die sich unermüdlich für ihre Dichterkollegen im ganzen Land (und darüber hinaus) einsetzen, wie er es tut. Sehen Sie sich hier den Trailer zu diesem Dokumentarfilm über ihn und seine Arbeit an.

Carmen Giménez Smith

Die Arbeit von Carmen Giménez Smith repräsentiert für mich das gesamte Paket dessen, was Dichter und Poesie anstreben können: Sie ist Lehrerin, Herausgeberin von Noemi Press (wo kürzlich Douglas Kearneys neuer Essayband erschienen ist) und radikale poetische Innovatorin. Jedes Mal, wenn ich ihre feministischen Latina-Gedichte unterrichte, strahlen meine Schüler, als wollten sie sich dafür bedanken, dass sie uns gezeigt haben, dass auch dies möglich ist. Ihr neuestes Werk, das kürzlich auf der Website von PEN America vorgestellt wurde, ist sowohl eine Abrechnung mit der lyrischen Innerlichkeit als auch eine Abrissbirne für den Mut zur sozialen Gerechtigkeit. Mit Zeilen wie den folgenden werde ich jede Veröffentlichung und jedes Projekt von Smith mit Spannung erwarten:

Ich hatte einst
braun hinter mir gelassen
und ihre Zunge
und das Gewand
das das mich zu dem ihren machte
, denn es fühlte sich an, wie
das Volk
zurückzulassen, um den Vater
zurückzulassen
in der Sprache meiner Mutter
in den
langen und tiefen Vokalen zu lallen
bedeutete, ich könnte Minderwertigkeitskomplex
zurücklassen
nicht wirklich oder jemals
aber in der Theorie

Ich lasse
das Haus zurück, das wir
versuchten, wie die Nation
auszusehen
und die Vergangenheit, die ich kenne
Ich lasse meine Verletzungen
zurück, ich hoffe, ich lasse
deine wahrscheinlich nicht

Cathy Park Hong

Besonders in den letzten zwei Jahren, haben mir Dichterinnen und Dichter vorgemacht, wie sehr wir uns als Kultur mit unserem historischen Erbe auseinandersetzen müssen, um eine Brücke zwischen dem Strukturellen und dem Persönlichen zu schlagen, nicht nur durch Theorie und Erinnerung, sondern auch durch Kritik und Kreativität. Cathy Park Hongs Gedichte und Essays haben einen großen Einfluss auf Dichtergemeinschaften gehabt, die mit ihren Experimenten sichtbar werden wollen. Ihr einflussreicher „Delusions of Whiteness in the Avant-Garde“, der von der erstaunlichen Zeitschrift Lana Turner veröffentlicht wurde, war ein wegweisendes Werk, das von Tausenden gelesen wurde. Es signalisierte farbigen und weißen Dichtern gleichermaßen, dass die Gespräche, die wir über Rasse führen, manchmal abstrakt, intime und unmittelbare Konsequenzen für das Schreiben haben, das unter dem beneidenswerten Banner des „Experimentalismus“ und unter dem Titel der „Identitätspolitik“ zusammengefasst wird. So wie ihre Gedichte die globale Allgegenwart der englischen Sprache dekonstruieren, haben ihre jüngsten Prosaschriften die vorgefassten Erzählungen, die der „ethnischen Literatur“ innewohnen, untergraben. Sie ist zu einer unserer gewissenhaftesten Stimmen geworden und eine Poesie-Redakteurin bei der New Republic, auf die man sich verlassen kann, wenn es darum geht, die schwindelerregende Bandbreite amerikanischer Poesie zu reflektieren.

Claudia Rankine

Ich sehe zu Claudia Rankine als unserer tiefgründigsten und folgenreichsten lebenden Dichterin auf. Citizen – das sich inzwischen fast 200.000 Mal verkauft hat, eine Leistung, die noch nie ein Dichter vollbracht hat, geschweige denn ein so innovativer und kompromissloser wie sie – scheint eine radikale Neuausrichtung dessen zu sein, was an der Poetik des 21. Jahrhunderts wirklich neu ist. Modernistisch, autobiografisch, konzeptuell, collagierend, mit Kunst ebenso gefüllt wie mit fotografischen Essays, enthält Citizen kumulative Prosaanekdoten, die die verborgensten lyrischen Aspekte des Bewusstseins in den täglichen Kriegen der antischwarzen Diskriminierung in Amerika insgesamt darstellen. Während dieses Werk meiner Meinung nach ein Meisterwerk ist, auf das künftige Generationen zurückblicken werden, um unsere anhaltenden rassischen Ungleichheiten zu verstehen, verdienen ihre eklektischen Anthologien und früheren Sammlungen – insbesondere Don’t Let Me Be Lonely – ebenfalls ihre Aufmerksamkeit. Rankine ist die Verkörperung des Dichters als öffentliche Kraft. Lesen Sie unbedingt ihre jüngsten Essays über Serena Williams, schwarze Trauer, Thomas Jefferson, weiße Lehrer sowie ihr jüngstes Gedicht im New Yorker, das mit der gleichen unübertroffenen Präzision und unvergleichlichen moralischen Vorstellungskraft erklingt, die ihr gesamtes Werk auszeichnet.

Christopher Soto (alias Loma)

Loma ist ein selbst bezeichneter „queer latinx punk poet & prison abolitionist.“ Sie ist auch eine der mutigsten und frühreifsten jungen Dichterinnen und Dichter da draußen. Mit Lambda Literary gründeten sie Nepantla: A Journal Dedicated to Queer Poets of Color (wurde bereits auf LitHub vorgestellt) und haben einen enormen Einfluss auf die am meisten marginalisierten Stimmen unter uns ausgeübt. In diesem Frühjahr wurden sie von Poets & Writers zusammen mit Javier Zamora und Marcelo Hernandez Castillo ausgezeichnet. Gemeinsam sind die drei als „The Undocupoets“ bekannt – ein Kollektiv, das in der literarischen Welt das Bewusstsein für Schriftstellerkollegen schärfen soll, denen aufgrund ihrer Staatsbürgerschaft oder ihres legalen Aufenthaltsstatus Preise und Veröffentlichungsmöglichkeiten verweigert werden. Als ob dieser Aktivismus noch nicht genug wäre, hat Loma auch eine Kampagne zur Beendigung der Obdachlosigkeit von Queers gestartet. Schauen Sie sich unbedingt Sad Girl Poems und dieses in der American Poetry Review veröffentlichte Gedicht an:

Cynthia Cruz

Ich kann mir nur wenige Dichter vorstellen, die in ihrem Intellekt, ihrer Vorstellungskraft und ihrem Schreiben mehr von tatsächlichen Geistern heimgesucht werden als Cynthia Cruz. Cruz‘ neuestes Buch How the End Begins, das ich für ihr bisher bestes halte, ist fieberhaft bevölkert mit den toten Frauenstimmen, von denen ihre Poesie nicht nur lebt, sondern gedeiht. Dazu gehören Ingeborg Bachmann, Emily Dickinson, Clarice Lispector, Jeanne d’Arc und andere. Der seltsamste Spuk schließlich ist der, den die Dichterin mit sich selbst treibt. Gegen Ende des Buches wiederholen sich Zeilen, Sätze, Titel und fast wortwörtlich ganze Gedichte, wiederholen sich. Der Leser muss durch den Nebel von Cruz‘ spitzbübischen Halluzinationen stolpern. Es ist ein Vergnügen.

Don Mee Choi

Publishers Weekly hat Recht, wenn es die außergewöhnliche Originalität von Don Mee Chois jüngstem Buch Hardly War als Teil einer größeren Tradition experimenteller koreanisch-amerikanischer Lyrik betrachtet, zu der auch die legendären Theresa Hak Kyung Cha und Myung Mi Kim (die ebenfalls auf dieser Liste stehen) gehören. Aber wie Kim mir einmal persönlich sagte, umfasst Chas Werk so viel mehr als nur poetische Arbeiten. Das ist ein Teil dessen, was mich beim Lesen dieses neuesten Werks fesselt und begeistert. In seiner Kombination aus Artefakten, Memoiren, Familienfotografie, Text- und visuellen Bildern behauptet es, dass Poesie sowohl ausreicht als auch nicht ausreicht, um die Erzählungen der Generationen zu erfassen. Choi ist auch einer unserer renommiertesten Übersetzer, vor allem von Kim Hyesoons Werk (falls Sie es noch nicht kennen, sollten Sie sich diese jüngste Arbeit von Choi in der Boston Review ansehen)

Douglas Kearney

Douglas Kearney ist mein Lieblingskünstler, ob auf oder neben der Bühne. Ob am Mikrofon oder vor der Kamera, Kearneys Bandbreite an Stimmen und Ticks, Gesten und Bewegungsabläufen erfordert einfach unsere absolute Aufmerksamkeit. Auf der Seite erweist sich Kearney als der vielseitigste und akrobatischste aller Dichter: in einem Moment konkret, dithyrambisch, visuell kinetisch, mimetisch, formverändernd; in einem anderen Moment kombiniert er Aktualität auf eine Art und Weise, die kein Dichter je für möglich gehalten hätte: in Patter kombiniert ein Gedicht eine Minstrel-Show mit dem Trauma einer Fehlgeburt, während später im selben Buch das gesamte Projekt des Schreibens im Stil des Reality-TV behandelt wird. In seinem neuen Essayband Mess And Mess And (dessen Verlegerin Carmen Giménez Smith ebenfalls auf dieser Liste steht) entwirft Kearney einen Raum schwarzer postmoderner Ästhetik, der so weit ausweicht und unterbricht, dass die gesamte Idee des Genres ins Wanken gerät.

Eileen Myles

Überall, wo man dieser Tage hinschaut, hat die Welt von Eileen Myles Notiz genommen. Die New York Times hat vier oder fünf Artikel über sie veröffentlicht, der Guardian fast ebenso viele online. Im jüngsten Beitrag für das T Magazine wird Myles als Impulsgeberin für Generationen feministischer Schriftstellerinnen und Künstlerinnen bezeichnet. Was für eine Erleichterung, eine experimentelle lesbische Dichterin zu sehen, muss ich sagen, die nicht nur die ihr gebührende Würdigung erfährt, sondern auch dazu beiträgt, das Licht auf diejenigen zu richten, mit denen sie zusammengearbeitet und die sie inspiriert hat. In vielen Medienberichten über sie heißt es immer wieder: Sie ist endlich so berühmt, wie sie es verdient. Aber wie Myles mir kürzlich in einem Interview für das Interview Magazine sagte: In der Poesie ging es immer darum, in kleineren Räumen zu sein, die sich manchmal, wie in ihrem Fall, zu einem größeren Querschnitt einer ganzen Kultur oder Nation summieren. Und was ist etwas, das noch niemand gesagt hat, inmitten dieser schönen Flut von Aufmerksamkeit? Ich denke, dass ihre jüngsten Gedichte zu ihren besten gehören. Sie wird nur noch besser.

Fred Moten

Dem Denken von Fred Moten zu begegnen – einer Biosphäre aus Gedichten, Essays, Kunstkritik, Vorträgen – zu begegnen, bedeutet, tief und weit in die Echokammer der schwarzen radikalen Tradition vorzudringen, und zwar oft bei Persönlichkeiten, die noch immer am Rande der Aufmerksamkeit stehen, sei es innerhalb oder außerhalb der Akademie. Moten ist es zu verdanken, dass er immer wieder auf Nathaniel Mackey, Walter Rodney, Cedric J. Robinson, Denise Ferreira da Silva und zahlreiche andere zurückgreift. (Obwohl viele Kritiker und Bewunderer Motens Arbeit oft als „schwierig“ bezeichnen, sollte man von der falschen Panikmache mit diesem Wort Abstand nehmen.) Wenn Sozialität ein bestimmendes Konzept für Motens Beschwörung des schwarzen Lebens ist, ist sein Geist zu einem scheinbar unendlichen Ensemble geworden. Wir können uns mehr als glücklich schätzen, in einer Zeit zu leben, in der wir seinen Texten zuhören können.

Harryette Mullen

Mullen ist vielleicht das klarste Beispiel eines reinen Klanggenies in der Landschaft der zeitgenössischen Poesie – ein Ohr wie kein anderes, das teilweise aus dem Gewand von Gertrude Stein geschnitten ist, uns aber immer wieder zu der schelmischen Freude einer subversiven schwarzen Poetik zurückführt. Nie schien der Name einer Dichterin so treffend: mit seinen Verdoppelungen der Buchstaben r, t und l. In ihrem klassischen Gedicht „Any Lit“ aus Sleeping With the Dictionary (eines der großen Gedichtbücher) bündelt sich das Chaos von Klang zu Klang und ergießt sich entlang solcher klebrigen, verschlagenen Silben. Wer sonst schreibt so? Nonchalant von „Mitochondrien“ zu „Miles Davis“ zu springen, ist typische Mullen-Magie.

Du bist eine Ukulele jenseits meines Mikrofons
Du bist ein Yukon jenseits meines Mikronesiens
Du bist eine Union jenseits meiner Meiose
Du bist ein Einrad jenseits meiner Migration
Du bist ein Universum jenseits meiner Mitochondrien
Du bist eine Eucharistie jenseits meines Miles Davis
Du bist ein Euphonie jenseits meines Myokardiogramms
Du bist ein Einhorn jenseits meines Minotaurus
Du bist ein Heureka jenseits meines Maitai
Du bist ein Yuletide jenseits meines Minenräumers
Du bist a euphemism beyond my myna bird

John Ashbery

Weil Ashbery schon so lange im Gespräch ist, vergisst man leicht, dass seine letzten späten Gedichte zu seinen verspieltesten, eigenwilligsten und intimsten gehören. So wie man lieber über Poesie spricht, als sich mit konkreten Gedichten zu befassen, ist Ashbery die Verkörperung eines weithin akzeptierten, aber umstrittenen Schreibstils, der sich unserer schlechten Gewohnheit entzieht, dass Bedeutung singulär und unmittelbar sein muss. Und so ist es auch bei seinen neueren Gedichten und Büchern viel einfacher, sich ihnen zu entziehen als sich mit ihnen auseinanderzusetzen. Dennoch gibt es in seiner jüngsten Sammlung Breezeway eine Auffrischung seines Bricolage-Geistes, in dem die Kardashians ebenso vorkommen wie Batman. Die Medienwelt der Nachrichten und Schlagzeilen ist natürlich präsent, aber auch der Klang eines Amerikas, das langsam verblasst – eine Welt, die im 19. Jahrhundert geboren wurde und von Radiojingles und schwarz-weißen „bewegten Bildern“ überschwemmt wurde. Poesie wie in der Antiques Roadshow. Dass er bald neunundachtzig Jahre alt wird und seit sieben Jahrzehnten publiziert, sind Fakten, die den Verstand verblüffen. Aber die bittersüße Sterblichkeit seiner Faberge-Texte, tragbare Cornel-Schachteln, wie „A Sweet Disorder“, verblüfft immer wieder.

Joshua Jennifer Espinoza

Troubling the Line: Trans and Genderqueer Poetry and Poetics war eine historische und monumentale Anthologie, herausgegeben von TC Tolbert und Trace Peterson. Und doch umschreibt sie in ihrer umfangreichen Auswahl von 55 Dichtern nicht ansatzweise den Reichtum zeitgenössischer Trans-Dichter. Joshua Jennifer Espinoza ist ein perfektes Beispiel dafür, von dem Tolbert erzählt, dass er ihn nach der Veröffentlichung der Anthologie entdeckt hat. Espinozas erste abendfüllende Sammlung I’M ALIVE / IT HURTS / I LOVE IT ist eine atemlose Tour durch die Post-Internet-Ästhetik, in der Gedichte gleichzeitig improvisatorisch, herzzerreißend und gefühlvoll sein können. Hier ist ein Beispiel:

Layli Long Soldier

Layli Long Soldier ist ein weiterer Dichter auf dieser Liste, den ich dank der Großzügigkeit eines befreundeten Dichters (in diesem Fall der enzyklopädischen und brillanten Metta Sáma) kenne. Während die meisten Dichterinnen und Dichter auf dieser Liste bereits ihre ersten abendfüllenden Sammlungen veröffentlicht haben, ist das Manuskript von Long Soldier hingegen ein bevorstehendes Debüt (wenn jemand weiß, wo ich ihr seltenes Chapbook finden kann, lassen Sie es mich bitte wissen, ich werde Sie großzügig bezahlen). Dennoch kann man online Auszüge bei PEN (vorgestellt von Maggie Nelson) und auf der Website von Graywolf Press lesen, die mir wie eine neue Stimme in der Poesie vorkommen, die nicht nur ich noch nicht gehört habe, sondern die auch absolut kompromisslos und tiefgründig ist. Ich glaube, wenn in den kommenden Jahren mehr Leser sie entdecken, wird dies nur eines von vielen Büchern sein, auf die wir gespannt sein sollten. Long Soldiers Mischung aus politischer Abrechnung und gewagter Metasyntax ist atemberaubend. Ihr Gedicht „38“ beginnt:

Hier wird der Satz respektiert werden.

Ich werde jeden Satz sorgfältig verfassen, indem ich darauf achte, was die Regeln des Schreibens vorschreiben.

Zum Beispiel werden alle Sätze mit Großbuchstaben beginnen.

Gleichermaßen wird die Geschichte des Satzes gewürdigt, indem jeder Satz mit einer angemessenen Interpunktion wie einem Punkt oder einem Fragezeichen beendet wird, um den Gedanken zu einem (vorläufigen) Abschluss zu bringen.

Sie mögen wissen, dass ich dies nicht als „kreatives Werk“ betrachte.

Mit anderen Worten, ich betrachte dies nicht als ein Gedicht von großer Fantasie oder ein Werk der Fiktion.

Auch werden historische Ereignisse nicht dramatisiert, um eine interessante Lektüre zu ermöglichen.

Daher fühle ich mich dem geordneten Satz am meisten verpflichtet, dem Förderer der Gedanken.

Damit will ich beginnen:

Sie haben vielleicht schon von der Dakota 38 gehört, oder auch nicht.

Maggie Nelson

In den letzten zwei Jahren musste ich mich ein wenig am Kopf kratzen, als einige unserer wichtigsten Underground-Dichter endlich die Aufmerksamkeit des Mainstreams bekamen, die sie verdienten, und zwar nicht nur bei den erhabenen Preisverleihern und Institutionen, die sich der Poesie verschrieben haben, sondern auch in der breiteren kulturellen Diskussion selbst. Es ist fast so, als wären die Menschen endlich aufgewacht und wüssten, dass die Poesie zuverlässig sechs Sekunden voraus ist, wohin sich dieser verrückte Ort namens Amerika bewegt. Maggie Nelsons The Argonauts ist ein solches Beispiel. Denjenigen, die dieses Buch und den Kultklassiker Bluets bereits kennen, empfehle ich, Jane und The Red Parts zu entdecken oder wiederzuentdecken – zwei wichtige Werke, in denen das schreckliche Ereignis der Ermordung ihrer Tante verarbeitet wird. Nelson: Dichterin, Prosaschriftstellerin, Memoirenschreiberin, Kulturtheoretikerin.

Morgan Parker

Als eines der ersten Gedichte, die auf Literary Hub veröffentlicht wurden, ist Morgan Parkers „All They Want Is My Money My Pussy My Blood“ immer noch das meistgesehene Gedicht, das wir je veröffentlicht haben. Ich selbst kann mich daran erinnern, dass ich das Gedicht zum ersten Mal bei der Lesung des Neujahrsmarathons des Poetry Project hörte (die von zwei unserer großartigen, die Gemeinschaft fördernden Dichterinnen, Stacy Szymaszek und Simone White, geleitet wurde). Es hat mich umgehauen, weil ich das Gefühl hatte, Zeuge einer neuen Art von Bekenntnis zu sein – ja, etwas, das von Emotionen aufgewühlt ist und sich im freien Raum von Metapher, Bild und Rhythmus widerspiegelt. Aber auch ein Bekenntnis, das über eine bestimmte historische Zeit hinausging. Parkers Lyrik ist nicht zeitlos, sondern wirkt mit ihrem unbarmherzigen Verstand und ihrer quecksilbrigen Melancholie so, als sei sie über mehrere Zeitebenen hinweg geschrieben und umfasse jedes der vergangenen Leben des Dichters.

Myung Mi Kim

Cathy Park Hong und Dawn Lundy Martin haben mir gegenüber beide den Unterricht von Myung Mi Kim als einen der transformativen Momente in ihrem Leben als Schriftstellerin genannt. Kim lehrt ihre Studenten, das leere Blatt nicht nur als solches zu betrachten, sondern auch als ein Stück Leinwand, das studiert und gefüllt, aber auch geleert werden muss. Wenn man sich Kims meisterhaftes Werk ansieht, wird einem klar, woher diese eindringliche Weisheit stammt. Seit Jahrzehnten macht sie die Abstände im Gedicht zu einem radikalen Akt, der die auftauchenden und verschwindenden Ränder hervorhebt, die hinter, zwischen den Worten und Silben eingeschlossen sind. Obwohl ihre Gedichte manchmal mehr Leerraum als Tinte enthalten, bin ich versucht, sie nicht als Minimalistin zu betrachten, denn es gibt keine Dichter, die mich zwingen, mich so sehr anzustrengen, um die Pausen, Unterbrechungen und Brüche zu sehen, die nur die Poesie im Inneren des Hauses der Sprache zuzulassen scheint.

Natalie Diaz

Es gibt viele heute aktive einheimische Dichter, die die kodifizierten, veralteten Traditionen der amerikanischen Poesie umgestalten. Layli Long Soldier (die auch auf dieser Liste steht) und Orlando White (der mir von Myung Mi Kim empfohlen wurde) sind nur zwei unglaubliche Beispiele. Natalie Diaz ist ein weiteres. Über ihre furchtlose Fähigkeit, Gedichte über das Leben im Reservat, Basketball und Trauer zu schreiben, ist schon viel geschrieben worden. Aber für mich ist sie einfach eine unserer großen erotischen Dichterinnen. In ihrem umwerfenden Gedicht „Ode an die Hüften der Geliebten“ verwebt Diaz mehrere Sprachen, explosive Alliterationen und die witzigsten Hyperbeln miteinander. Ich hoffe, sie und ihr Verleger werden mir verzeihen, dass ich hier so viel zitiere, was die Leser auf The The Poetry Blog vollständig lesen sollten:

Glocken sind sie, geformt am achten Tag-schweigen
Schlagwerk am Morgen-ist der Morgen.
Schwingt, schwingt, schwingt. Halte den Tag ein wenig
länger, ein wenig langsamer, ein wenig leichter. Ruft mir zu –
Ich will rocken, ich will rocken, ich will rocken
jetzt, so komme ich zu ihnen – stumm
blind, läutend mit einer Kehle voll Hosanna.
Wie viele Stunden verneigt gegen diese Unendlichkeit der gesegneten
Trinität? Kommunion des Beckens, des Kreuzbeins, des Oberschenkels.
Mein mundtot machender Engel, ewige Novene,
ekstatischer Verschlinger.

O, die Orte, an die ich sie legte, kniete und schöpfte
den bernsteinfarbenen Honig-
aus ihrer Offenheit-
Ah Muzen Cabs verborgenen Tempel von Tulúm-
leckte
sanft die klebrige ihrer hüftheißen Ossa
coxae. Lammende Sklavin von Ilium und Ischium – ich werde nicht müde
, diesen wilden Bienenstock zu schütteln, mit dem Daumen die süß-
getropfte Wabe zu spalten – heißes sechseckiges Loch – dunkler Diamant –
zu seiner Nektar-verliebten Königin. Mittlere Zunge-
Kommt betrunken-brummt-geträufelt Honig-Zieher für ihre Hüften,
Ich bin-strummed-song und succubus.

Sie sind das Zeichen: hip. Und das Co-Zeichen: ein großes Buch-
die Bibel des Körpers, aufgeschlagen zu seinem Evangelium der Guten Nachricht.
Alleluias, Ave Marías, madre mías, ay yay yays,
Ay Dios míos, und hip-hip-hooray.

Nathaniel Mackey

Nathaniel Mackey schreibt seit fünf Jahrzehnten Gedichte, sein erster abendfüllender Band Eroding Witness wurde von Michael Harper für die National Poetry Series ausgewählt. Im Jahr 2016 hat mit Ausnahme von Harryette Mullen (die ebenfalls auf dieser Liste steht) wohl kein zeitgenössischer Dichter so viel Einfluss auf die radikale schwarze Poesie ausgeübt. Nicht umsonst hat Fred Moten gesagt, dass es das höchste Lob wäre, ihn als Abkömmling von Nate Mackey zu bezeichnen. In einem frühen Interview beschreibt Mackey die Entdeckung des Werks von William Carlos Williams in der High School als einen prägenden Einfluss, aber Amiri Baraka schreibt er die Synthese seines Ansatzes in Bezug auf Musik, Poesie, Performance und vieles andere zu. Mackeys Gedichte und Kritiken (von denen Paracritical Hinge der beste Einstieg ist) haben den Modernismus für unsere Zeit neu erfunden. In Blue Fasa, seinem jüngsten Gedichtband, setzt er seine beiden fortlaufenden Gedichtserien „Song of the Andoumboulou“ und „Mu“ mit formaler Gewandtheit, lyrischer Kraft und klanglicher Freude fort. Hören Sie, wie Douglas Kearney auf NPR die Risiken und Rhythmen unseres größten lebenden epischen Dichters erklärt.

Phillip B. Williams

Es gibt viele besondere Momente im Leben und in der Karriere eines Dichters. Vielleicht ist nichts so besonders wie das erste Gedicht in seinem ersten Buch. Als ich die erste Seite von Phillip B. Williams‘ Thief in the Interior, seinem Debütband, aufschlug, las ich die folgenden Zeilen: „War eine Weite über mir / wie ein großes System von Wolken, die einander verfolgten, / aufeinander prallten wie Fäuste, die blühten / wie Andachten wie-“ Ich staune, wie die Lyrik dieses Dichters voller Unterbrechungen ist – in und aus der Geschichte, in und aus der Metapher, in und aus der Gewalt des Körperseins. Keine Geringere als die geniale Dawn Lundy Martin hat dieses phänomenale Werk für seine Fähigkeit gelobt, „das klaffende Heulen des verschwundenen schwarzen schwulen Körpers zu durchdringen und ein brutales, gebrochenes Lied zu singen, das die zeitgenössische Lyrik mit Energie versorgt und wiederbelebt“. Ob formal, grafisch, elegisch oder erotisch – Williams ist ein Dichter, der zu allem bereit ist, wie sein Gedicht „Sonnet With a Cut Wrist and Flies“ beweist.

Robin Coste Lewis

Robin Coste Lewis, deren Titelgedicht „The Voyage of the Sable Venus“ zum Teil auf Literary Hub vorgestellt wurde, ist eine seltene Erscheinung – eine völlig neue Art von Lyrik. Ihr konzeptuelles, historisierendes Mosaik des schwarzen weiblichen Körpers, der in der westlichen Kunst dargestellt oder betitelt wird, ist ein Rückgewinnungsprojekt, das seine Wurzeln in den lyrischen Epen von Robert Hayden hat. Einer meiner Lieblingsmomente findet sich jedoch schon sehr früh, mit einer Inschrift von Reginald Shepherd – einem der bleibenden Geheimnisse der amerikanischen Poesie, der leider zu früh gestorben ist. Shepherd schreibt: „Und niemals die Schönheit zu vergessen, / wie seltsam oder schwierig sie auch sein mag“. Worüber Lewis in einem Interview für das BOMB Magazine ergreifend sagt:

Solmaz Sharif

Es gibt nur wenige Bücher, ob Debüt oder nicht, die mehr erwartet werden als die Veröffentlichung von Solmaz Sharifs Look, das Graywolf im Frühsommer veröffentlichen wird. Als Kind iranischer Eltern ist Sharifs politische Vorstellungskraft in der Lage, Kontinente, Zeitlinien und sogar Kriegsgebiete zu überbrücken. Ein Teil dessen, was die Leser anspricht, ist ihre unbeirrbare Gabe, sich mit Tragödien, Ungleichheit, kultureller und psychologischer Verschiebung auseinanderzusetzen. Was ich in ihrem Titel höre und in ihren Gedichten lese, ist nicht nur der dringende Auftrag an die Poesie, den Vergessenen und Ausgegrenzten Aufmerksamkeit zu schenken. Es ist auch der umgangssprachliche Klang von jemandem, der ein Gespräch beginnt, um den Schwachsinn von Small Talk, Lügen und alltäglichen Missverständnissen zu durchbrechen. Ob sie nun über Auslöschung schreibt oder die unausweichliche Gewalt des Körpers elegiert, Sharifs Poesie ist so gebaut, dass sie die Blindheit des Imperiums überdauert.

Susan Howe

Viele Jahre lang fühlte ich mich dem Genie von Susan Howes Werk gegenüber resistent. Alles, was ich an der Poesie zu lieben gelernt hatte, die barocke Diktion und Rhetorik von Hart Crane zum Beispiel, schien durch die trockene, indexikalische Sprache von Howes bibliographischem Geist in Frage gestellt. Und doch ist es mit der Zeit einfach zu einem meiner Lieblingswerke geworden, das ich lese, von dem ich lerne und von dem ich erkenne, wie töricht wir sind, wenn wir die Definition von Poesie auf das beschränken, was wir zuerst kannten oder einst imitierten. Howes kritische Poetik basiert, wie die von Duchamp, auf der kraftvollen Art und Weise, wie wir das, was aus unserem traditionellen Aufmerksamkeitsrahmen ausgeschlossen wurde, neu rahmen und in einen neuen Kontext stellen können. Wenn sie also über Emily Dickinson schreibt, wie sie es ihr ganzes Leben lang getan hat, wird auch der amerikanischen Geschichte (wie den Indianerkriegen des 18. und 19. Jahrhunderts) Aufmerksamkeit geschenkt – all das informiert (und übersteigt) das, was auf der Seite lediglich „präsent“ ist. Aber Howes telepathische Poesie ist auch diejenige, die am meisten auf die Materialität achtet: Handschrift, Abstände, die kleinste Falte oder Spalte, die Fragmente, Marginalien, ein Gekritzel von Poesie enthalten könnte. Und genau das ist es – Howes Aufmerksamkeit ist die wesentliche Strenge aller Poesie.

Timothy Donnelly

Der Großvater der Kulturkritiker Theodor Adorno hat nie aufgehört, uns vor unserem modernen Leben in einer total „verwalteten Welt“ zu warnen. Es ist eine Welt, die oft ebenso ruchlos wie nebulös ist. Mit ungebrochenem Rhythmus finden sich die hochfliegenden Texte von Donnelly immer wieder in ihr wieder, um unser wahnsinniges Wehklagen darüber zum Ausdruck zu bringen, dass wir uns fast immer in der Maschinerie der Unternehmensgier, des Umweltverfalls und des Konsumrausches gefangen fühlen. Und doch ist Donnellys erhabene Melancholie als Dichter heroisch in ihrer unzerstörbaren Beharrlichkeit der Gefühle. Sein 12-seitiges Gedicht „Hymn to Life“ – ein manischer, klangvoller Katalog des Massensterbens – ist meiner Meinung nach nicht nur sein größtes Gedicht, sondern auch eines der besten, die in diesem neuen Jahrhundert bisher geschrieben wurden.

Tess Taylor

Tess Taylor hat gerade ihren zweiten Gedichtband „Work and Days“ veröffentlicht, der erst letzte Woche auf Literary Hub vorgestellt wurde. Darin erkundet sie das Leben auf dem Bauernhof als angehende Mutter, während sie in den Berkshires lebt. Es ist ein bescheidenes, lapidares, bewegendes Buch, das für mich zeigt, dass über Tausende von Jahren hinweg diese kleinsten Handlungen – wachsen, ernten, trauern – immer noch im Mittelpunkt der lyrischen Äußerungen stehen. Ist eine solche pastorale Sensibilität in der medialen Welt des amerikanischen Lebens des 21. Jahrhunderts möglich? Taylors Antwort lautet nicht nur ja, sondern er konzentriert sich auf die Tausenden von Arbeitern im In- und Ausland, deren Leben auf der Arbeit mit der Erde beruht. Diese subtilen Gedichte, wie auch jene, die ihre Abstammung von der Familie Jefferson in ihrem ersten Buch erforschen, sind nicht ohne härtere Qualen zu ertragen. In dem Maße, in dem sie die Welt zum Greifen nahe bringt, rückt das gefühlte Gefühl der Apokalypse – sei es eine ökologische Katastrophe oder ein globales politisches Chaos – noch näher.

TC Tolbert

Eines der großartigen Dinge daran, ein Dichter zu sein, ist es, Dichterfreunde zu haben, die einem ständig sagen, wen man lesen sollte, welches Buch in ihre Umlaufbahn eingetreten ist und sich weigert, sie zu verlassen. Dank Eileen Myles ist TC Tolberts Gephyromania eines dieser Bücher, die ich jetzt kenne und liebe. Eine solche Leserschaft, die im ständigen Austausch verwurzelt ist, was Lewis Hyde als die Geschenkökonomie von Künstlern und Dichtern bezeichnet, ist etwas, das Tolbert als Mitherausgeber von Troubling the Line zusammen mit Trace Peterson gut kennt: Trans and Genderqueer Poetry and Poetics. Es handelt sich um eine Anthologie, die erste ihrer Art in Umfang und Größe, die nicht nur trans- und genderqueere Poesie feiert, sondern auch eine große Auswahl an Gedichten sowie Aussagen der enthaltenen Dichterinnen und Dichter ermöglicht, um den Reichtum der Geschlechterperspektiven in der amerikanischen Poesie auf eine andere Art und Weise zu erweitern. Die Entdeckungen, die man dabei machen kann, sind mit Tolberts eigener, formal herausfordernder Poesie vergleichbar. Lesen Sie diesen Auszug und das Interview auf der PEN-Website, um zu sehen, warum er einer unserer innovativsten Dichterköpfe ist.

Tyehimba Jess

Es war mein Vater, der mir als erster die Liebe zur Poesie vermittelte – einmal definierte er für mich, was ein Gedicht sei, als „etwas, das man mindestens zweimal lesen muss, bevor man etwas darüber sagen kann.“ Er liebte auch den Mississippi- und Texas-Blues. In Tyehimba Jess‘ neuem poetischen Meisterwerk Olio werden die Ursprünge der schwarzen Musik und Politik des 19. Jahrhunderts auf die originellste und umfassendste Weise erforscht, die je ein Dichter versucht hat. Jess hat sich vor allem an Musiker gewandt, die nicht gelebt haben, um ihre Stimmen auf Wachszylinder oder Vinyl aufzunehmen. Stattdessen ist sein Olio eine Mischung aus Dialogen, Interviews, Reportagen, gefundenen Texten, Sonetten, gebrochenen Sonetten, Aneignungen und, ich glaube, noch viel mehr, die die Arbeit von fast einem Jahrzehnt offenbart, in dem er Zeugnis von der ersten Generation befreiter Sklaven und ihrer Beziehung zu dem abgelegt hat, was er „Freiheitslieder“ nennt. Das Buch, das sich wie ein Kompendium tausender vergessener oder nur teilweise erinnerter Leben liest, enthält auch Kunstwerke und Seiten, die ausgeschnitten und in verschiedene geometrische Formen gefaltet werden müssen, um die Möglichkeiten dessen, was es bedeutet, Poesie zu „lesen“, „zu hören“ oder „zu sehen“, auszuloten. Olio, das in diesem Monat erscheint, ist das Beste, was die amerikanische Poesie noch zu bieten hat.

Hören: Claudia Rankine im Gespräch mit Paul Holdengräber über die Objektivierung des Augenblicks, die Erforschung eines Subjekts und versehentliches Stalking.