Postacie Shakespeare’a są wplecione w strukturę kultury zachodniej. Dały nam wiele lekcji na temat ludzkich zachowań i ciągle je cytujemy: używamy ich słów w naszej codziennej mowie, często nawet nie zdając sobie z tego sprawy (złapać przeziębienie, przełamać lody, naga prawda, bez fantazji, z zapartym tchem itd.) Najsłynniejsze postacie Szekspira są nam tak dobrze znane jak ludzie, których znamy i myślimy o nich niemal jak o prawdziwych istotach ludzkich. Oczywiście, są to tylko postacie literackie, ale Szekspir przedstawił je z taką „prawdą”, że działają jak modele dla sposobu patrzenia na życie. Które z postaci mają więc największy wpływ na sposób naszego myślenia, jakieś 400 lat po śmierci Szekspira?
Hamlet, Hamlet
Hamlet jest najsłynniejszą z postaci Szekspira – tą, którą najczęściej cytujemy i do której najczęściej się odwołujemy, myśląc o ludzkim życiu i egzystencji. Jego wypowiedź „być albo nie być, oto jest pytanie” jest prawdopodobnie najsłynniejszym ze wszystkich wierszy Szekspira, a solilokwium, które po niej następuje, jest głęboką eksploracją tego wielkiego ludzkiego tematu – życia i śmierci. Hamlet rozważa również takie kwestie jak korupcja polityczna, wierność małżeńska, rodzina, motywy zemsty, religia i wiele innych. Rozważania Hamleta dają nam do myślenia od czterech wieków, a jakikolwiek głęboki ludzki dylemat, przed którym stajemy, język do jego opisania prawdopodobnie wyszedł z ust Hamleta.
Kenneth Brannagh jako Hamlet
Julia, Romeo & Julia
Juliet pojawia się w naszych czasach jako silny kobiecy wzór do naśladowania. Ta czternastolatka wykazuje się niezwykłą siłą, odwagą i hartem ducha. Taka siła u dziewczyny w jej wieku może wydawać się nieprawdopodobna, ale Szekspir sprawia, że to działa, dając jej ogromną pasję i determinację, i to jest przekonujące.
W jej wieku byłaby w wysokim stanie hormonalnym, ponieważ jej zakochanie w Romeo jest tak nagłe i intensywne. Jest jednak bardzo inteligentna i, mimo burzy emocji, potrafi jasno myśleć i przyjąć konsekwencje swoich impulsywnych działań. Istnieje w systemie społecznym, w którym ojciec wymaga od córki lojalności i całkowitego posłuszeństwa i oczekuje, że je otrzyma. Mimo wszelkich gróźb i przemocy fizycznej ze strony ojca nie chce wyjść za mąż za człowieka, którego ojciec wybrał na jej męża. To wielka bitwa, ponieważ on wybrał Parysa dla własnego awansu społecznego, a ona odmówiła. To, czego Kapulet nie wie, to fakt, że jest ona zakochana w kimś innym i potajemnie wyszła za niego za mąż, ale nie tylko, jest on członkiem rodziny, z którą jego rodzina prowadzi starożytną waśń. Próbując znaleźć wyjście z tej niemożliwej sytuacji, zgadza się na propozycję Braciszka Wawrzyńca, by zażyć narkotyk, który sprawi, że będzie wyglądała na martwą, po czym zostanie obudzona przez Romea i ucieknie z nim. Jest to przerażająca perspektywa, gdyż wie, że obudzi się w grobowcu pełnym szkieletów i gnijących trupów. Mimo przerażenia zażywa narkotyk. To akt wielkiej wiary i poświęcenia.
Juliet w swoim sprzeciwie wobec wiążących ją ograniczeń jest zadziwiająco podobna do dwudziestopierwszowiecznej kobiety z Zachodu. Słusznie stała się nie tylko najsłynniejszą postacią kobiecą Szekspira, ale jedną z jego największych postaci, na której możemy się wzorować i od niej uczyć.
Olivia Hussey jako Julia
Lear, Król Lear
Lear jest głównym bohaterem w Królu Learze. Często określany jako największa sztuka Szekspira, Król Lear ma ogromny zasięg. Jednym z jej głównych wątków jest jednak temat władzy i odpowiedzialności. Lear postanawia przekazać wszystkie swoje ziemie i interesy swoim córkom i przejść na emeryturę. Mówi im jednak, że zachowa tytuł króla i wkrótce odkrywa, że tytuł ten jest bez znaczenia, jeśli nie stoi za nim władza i autorytet. Kończy w obłędzie i zupełnie nagi na pustkowiu, ale w końcu dochodzi do siebie, rozumiejąc tę zasadę.
Podobnym głównym bohaterem jest książę Gloucester. Gloucester również zostaje obalony przez dzieci Leara. Jego oczy zostają wydłubane, a on sam oślepiony. W końcu odkrywa, że wzrok może przeszkadzać w prawdziwym „widzeniu” w głębszym sensie. Mówi: „Potknąłem się, gdy zobaczyłem”. To jest coś, co Lear również odkrywa, w sensie przenośnym.
W centrum dramatu znajdują się dwaj nadzy mężczyźni, razem na rozwalonym wrzosowisku. Obaj są nadzy: jeden jest królem, drugi żebrakiem. Obaj są obłąkani, choć żebrakiem jest jeden z synów Gloucestera, nie obłąkany, lecz przebrany za żebraka i udający obłąkanego. Ten centralny dramat zwraca uwagę na fakt, że jeśli zdejmie się z nich wszystkie ubrania – kosztowną suknię króla i łachmany żebraka – nie można odróżnić, który jest żebrakiem, a który królem. Chodzi o to, że bycie królem nie jest związane tylko z tytułami, pięknymi sukniami i dobrami materialnymi; jest to o wiele bardziej związane z czymś innym, czymś, co nie ma związku z zewnętrznymi znakami, co czyni człowieka królem. Powinniśmy być w stanie rozpoznać króla nie po jego atrybutach i królewskich szatach, ale po czymś, co jest w nim samym. Później, gdy Lear wychodzi z umysłowego zamętu, rozumie to, i rozumiejąc to, opisuje siebie jako „w każdym calu króla.”
Sztuka uczy nas wielu rzeczy i ma kilka lekcji dla istot ludzkich wszystkich wieków po Szekspirze, i w przyszłości. Sztuka oświetla naturę więzi między rodzicem a dzieckiem i bada lojalność, wśród kilku innych tematów. Jeśli chcemy zrozumieć politykę i znaczenie uczciwości w świecie polityki, jeśli chcemy zrozumieć realia władzy i autorytetu oraz odpowiedzialności władzy, powinniśmy zwrócić uwagę na doświadczenia Leara przedstawione przez Szekspira. Lekcje te są tak samo prawdziwe i aktualne dziś, jak czterysta lat temu.
Barry Rutter jako Król Lear
Macbeth, Makbet
Makbet jest przykładem tezy słynnego dwudziestowiecznego brytyjskiego polityka, Enocha Powella, że „wszystkie życia polityczne, o ile nie zostaną przerwane w połowie nurtu w szczęśliwym momencie, kończą się porażką, ponieważ taka jest natura polityki i ludzkich spraw.” Czterysta lat wcześniej Powell powiedział, że Szekspir zilustrował to w politycznej karierze Makbeta.
Kiedy po raz pierwszy widzimy Makbeta, jest on największym bohaterem narodowym Szkocji. Jest nie tylko jednym z głównych szlachciców, ale także wojskowym generałem króla Duncana. Widzimy, jak nieustraszenie bierze na siebie buntowników w powstaniu przeciwko Duncanowi i widzimy uwielbienie, jakie dostaje od wszystkich, w tym od króla. W sztuce Szkocja ma monarchię elekcyjną, król wybierany jest przez szlachtę. Makbet wie, że gdyby odbyły się wybory na króla, z łatwością by je wygrał. Wpada na pomysł, że mógłby zostać królem, gdyby tylko Duncan zszedł mu z drogi. Nakłaniany przez żonę, Lady Makbet, postanawia zamordować Duncana. Idzie do przodu z nim i natychmiast ogarnia go paraliżujące poczucie winy. Jeszcze przed wyborem na króla jego poparcie spada i przez większość reszty sztuki walczy o utrzymanie pozycji króla. Zaczyna mordować swoich przeciwników i posuwa się nawet do wymordowania całej rodziny swojego głównego oponenta, Macduffa. Szekspir przedstawia na scenie morderstwo jednego z dzieci Macduffa, a my jesteśmy świadkami zupełnego zdziczenia, do jakiego posunął się Makbet. To, co widzimy w akcji sztuki, to przemiana kogoś ze szlachetnego, bohaterskiego, lojalnego człowieka w zdeprawowanego i lekkomyślnego mordercę z powodu własnego zepsucia.
Przemiana ta spowodowana jest „przerośniętą” ambicją Makbeta, by zostać królem, i jego niezdolnością do poradzenia sobie z konsekwencjami działań, które podjął, by to osiągnąć. Niektórzy politycy dochodzą do władzy w miarę czysto, a inni robią to w sposób niedopuszczalny. Często widzimy, jak ci drudzy, gdy już dojdą do władzy, walczą o jej utrzymanie, musząc odpierać reperkusje czynów korupcyjnych, których dopuścili się, by ją zdobyć. To paraliżuje ich zdolność do funkcjonowania. W końcu, gdy ich coraz bardziej desperackie czyny ich doganiają, ich kariery doznają haniebnego upadku.
W przypadku Makbeta siły rebeliantów z Makdufem na czele występują przeciwko niemu, a on sam zostaje zdekapitowany. Widzimy ten schemat we współczesnej polityce i zdarzały się przypadki, w których tuszowanie sprawy – desperackie działania mające na celu utrzymanie się przy władzy – doprowadziły do upadku potężnych postaci. Szekspir myślał o tym wszystkim już czterysta lat temu, a każdy polityk, który rozważa zdobycie i utrzymanie władzy za pomocą nieuczciwych środków, powinien wziąć pod uwagę doświadczenia Makbeta. Ale nie tylko ci, którzy używają ekstremalnych środków: Powell mówił o wszystkich karierach politycznych, ponieważ w miarę rozwoju tych karier politycy są wciągani w sprawy, które coraz bardziej utrudniają, a nawet – jak chciałby Powell – uniemożliwiają ich sukces.
Sam Worthington jako Makbet
Król Henryk V (książę Hal)
Henryk, syn króla Henryka IV, znany jako Hal, pojawia się w trzech sztukach, najpierw jako książę, w Henryku IV cz. 1 i Henryku IV cz. 2, oraz jako król w Henryku V.
Ta sekwencja sztuk zaczyna się od Hala jako zbuntowanego nastoletniego syna króla Henryka V, buntownika, który uzurpuje sobie prawo do boskich rządów króla Ryszarda II. Ryszard Bolingbroke, teraz król Henryk, ma trudności w funkcjonowaniu jako król, pomimo wsparcia, jakie miał w obaleniu króla Ryszarda. Jego najstarszy syn nie współpracuje z nim, spędzając czas w londyńskich pubach, w otoczeniu bandy nierobów. Pierwsza sztuka z tej sekwencji to zachwycająca historia z kilkoma komicznymi scenami, w których młody książę wchodzi w interakcje ze zwykłymi ludźmi, zanurzając się w ich działaniach, niektórych nawet przestępczych, z dużą ilością jedzenia i picia. Wśród jego towarzyszy są prostytutki, złodzieje, pijacy i oszuści.
Pomysł, który za tym stoi, to pytanie, co czyni dobrego króla. Jak powinien być wykształcony król, aby mógł odpowiadać na potrzeby swojego ludu? Żyjemy w epoce zachodnich demokracji, ale wciąż jest wiele krajów, w których rządzą pojedyncze autorytarne postacie. Tak było w średniowiecznej Anglii, gdzie król miał ogromną władzę, którą jednak ograniczała potrzeba utrzymania poparcia innych wpływowych ludzi. Potrzebował też poparcia ludu, by uniknąć buntów i skutecznie prowadzić wojny.
Hal jest często strofowany przez ojca za rozwiązły tryb życia, ale w końcu, w wybranym przez siebie czasie, wraca do owczarni i okazuje się odważnym i skutecznym wsparciem dla ojca. Po śmierci Henryka Hal zostaje królem, a trzecia sztuka opowiada o tym, jakim jest dobrym, mądrym i skutecznym królem. Szczególnie uderzający jest jego wzgląd na zwykłych ludzi w królestwie i staje się on bardzo, w interakcji ze swoimi żołnierzami, na przykład, bardzo popularnym i skutecznym królem.
Jest to jedna z eksploracji Szekspira na temat przywództwa. To niemal apel o demokratyczne zasady, na wieki przed tym, jak demokracja stała się częścią kraju, w którym mieszkał Szekspir. Z podróży Hala płyną lekcje dla wszystkich przywódców.
Jeremy Irons jako Hal
Iago, Otello
W Iago, jednym z oficerów Otella, Szekspir oferuje nam postać, której wzorzec psychologiczny został uznany za defekt osobowości dopiero czterysta lat później. Iago rozkoszuje się bólem i ostatecznym zniszczeniem innych. Nie ma żadnego innego powodu, aby to robić, jak tylko dla własnej satysfakcji. Jest bardzo inteligentny, ekspert w manipulacji, nieczuły i bezlitosny, i choć przebiegły, jest lekkomyślny.
W 1998 roku Robert D Hare, emerytowany profesor Uniwersytetu Kolumbii Brytyjskiej w Kanadzie, badacz psychopatii, stworzył swoją słynną Listę Kontrolną Psychopatii Hare’a, dziesięć punktów, których można użyć do zdiagnozowania psychopatii. Psychopatię tradycyjnie definiuje się jako osobę, która cierpi na zaburzenia osobowości charakteryzujące się uporczywym zachowaniem antyspołecznym, upośledzoną empatią i brakiem wyrzutów sumienia oraz wykazuje zahamowane cechy egoistyczne.
Gdyby profesor Hare zbadał Iago i postawił diagnozę, prawdopodobnie uznałby go za psychopatę. Wśród jego dziesięciu punktów są: brak wyrzutów sumienia lub poczucia winy; powierzchowna reaktywność emocjonalna, bezduszność i brak empatii; impulsywność; nieodpowiedzialność i wszechstronność przestępcza. Iago wykazuje wszystkie te cechy. Wokół nas zawsze byli psychopaci, a znakiem głębokiego wglądu Szekspira i wnikliwej obserwacji ludzkich zachowań jest to, że jedna z jego głównych postaci została tak trafnie przedstawiona jako psychopata. Dopiero w XX wieku psychopaci stali się przedmiotem badań naukowych, ale oto Szekspir, czterysta lat wcześniej, dał nam doskonały obraz psychopaty – takiego, który pasuje do profilu psychopatów takich jak Ted Bundy, którzy zostali wszechstronnie przebadani.
Kenneth Branagh jako Iago
Antony, Antoniusz & Kleopatra
W Antoniuszu i Kleopatrze Szekspir porusza jeden ze swoich głównych tematów – władzę polityczną. Istnieje wiele lekcji dla tych, którzy są w konflikcie między ich potężnych pozycji publicznych i ich życia prywatnego.
Po pokonaniu zabójców Cezara w wielkiej bitwie przedstawionej w Juliusza Cezara, Antoniusz przejmuje przywództwo w Rzymie wraz z kolegami generałami, Oktawiuszem Cezarem i Lepidusem. Podczas wizyty w Egipcie, rzymskim satelicie, Antoniusz zakochuje się w egipskiej królowej, Kleopatrze. Podczas ich romansu coraz bardziej ulega jej czarowi i ciągle odkłada powrót do Rzymu, zaniedbując swoje obowiązki. Jest z tego powodu udręczony, ale nie jest w stanie oprzeć się królowej. Obie kultury są bardzo różne. Etyka rzymska jest twarda i rzeczowa, sztywna i męska. Egipt jest łagodniejszy, kobiecy, bardziej zrelaksowany i zabawny. Antoniusz staje się częścią tego świata, ale jest głęboko skonfliktowany ze zrozumieniem, że unika swoich obowiązków.
Jego doświadczenie w Egipcie zmienia dla niego życie. Jest to duchowa podróż, podczas której świat polityki oddala się od niego. Znany jako wielki generał wojskowy, szybko staje się człowiekiem przechodzącym duchową podróż, która go od tego odsuwa. Kiedy w końcu konfrontuje się z siłami rzymskimi, decyduje się na starcie z nimi na morzu, a nie z armią lądową. Czyniąc to, stawia się całkowicie poza swoją strefą komfortu. Rzeczywiście, kiedy Kleopatra wycofuje się z bitwy morskiej, odwraca swój statek i odpływa, on porzuca bitwę i podąża za nią, i zostaje pokonany. W tym momencie zmienił się z człowieka wojny i polityki w człowieka przemienionego dzięki sile miłości, dla którego władza jest bez znaczenia.
Historia ma wiele przykładów potężnych polityków, którzy zaglądali głębiej w życie poniżej powierzchownej praktyki politycznej. Czasami poprzez studia, czasami poprzez pójście do więzienia za przestępstwa mające swoje korzenie w ich działalności politycznej, a czasami poprzez miłość. W Antoniuszu Szekspir ukazuje nam mechanikę tego procesu.
Marlon Brando jako Marc Antony
Beatrice, Wiele hałasu o nic
Much Ado About Nothing to niezwykła sztuka, która łączy zapożyczoną starożytną opowieść z nowoczesną historią całkowicie wymyśloną przez Szekspira. Postacią, która wyróżnia się z wynalazku Szekspira jest Beatrycze, która jest prototypem współczesnej feministki.
To, co uderza w Beatrycze, to jej błyskotliwa inteligencja, użycie ostrego, wyrazistego języka i zaciekłe poczucie niezależności. Jest atrakcyjną młodą kobietą, która jest bardzo sceptycznie nastawiona do mężczyzn i jest zdecydowana nigdy nie wyjść za mąż. Kiedy do domu jej wuja, w którym mieszka, przybywają oficerowie z wizytą, spotyka młodego Benedyka, który również gardzi małżeństwem. Ona już go zna i twierdzi, że go nie lubi, bo uważa go za typowego, zarozumiałego samca. Od razu wdają się w szybką, dowcipną ripostę, w której w lekkim tonie obrażają się nawzajem, używając obraźliwych przezwisk. Ich przyjaciele są zdeterminowani, aby dopasować je, jednak i oszukać je przez inżynierii sytuacji, w których podsłuchać wymyślonych rozmów o tym, jak każdy z nich, odpowiednio, fancies drugiego. W rezultacie dochodzi do ich spotkania. W trakcie tego procesu Szekspir bada różnice między kobietami i mężczyznami dotyczące romantycznego składu płci.
Obserwując ich i słuchając ich rozmów, współczesna publiczność jest uderzona tym, że nic się nie zmieniło. Mężczyźni i kobiety zakochują się cały czas i zobowiązują się do siebie nawzajem, ale każda płeć uważa drugą za dziwną i niezrozumiałą. Jest to po części seksualne przyciąganie, które to przezwycięża i Szekspir pokazuje nam to w tej sztuce. Siła przyciągania jest tak silna, że wchodzą oni w związki pomimo tajemnicy, którą każdy z nich przedstawia drugiemu.
Szekspirowska trafna analiza sprawia, że jest to rozpoznawalne dla nas wszystkich. Beatrycze istnieje w renesansowym społeczeństwie, w którym kobiety nie były wykształcone. Jest jednak jasne, że Szekspir czyni z niej wykształconą młodą kobietę i możemy łatwo uwierzyć, że nalegała na to od wczesnego dzieciństwa. Jest dobrze poinformowana i gotowa do wypowiadania się na każdy temat. Jest także otwarta, w przeciwieństwie do swojej kuzynki Hero, która jest młodą kobietą uwięzioną w normach dotyczących kobiet, obowiązujących w tym społeczeństwie. Mężczyźni, którzy dominują w domu, rozpaczają nad Beatrycze, ale nie są w stanie nad nią zapanować. Trudno sobie wyobrazić, jak postrzegałaby ją elżbietańska publiczność, ale dla współczesnego odbiorcy jest ona wzorem w pełni wyzwolonej, rozwiniętej kobiety XXI wieku.
Emma Thompson jako Batrice
Edmund, Król Lear
Edmund, nieślubny syn księcia Gloucester w Królu Learze, jest często uważany za jeden z czarnych charakterów Szekspira, ale nie jest to taka prosta sprawa, ponieważ Szekspir rozwija go jako postać w taki sposób, abyśmy mogli zobaczyć jego punkt widzenia. Edmund usprawiedliwia swoje czyny i zabiera nas ze sobą.
Mimo, że jest pierwszym synem Gloucestera, nie ma praw do sukcesji. Jego młodszy brat, Edgar, jest prawowity i dlatego jest spadkobiercą swojego ojca. Edmund ma słynny solilokwium, w którym kwestionuje konwencję, że prawa te przysługują tylko osobom urodzonym w małżeństwie. Podkreśla, że jest tak samo dobrze rozwinięty fizycznie jak jego brat i tak samo inteligentny, a więc nieuzasadnione jest rozróżnianie ich i piętnowanie go jako bękarta. Kończy okrzykiem: „A teraz, bogowie, stańcie w obronie bękartów!”
Ta sztuka w dużym stopniu opowiada o konflikcie między średniowiecznym światem, w którym struktury społeczne są ustalone przez Boga i nie da się tego obejść, a rozwijającym się humanizmem renesansowym, w którym akcent przesuwa się z koncentrowania się na Bogu na koncentrowanie się na człowieku, stąd sztuka renesansowa – rzeźby i obrazy – podkreślająca piękno ludzkiego ciała, realistycznie przedstawionego w tych dziełach. Edmund jest literackim odpowiednikiem tych renesansowych dzieł sztuki.
W wyniku odrzucenia Edmund zwraca się przeciwko swojemu ojcu i bratu i przyłącza się do córek Leara w ich działaniach przeciwko Gloucesterowi i Learowi.
Chociaż działania Edmunda są nie do przyjęcia, można je postrzegać jako walkę z powrotem w sposób, w jaki w niektórych krajach naszego współczesnego świata toczy się walka o równość. Wystarczy pomyśleć o Sufrażystkach, które rozbijały okna i angażowały się w inne akty sabotażu w swojej kampanii na rzecz kobiecego prawa wyborczego. Można wskazać wiele innych działań przeciwko establishmentowi na rzecz równości. Sprawiedliwość sprawy Edmunda można również dostrzec w tym, że w XXI wieku pojęcie nielegalności albo zniknęło, albo nie ma żadnych implikacji. Humanistyczna zasada, że liczy się człowiek i że każdy człowiek jest tak samo wartościowy jak każdy inny, jest stałą zasadą we współczesnych demokracjach zachodnich.
Przez cztery wieki, odkąd Edmund po raz pierwszy pojawił się na scenie, w każdym pokoleniu był inaczej interpretowany. Ale w naszych czasach jest on z pewnością wzorem dla tych, których obraża zasada nierówności opartej na takich rzeczach jak rasa, płeć czy jakikolwiek stan uwarunkowany urodzeniem.
Sir Ian McKellen jako Edmund
Shylock, The Merchant of Venice
Shylock jest często wymieniany wśród czarnych charakterów Szekspira, a sztuka jest czasami potępiana jako antysemicka. Oba te zarzuty są błędem w odczytaniu sztuki. Sam Szekspir był przez niektórych nazywany antysemitą, ale to również jest nieścisłe. Pomijając niemożność czytania w myślach Szekspira, by zrozumieć, co myślał o różnych sprawach, jego przedstawienie Żyda jest po prostu badaniem tego, co to znaczy być Żydem żyjącym w renesansowym społeczeństwie chrześcijańskim. Jak zawsze, Szekspir bada ludzką kondycję w sposób szczery i prawdziwy. W tym przypadku bada on warunki życia Żyda w elżbietańskiej Anglii. Choć akcja sztuki rozgrywa się w Wenecji, Szekspir w swoich sztukach zawsze porusza problemy Anglii swoich czasów.
W tej sztuce Szekspir przedstawia chrześcijańskich bohaterów i ich kulturę jako na wskroś paskudną. Czyni to głównie poprzez ukazanie ich stosunku do weneckich Żydów i ich traktowania. Publiczność elżbietańska nie zetknęła się z wieloma Żydami, ale miała wobec nich silne uprzedzenia. Z łatwością uwierzyli, że Żydzi są żądni pieniędzy, nieustępliwi i wrodzy. W Kupcu weneckim Szekspir przedstawia typowy elżbietański pogląd, wprowadzając Żyda w sam środek chrześcijańskiej społeczności i badając tego skutki.
Shylock jest bogatym pożyczkodawcą pieniędzy. Zadaje się z każdym, ale nie będzie jadł, pił, spotykał się ani modlił z chrześcijanami. Dzieje się tak częściowo dlatego, że jego religia byłaby temu przeciwna, ale także dlatego, że jest wściekły na niesprawiedliwość sposobu, w jaki on i jego społeczność są traktowani przez główny nurt społeczeństwa. Kiedy kupiec, Antonio, ma kłopoty, ponieważ jego statki zaginęły, jest zdesperowany i, bardzo wbrew swoim skłonnościom, zwraca się do Shylocka o pożyczkę. Shylock zgadza się na nią i zrzeka się odsetek od pieniędzy, a w zamian proponuje, że jeśli Antonio nie spłaci długu, to odda Shylockowi funt swojego ciała. Antonio, nie traktując go poważnie, zgadza się. Shylock nie może wiedzieć, czy statki Antonia wrócą, czy nie. Podczas transakcji jest obrzucany obelgami i obrażany przez Antonia i jego przyjaciół, co jest normalnym sposobem, w jaki chrześcijanie rozmawiają z Żydami.
Do czasu, gdy Antonio nie wywiązuje się ze swojego długu, córka Shylocka, Jessica, została uprowadzona przez swojego tajemniczego chrześcijańskiego kochanka i jego przyjaciół, co złamało serce jej ojca. Ma na myśli zemstę. W tym kontekście udaje się teraz do sądu, aby uzyskać swój kawałek ciała. Posunąwszy się za daleko, nalegając na to, zostaje surowo ukarany przez sąd silnie uprzedzony do społeczności chrześcijańskiej.
Shakespeare pokazuje nam to wszystko. Uważna lektura sztuki pokazuje paskudność chrześcijan. Szekspir maskuje to, przedstawiając ich jako dobrych i życzliwych ludzi między sobą. Pokazuje Shylocka jako dość podłego i posiadającego inne, obce wartości, więc możemy dość łatwo wpaść w pułapkę myślenia, że Shakespeare był antysemitą, ale jeśli spojrzymy na traktowanie Shylocka, jest całkiem jasne, co robi Shakespeare.
Szekspir daje Shylockowi przemówienie, które będzie trwało przez cały czas jako apel do wszystkich tych, którzy są dyskryminowani ze względu na rasę, religię, płeć lub cokolwiek innego, a kiedy to czytamy, możemy zastosować to uniwersalnie, do wszystkich tych sytuacji i do wszystkich czasów. W XX wieku jednak tylko najbardziej zaawansowane społeczeństwa stosują logikę tej mowy, podczas gdy wiele innych krajów ma przed sobą długą drogę, by dogonić Szekspira.
Oto fragment tej mowy:
„Jestem Żydem. Czy Żyd nie ma oczu? Czy Żyd nie ma rąk, organów, wymiarów, zmysłów, afektów, namiętności? Karmiony tym samym pokarmem, raniony tą samą bronią, poddany tym samym chorobom, leczony tymi samymi środkami, ogrzewany i chłodzony tą samą zimą i latem, co chrześcijanin? Jeśli nas ukłujesz, czyż nie krwawimy?
Jeśli nas połaskoczesz, czyż się nie śmiejemy? 
Al Pacino jako Shylock