Hiëronymus Bosch, także pisany jako Jheronimus Bos, pseudonim Jeroen van Aeken, Aeken pisany także jako Aquen lub Aken, zwany także Jeroen Anthoniszoon, (ur. ok. 1450, 's-Hertogenbosch, Brabant – pochowany 9 sierpnia 1516, 's-Hertogenbosch), genialny i oryginalny malarz północnoeuropejski, którego twórczość ujawnia niezwykłą ikonografię o złożonym i indywidualnym stylu. Uznano go za obdarzonego wielką wyobraźnią „twórcę diabłów” i potężnego wynalazcę pozornych nonsensów pełnych satyrycznej i moralizatorskiej wymowy.
Bosch był pesymistycznym i surowym moralistą, który nie miał złudzeń co do racjonalności ludzkiej natury ani zaufania do dobroci świata, który został zepsuty przez ludzką obecność w nim. Jego obrazy to kazania o głupocie i grzechu, skierowane często do wtajemniczonych, a przez to trudne do przetłumaczenia. Nie mogąc rozwikłać tajemnicy dzieł artysty, krytycy początkowo sądzili, że musiał on być związany z tajnymi sektami. Chociaż tematyka jego dzieł była często religijna, wybór symboli przedstawiających pokusy i ostateczne uwikłanie człowieka w ziemskie zło sprawił, że wielu krytyków postrzegało artystę jako praktykującego sztuki okultystyczne. Nowsze badania postrzegają Boscha jako utalentowanego artystę, który posiadał głęboki wgląd w ludzkie charaktery i jako jednego z pierwszych artystów przedstawiających w swoich dziełach pojęcia abstrakcyjne. Wiele wyczerpujących interpretacji twórczości Boscha zostało przedstawionych, ale pozostaje wiele niejasnych szczegółów.
Dokładna chronologia zachowanych dzieł Boscha jest trudna, ponieważ z około 35 do 40 obrazów, które mu się przypisuje, tylko 7 jest podpisanych i żaden nie jest datowany. Niewiele jest informacji o wczesnym życiu artysty, poza tym, że był synem i wnukiem wybitnych malarzy. Jego nazwisko widnieje w rejestrze Bractwa Matki Bożej, znajdującego się w mieście jego urodzenia, a wzmianki o nim pojawiają się w oficjalnych dokumentach od 1486 r. aż do roku jego śmierci, kiedy to został uznany za Insignis pictor („wybitnego malarza”). Poza malarstwem zajmował się dekoracją wnętrz i ołtarzy oraz wykonywał projekty witraży.
W dziełach przypisywanych mu z okresu młodzieńczego widać nieporadność rysunkową i kompozycyjną oraz ograniczony nieco zakres pracy pędzla. Reprezentatywne dla tego okresu są takie obrazy, jak: Lekarstwo na szaleństwo, Ukrzyżowanie, Adoracja Magów, Siedem grzechów głównych, Wesele w Kanie Galilejskiej, Ecce Homo, Zaklinacz. Obecność pewnych motywów, rozbudowanych w bardziej wyrafinowanych dziełach środkowego okresu twórczości artysty, oraz ograniczona technika, niepewna, ale śmiała, dają początek, z którego można spojrzeć na artystyczne początki Boscha. Pomiędzy pierwszym obrazem z tej wczesnej grupy, Lekarstwem na szaleństwo, a ostatnim, Zaklinaczem, można zauważyć stały rozwój. Ikonografia tego ostatniego jest bardziej złożona, a charakterystyczne tematy, które znalazły swój najpełniejszy wyraz w wielkich arcydziełach późnego okresu twórczości, zaczynają się wyłaniać.
W tych wczesnych obrazach Bosch zaczął przedstawiać podatność ludzkości na pokusy zła, zwodniczy powab grzechu, obsesyjne przyciąganie żądzy, herezji i obsceniczności. W spokojnej i prozaicznej scenerii, grupy ludzi stanowią przykład łatwowierności, ignorancji i absurdów rasy ludzkiej. Jednak obrazowanie wczesnych dzieł jest jeszcze stosunkowo konwencjonalne, z jedynie sporadycznym wtargnięciem dziwaczności w postaci czającego się demona lub dziwnie ubranego maga.
Do owocnego środkowego okresu twórczości Boscha należą wielkie tryptyki panoramiczne, takie jak Haywain, Kuszenie św. Antoniego i Ogród rozkoszy ziemskich. Jego postacie są pełne wdzięku, a kolory subtelne i pewne, wszystko jest w ruchu w tych ambitnych i niezwykle złożonych dziełach. Obrazy te cechuje erupcja fantazji, wyrażająca się w monstrualnych, apokaliptycznych scenach chaosu i koszmaru, które są skontrastowane i zestawione z idyllicznymi portretami ludzkości w wieku niewinności. W tym okresie Bosch rozwinął swoje wczesne idee, a nieliczne obrazy, które przetrwały, świadczą o ewolucji jego myśli. Niepokojącą mieszankę fantazji i rzeczywistości Bosch rozwija w Haywainie, którego zewnętrzne skrzydła, czyli okładki, przypominają sceny z Siedmiu grzechów głównych. Styl kursywny, który Bosch wypracował dla tego tryptyku, przypomina styl akwareli. W centralnym panelu, będącym interpretacją flamandzkiego przysłowia „Świat jest stogiem siana, z którego każdy bierze, co może”, Bosch ukazał podstęp demona, który prowadzi korowód ludzi z ziemskiego raju, przedstawionego na lewym skrzydle, do piekielnej grozy, ukazanej na prawym.
W „Kuszeniu świętego Antoniego” Bosch osiągnął dojrzałość stylistyczną. Pociągnięcia pędzla są ostrzejsze i bardziej zdecydowane niż poprzednio. Kompozycja staje się bardziej płynna, a przestrzeń jest regulowana przez zdarzenia i istoty, na których skupia się uwaga widza. W pełni uwidacznia się mistrzostwo kaligrafii drobnego pędzla, pozwalające na subtelne niuanse konturu i ruchu. Walkę człowieka z pokusą, a także wszechobecność diabła Bosch ukazuje w obrazie Święty Antoni, który jest jednym z najlepszych kluczy do osobistej ikonografii artysty. Święty pustelnik jest w tym dziele obsadzony w roli heroicznego symbolu ludzkości. W centralnym panelu Antoni jest atakowany przez szereg groteskowych demonów, których przerażające ciała są genialnie zwizualizowanymi amalgamatami części ludzkich, zwierzęcych, roślinnych i nieożywionych. W tle rozpościera się piekielny, fantastycznie dziwaczny pejzaż namalowany z najdrobniejszymi szczegółami. Rozwinięcie przez Boscha tematu szarlatana zwodzącego ludzi i odbierającego im zbawienie znajduje swoją najpełniejszą ekspozycję w obrazie Święty Antoni, potępiającym herezję i uwodzenie przez fałszywe doktryny.
Ogród rozkoszy ziemskich, reprezentatywny dla Boscha w jego dojrzałym okresie twórczości, ukazuje ziemski raj ze stworzeniem kobiety, pierwszym kuszeniem i upadkiem. Piękne i niepokojące obrazy zmysłowości i snów, które dotykają ludzi żyjących w świecie pełnym rozkoszy, z ogromną siłą wyrażają oryginalność ikonograficzną Boscha. Główną cechą tego dzieła jest chyba jego marzycielska jakość; rzesze nagich postaci ludzkich, gigantyczne ptaki i konie pląsają i bawią się w rozkosznie nieprawdopodobnym, innym niż świat krajobrazie, a wszystkie elementy łączą się w doskonałą, harmonijną całość.
Późne dzieła Boscha różnią się zasadniczo. Skala zmienia się radykalnie, zamiast łąk czy piekielnych pejzaży zamieszkałych przez setki maleńkich istot, maluje gęsto zbite grupy półdługich postaci przyciśniętych do płaszczyzny obrazu. W tych dramatycznych zbliżeniach, których reprezentantami są Koronacja cierniem i Chrystus niosący krzyż, wydarzenie ukazane jest tak blisko, że widz zdaje się w nim uczestniczyć zarówno fizycznie, jak i psychicznie. Najbardziej spokojne i niespokojne z dojrzałych dzieł Boscha przedstawiają różnych świętych pogrążonych w kontemplacji lub odpoczynku. Jana Ewangelistę na Patmos i modlącego się św. Jerome’a.
Zajmowanie się przez Boscha w dużej części jego dzieł złem świata nie wykluczało wizji świata pełnego piękna. Widoczna jest jego biegłość w operowaniu harmonią barw i tworzeniu głęboko odczuwalnych dzieł wyobraźni. Choć wielu naśladowców próbowało przejąć jego styl wizualny, jego wyjątkowość sprawiła, że nie miał prawdziwych naśladowców.