Dahi hat mit Unterbrechungen über zwei Jahre lang an 3.15.20 gearbeitet. Er sprach mit dem Rolling Stone darüber, wie wichtig es ist, sich lange mit den Songs zu beschäftigen, bevor man sie veröffentlicht, und wie – seiner Meinung nach – 3.15.20 wie eine Fahrt auf dem fliegenden Teppich ist.
Wie kam es dazu, dass du mit Glover zusammengearbeitet hast?
Ich kannte die Jungs, nur Donald kannte ich noch nicht. Ich kannte seinen Manager Fam schon seit Jahren, und Ludwig auch seit vier, fünf, sogar sechs Jahren. Ich und Ludwig hatten an einigen Sachen für Black Panther und für Creed gearbeitet, als er für diesen Film komponierte.
Fam meinte: ‚Ich möchte dich wirklich mit Donald zusammenbringen und versuchen, etwas auf die Beine zu stellen.‘ Wir haben uns vor etwa zweieinhalb Jahren zusammengetan. Als wir dann endlich im Studio waren, trafen sich unsere Meinungen. Ich bin immer projektorientiert. Ich möchte immer dabei sein, wenn ich kann – ich suche immer nach Möglichkeiten, an einem Album im Sinne des Ganzen mitzuwirken. Wir haben uns zunächst für ein paar Wochen festgelegt. Aber dann hat es sich so entwickelt, dass ich einfach da war. Dann fängt man an, wirklich darüber nachzudenken, was wir erreichen wollen. Egal, welche Botschaft man vermitteln will, ich bin da, um dafür zu sorgen, dass es gut klingt. Das war meine Rolle. Wir sollten dies ausprobieren, wir sollten dies vorantreiben, wir sollten dies zurückziehen.
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Was war die Botschaft, die Sie anstrebten?
Ich war in den letzten zweieinhalb Jahren immer wieder mit ihm im Studio. Ludwig kam zu verschiedenen Zeitpunkten hinzu; er arbeitet auch an einigen verrückten Filmprojekten. Wir schreiben vielleicht einen Song, legen ihn beiseite und kommen zurück. Wir probieren ein paar Dinge aus, legen ihn beiseite und kommen wieder zurück. Es sind ein paar Songs dabei, die wir schon lange haben. Mit denen haben wir gelebt: „Das fühlt sich an, als könnte es eine Weile dauern, als könnte es etwas sein, das man nicht zeitlich eingrenzen kann.“ Das ist etwas, dem wir nachgegangen sind. Das Gefühl: „Das habe ich schon mal gehört“, aber man kann nicht sagen: „Das ist aus den 1960ern, den 1970ern, den 2000ern.“
Wir wollten, dass der Sound etwas Warmes, etwas Vertrautes hat. Außerdem wollten wir die Leute nicht mit Hits überhäufen und das große Ding machen. Ein großer Teil davon ist die Gemeinschaft. Wir wollen, dass es ein Album ist, das man mit seiner Großmutter teilen kann und ein Album, das man mit seinen Kindern teilen kann. Man kann seine Familie mit einbeziehen. Das war mehr ein Ziel als „eine Single zu machen“.
Einige dieser Songs kursieren schon seit einer Weile.
„Algorhythm“ gibt es schon länger. Den hat er auf seiner letzten Tour gespielt. Das war einer, der sich entweder wie der Anfang oder das Ende von etwas anfühlte. „Time“ gibt es schon lange – ich glaube, wir haben mit dieser Idee bei der ersten Session angefangen, bei der wir zusammen gearbeitet haben.
Ich versuche, an die Titel zu denken, aber offensichtlich haben diese Songs keine Titel. Die „Summer“-Platte ist alt. Die Platte „Why go to the party?“ a capella, das ist eine ältere Platte, die wir aber im Laufe der Zeit verändert und einige Dinge hinzugefügt haben. Fast die Hälfte des Albums sind also Platten, die wir schon hatten und mit denen wir einfach nur rumgesessen haben.
Für mich ist es gut zu wissen, dass Platten einen Moment überdauern können. Manchmal ist man von etwas begeistert, es klingt cool, aber der Moment vergeht, die Zeit und der Raum, in dem man lebt, ändern sich, und dann klingt es nicht mehr so gut. Ich habe so lange mit diesem Zeug gelebt. Aber ich höre mir das Album immer noch an.
Wie haben sich die Songs entwickelt, als du mit ihnen gesessen hast?
Der ganze Prozess war für uns der Jam. Für „Time“ hatte ich ein paar Ideen für Akkordmelodien. Ludwig kam dazu und fing an, Änderungen in der Akkordfolge zu schreiben. Donald kam dazu und legte ein paar erste Gedanken fest. Der Anfang der Platte ist völlig anders als jetzt. Es war viel düsterer, viel schwerer. Aber ich habe die Texte immer geliebt, die Idee, dass die Dinge sehr endgültig sind.
Wir haben angefangen, andere Leute die Platte hören zu lassen, die Platte anzufassen. Wir wollten den Groove des Schlagzeugs ändern, und mein Freund Chukwudi kam dazu und brachte einige verrückte Schlagzeugideen ein. Dann hat Ludwig die Akkorde überarbeitet, damit es ein bisschen heller klingt. Ely kam dazu und fügte ein paar tolle Synthesizer-Linien und eine weitere Änderung der Akkordfolge hinzu. Es war wie eine Art Fließbandarbeit – jeder hat es zu verschiedenen Zeiten angefasst und etwas dazu beigetragen, bis es zu dem Punkt kam, an dem es jetzt ist.
Das ist wahrscheinlich die Platte, auf die ich am stolzesten bin. Es ist der erste Song, den ich zusammen mit Donald gemacht habe. Er war nicht auf dem Album, dann war er es, er veränderte sich, er kam zurück – er bedeutete etwas für das Projekt.
Sind Sie es gewohnt, so zu arbeiten?
Die Arbeit an diesem Album war anders: Die Musik hat sich ständig weiterentwickelt. Und es war das erste Mal, dass ich die Gelegenheit hatte, mit vielen talentierten Musikern zusammenzuarbeiten. Man hat eine anfängliche Idee und sitzt eine Weile daran, und es gab so viel Musikalität auf diesem Album, dass sich die Dinge immer weiter entwickelten, bis zu dem Punkt, an dem ich es mir nicht einmal mehr vorstellen konnte, dass es so sein würde. Ideen sind nie fertig, bis man sie aufgibt. Bei diesem Stück haben wir es einfach weiter versucht.
Einige dieser Songs wechseln den Modus – „12:38“ geht vom Verführungs-Funk zu 21 Savage, der über Polizeischikanen spricht, und „24:19“ beginnt leise und endet wie eine Panikattacke.
„12:38“ war auch eine sich entwickelnde Sache. Wir hatten eine anfängliche Beat-Idee, und Ely hatte ein paar gute Akkorde. Ich hatte das Gefühl, dass dies eine einfache Platte ist, die sich gut anfühlt, wenn wir sie richtig hinbekommen. Aber eine Zeit lang konnten wir nicht herausfinden, wofür es gut sein sollte. Khadja Bonet kam dazu und sang einige Parts für eine andere Platte, die dann zerhackt und in diese Platte eingebaut wurden. Am Ende hatte es eine Art The Love Below-Energie – funky, seltsam, aber es fühlt sich gut an. Es wurde irgendwie beiseite gelegt. Aber dann begann Donald herauszufinden, was er auf der Platte sagen wollte. Wir hatten die 21 Strophe schon eine Weile. Ink war ein Songwriter, der nur dazukam, um bei der Platte zu schreiben. Wir haben uns Zeit gelassen. Wir haben dies und das ausprobiert. Das ist in etwa anderthalb Jahre alt.
Wenn ich es den Jungs, dem Team, erkläre, sage ich immer, dass sich das Album wie eine globale Reise angefühlt hat. Man hat das Gefühl, dass man in verschiedenen Teilen der Welt ist. In meiner Vorstellung sitzt man auf einem fliegenden Teppich und fliegt über verschiedene Teile der Welt. Man hört das Gespräch von jemandem – „ok, cool, lass mich in dieses Land fliegen“. Dann fliegst du hierher. Dann gehst du in der Zeit zurück. Die Übergänge sind ein Teil davon. Folgen Sie ihm einfach und kommen Sie zu diesem Endpunkt.
Glaubst du, dass es einen künstlerischen Grund für die Zeitstempel gibt? Um den Fokus auf das ganze Album zu lenken?
Das ist sicher eine Frage, die man Donald stellen sollte. Aber vom Ziel her geht es immer um das Gesamtpaket. Die Art und Weise, wie wir heute Musik interpretieren und hören, ist sehr „Ich kann das jetzt ändern, wenn es mir nicht gefällt.“ Es ist einfacher, etwas zu ändern. Wir wollen, dass die Leute sich zumindest mit den Songs auseinandersetzen. Es geht nicht um die Trennung der Songs, es geht um das Ganze.
„32:22“ sticht dabei heraus – er ist rauer als alles um ihn herum.
Ich beschreibe ihn so, als würde man in ein Dorf gehen, in eine Stammesgemeinschaft von Menschen, die man noch nie gesehen oder gehört hat, die man aber beobachtet. Dieser Song soll ein Einblick in eine Art spirituelle Feier sein. An einen Ort zu gehen, etwas zu erleben und nicht nur zu sagen: „Ich verstehe es nicht, ich verstehe es nicht“. Manchmal ist es gut, sich in einer unbequemen Situation zu befinden. Dieser Song tut das für mich. Ich habe ihn immer geliebt, weil er nicht nach etwas klingt, was irgendjemand speziell tut. Es ist diese Stammeserfahrung, die wir in unserer Popwelt nicht zu hören bekommen. Und es gibt nur wenige Künstler, die damit durchkommen. Donald kann das. Für viele Künstler gibt es Regeln – man darf bestimmte Dinge nicht tun. Aber er ist in der Lage, etwas anzuzapfen, was andere nicht können. Ich weiß nicht, wer das sonst noch versucht.
Wahrscheinlich werden die meisten Leute auch den nächsten Song nicht ausprobieren, der mit dem Muhen von Kühen beginnt.
Auch hier weiß ich nicht, wer sonst noch diese Platte macht, mit der sehr fröhlichen Scheunenmusik aus dem Hinterhof, der angenehmen Gitarre, aber dann spricht er über irgendwelche Drogenanspielungen. Was ist da los? Es ist dieser unangenehme Raum, den wir betreten dürfen. Es fühlt sich sehr persönlich an, und er ist derjenige, der das tut. Ich kann mir keinen anderen Künstler vorstellen, der diesen Raum besetzen kann und sich dabei echt anfühlt.
Das ist es, was für mich interessant ist: Mit jemandem zu arbeiten, der oft tun kann, was er will. Viele Künstler haben diese Möglichkeit nicht. Sie müssen sich an das Narrativ halten: „Ich bin das.“ Ich habe noch nie mit einem Künstler gearbeitet, der sagt: „Ich muss nicht diese Art von Platte machen.“ Bestimmte Künstler kennen ihr Brot und ihre Butter. Ich möchte in einem Bereich sein, in dem man es liebt oder hasst. Die anderen Phasen des Songwritings sind für mich langweilig. Ich mag nicht in der Mitte sitzen. Alle anderen klingen einfach sicher. Für andere Leute ist das in Ordnung, ich hasse es nicht. Ich mag es nur nicht, in diesem Bereich zu sitzen. Und ich und diese Idee verbinden uns wirklich. Lass uns ein paar Sachen ausprobieren.
Wusstest du, dass er das Album für 24 Stunden hochladen und dann wieder runternehmen wollte?
Ich wusste nichts davon. Da das Album auf diese Weise veröffentlicht wurde, war die Idee einer traditionellen Veröffentlichung verwirrend. Aber für den Moment macht es Sinn. Das Hauptziel ist es, dass die Leute sich damit auseinandersetzen und die Aromen verstehen. Es ist schwer, diese Momente von den Leuten zu bekommen. Dies ist der einzige Moment, in dem niemand irgendwohin gehen kann. Also setzen Sie sich damit auseinander.