Van de componisten die aan het begin van de 20e eeuw het modernisme in de muziek aanvoerden, is het Igor Stravinsky (1882-1971) geweest wiens invloed het meest blijvend en doordringend is gebleken. Hoewel Stravinsky’s eigen muziek tijdens zijn 70-jarige carrière twee keer radicaal van richting veranderde – zo radicaal zelfs dat zijn werken in elke fase gemakkelijk door andere componisten geschreven hadden kunnen zijn – had de 20e-eeuwse muziek zonder hem een heel ander verloop kunnen hebben.
De muziek die u misschien herkent
Velen zullen voor het eerst met Stravinsky’s muziek in aanraking komen in Walt Disney’s beroemde tekenfilm Fantasia uit 1940, waarin zijn beroemdste werk, The Rite of Spring, de langste sequentie in de film begeleidt, waarin de schepping van de aarde en de dinosaurussen wordt uitgebeeld. Stravinsky had naar verluidt een hekel aan de manier waarop Disney zijn muziek had gebruikt. Meer recentelijk hebben musici van Charlie Parker en Ornette Coleman tot Joni Mitchell en de Pet Shop Boys in het bijzonder naar de Rite verwezen, terwijl talloze filmscores – van Bernard Hermann’s voor Psycho, Jerry Goldsmith’s voor Planet of the Apes tot John Williams voor Jaws en Star Wars – er hoorbaar schatplichtig aan zijn.
Zijn leven …
Stravinsky groeide op in Sint Petersburg, Rusland, waar zijn vader een vooraanstaande bas was in de Keizerlijke Opera. Zijn ouders ontmoedigden hem een muzikale carrière en drongen er in plaats daarvan op aan dat hij zou studeren voor advocaat aan de universiteit van Sint-Petersburg. Petersburg. Daar raakte hij bevriend met Vladimir, de jongste zoon van de componist Nikolai Rimsky-Korsakov, en via hem kon hij lessen regelen bij zijn vader, die bleven duren tot de dood van de oudere componist in 1908.
Naast een Chant Funèbre, een gedenkteken voor zijn leermeester en pas onlangs herontdekt, bevatte het werk dat Stravinsky in deze periode schreef een Symfonie in Es. Maar het waren twee briljant gekleurde orkestrale showstukken, Scherzo Fantastique en Fireworks, die de aandacht trokken van impresario Serge Diaghilev, die een Rus zocht om een ballet te componeren over de legende van de Vuurvogel voor zijn Ballets Russes seizoen in Parijs. De Vuurvogel ging in 1910 in première en was meteen een groot succes.
Tegen die tijd had Stravinsky een vrouw en twee kinderen, en het gezin verdeelde hun tijd tussen Frankrijk en Zwitserland, waar zijn tweede balletpartituur voor Diaghilev, Petroesjka, werd geschreven. Het werd voor het eerst uitgevoerd in 1911 en werd niet zo goed ontvangen als Vuurvogel, maar zijn derde werk voor de Ballets Russes was De Lentewijding, en de première ervan in Parijs in mei 1913 was een van de meest sensationele in de muziekgeschiedenis, zij het nooit de rel die soms wordt beweerd. Het primitivisme van het scenario, waarin een jong meisje wordt uitgekozen als offerdier en zichzelf dood danst, werd geëvenaard door het ongekende geweld van Stravinsky’s partituur, met zijn hoge niveaus van dissonantie, onregelmatige maatsoorten en woeste ritmische stuwing. De sprookjesachtige betovering van De Vuurvogel en de wereld van het tsaristische Rusland waren ver achter zich gelaten.
En de tijden…
De drie grote wereldveranderende gebeurtenissen in Stravinsky’s leven, de twee wereldoorlogen en de Russische revolutie, waren alle drie direct van invloed op zijn carrière, bepaalden waar hij zich vestigde en de manier waarop zijn muziek zich ontwikkelde. Na de première van De Rite keerde hij kort terug naar Rusland, waar hij aan zijn eerste opera, De nachtegaal, begon, maar na nog een kort bezoek in 1914 keerde hij er 48 jaar lang niet naar terug. De familie Stravinsky bracht de jaren van de eerste wereldoorlog door in Zwitserland, waar de beperkte mogelijkheden voor optredens betekenden dat grootschalige orkestrale werken uitgesloten waren. Stravinsky wendde zich tot kleinschalig muziekdrama, met Renard en The Soldier’s Tale, stukken die nu worden gezien als voorlopers van het muziektheater aan het eind van de 20e eeuw.
Na de oorlog bleken de Symfonieën voor blaasinstrumenten, een gedenkteken voor Debussy, met hun mozaïekachtige constructie een van zijn meest opmerkelijke prestaties te zijn, terwijl een andere volstrekt originele partituur, het ballet Les Noces (De Bruiloft) voor solisten, koor, vier piano’s en slagwerk, samen met de eenakter van de komische opera Mavra, in feite een afscheid was van de wereld van de Russische volkscultuur die Stravinsky’s muziek bijna twee decennia lang had geschraagd.
Mavra was ook een van de eerste werken waarin de opmerkelijke stilistische verandering zichtbaar werd die zich in de jaren twintig in zijn muziek voltrok. Opnieuw zorgde Diaghilev voor de katalysator: hij stelde Stravinsky voor een ballet te componeren naar een 18e-eeuws commedia dell’arte scenario, met de muziek van Giovanni Pergolesi als uitgangspunt. Het resultaat was Pulcinella, waarin Stravinsky barokke vormen en thema’s leende; het was, zei hij later, “Mijn ontdekking van het verleden, de openbaring waardoor het geheel van mijn late werk mogelijk werd.”
Tussen de oorlogen verbleef Stravinsky in Frankrijk. Hij componeerde niet alleen, maar bouwde ook aan een carrière als dirigent van zijn muziek, en de werken die hij produceerde bleven de formele helderheid en terughoudendheid van de neoklassieke stijl tonen die hij met Pulcinella had ontdekt. Er waren meer balletten – Apollo, The Fairy’s Kiss (gebaseerd op muziek van Tsjaikovski) en Jeu de Cartes, concerten voor piano en viool, en een van zijn populairste werken uit de middenperiode, de koraalsymfonie Psalmen (1930). En naarmate zijn internationale faam toenam, waren er ook samenwerkingsverbanden met enkele van de meest gevierde schrijvers en kunstenaars van die tijd. Pablo Picasso, de dramaturg en filmmaker Jean Cocteau (over de opera-oratorio Oedipus Rex uit 1927), en de schrijver André Gide behoorden tot hen.
Stravinsky verhuisde in 1939 naar de Verenigde Staten. Zijn eerste vrouw, Katya, was eerder dat jaar overleden, waardoor hij vrij was om te trouwen met de danseres en kunstenares Vera de Bosset, met wie hij al sinds 1921 een relatie had. Het echtpaar vestigde zich in Los Angeles, waar zij deel gingen uitmaken van een artistieke gemeenschap van expats, waaronder musici en schrijvers als Otto Klemperer en Arthur Rubinstein, Thomas Mann en Aldous Huxley, terwijl anderen – WH Auden en Dylan Thomas – hem daar regelmatig bezochten.
De belangrijkste werken uit de eerste jaren in de VS waren twee symfonieën, de Symfonie in C en de Symfonie in Drie Bewegingen. In 1945 werden hij en Vera Amerikaans staatsburger en Stravinsky begon het auteursrecht op zijn werk te herstellen, een aantal van zijn belangrijkste partituren opnieuw te orkestreren en een lucratief nieuw uitgeverscontract te tekenen. Een bezoek aan een tentoonstelling van prenten van William Hogarth was het uitgangspunt voor het hoogtepunt van zijn neoklassieke periode, de opera The Rake’s Progress, voor het eerst opgevoerd in Venetië in 1951. Auden en Chester Kallman schreven een libretto op basis van Hogarths gravures, waarin het verhaal wordt geschetst van een jongeman die wordt verleid tot losbandigheid en verderf, terwijl Stravinsky zijn partituur baseerde op de klassieke “nummeropera”, bestaande uit een aaneenschakeling van aria’s afgewisseld met passages met recitatieven.
Na The Rake veranderde Stravinsky’s muziek opnieuw van richting. Zijn muziek stond los van die van Arnold Schönberg en de Tweede Weense School, en hoewel beide componisten in Beverly Hills woonden, ontliepen ze elkaar. Maar na Schönbergs dood in 1951 begon Stravinsky de mogelijkheden te verkennen van de 12-noten seriële techniek die Schönberg had uitgevonden. Tegen die tijd had Stravinsky ook een muzikale assistent gekregen, de dirigent Robert Craft, die aan de zijde van de componist zou blijven tot aan zijn dood in 1971, en met wie hij samenwerkte aan een serie boeken met gesprekken.
Met uitzondering misschien van het ballet Agon uit 1957 heeft geen van de spaarzame, hoekige stukken uit Stravinsky’s laatste twee decennia de populariteit van zijn vroegere muziek bereikt, maar niettemin blijven werken als Canticum Sacrum, The Flood en Threni fascinerende voorbeelden van de manier waarop hij zich een nieuwe compositorische stem wist te verwerven.
Waarom doet Stravinsky er nog toe?
Het is moeilijk om een belangrijke componist van de laatste 100 jaar te bedenken die niet door Stravinsky is beïnvloed. De neoklassieke esthetiek werd opgepikt door verschillende generaties componisten aan beide zijden van de Atlantische Oceaan, terwijl de avant-garde van de jaren 1950 onder leiding van Pierre Boulez en Karlheinz Stockhausen hem bejubelde om de manier waarop hij ritme en metrum had geëmancipeerd. De pulserende texturen die aan de basis liggen van het minimalisme zouden ook ondenkbaar zijn geweest zonder hem; dat Britse componisten van de laatste tijd zo volkomen verschillend als John Tavener en Harrison Birtwistle beiden verklaarden schatplichtig te zijn aan Stravinsky toont aan hoe doordringend zijn invloed is geweest.
Grote vertolkers
In de jaren ’50 en ’60 dirigeerde de componist zelf bijna al zijn orkestwerken voor Columbia, opnames die verschillende keren zijn herverpakt in koopjesdozen. But many conductors have put their own imprint on this repertoire, from Ernest Ansermet, who conducted a number of Stravinsky premieres including Les Noces and Pulcinella and recorded extensively for Decca, through Boulez, whose recordings for CBS/Sony and Deutsche Grammophon include all the early masterpieces, to Riccardo Chailly, whose Decca recordings include perhaps the finest of all versions of The Rake’s Progress. And Robert Craft also made a series of recordings for Naxos of the music of the composer he assisted for so long.
{{topLeft}}
{{bottomLeft}}
{{topRight}}
{{bottomRight}}
{{/goalExceededMarkerPercentage}}
{{/ticker}}
{{heading}}
{{#paragraphs}}
{{.}}
{{/paragraphs}}{{highlightedText}}
- Share on Facebook
- Share on Twitter
- Share via Email
- Share on LinkedIn
- Share on Pinterest
- Share on WhatsApp
- Share on Messenger