Spojrzenie wstecz na najbardziej wpływowe japońskie piosenki lat 2010

Czasami wydawało się, że lata 2010 były tylko jednym długim, pełnym tęsknoty spojrzeniem w przeszłość, szczególnie jeśli chodzi o trendy w muzyce.

Usługi streamingowe pozwalają ludziom w ciągu kilku sekund dokopać się do tylnych katalogów twórczości danego artysty, podczas gdy upload na YouTube wypełnia wszelkie luki. Kiedy więc w 2016 roku zmarła ikona muzyki David Bowie, dzieci jego fanów mogły w jeden weekend nadrobić zaległości w trwającej wiele dekad karierze.

Japońscy muzycy nie byli odporni na ten nostalgiczny zwrot, czerpiąc wpływy przede wszystkim z lat 80. i 90. W skali globalnej, japońska muzyka pop nie zyskała zbyt wiele uwagi z zagranicy. Jednak fani odkrywali i celebrowali wszystko, co stare i nieznane w japońskiej muzyce, zamieniając pomniejsze płyty z ery bańki internetowej w nowoczesne internetowe złoto.

Zważywszy na to, że japońska muzyka potrzebuje czasu, aby zyskać powszechne uznanie, wyobraźmy sobie, że zbliżamy się do końca lat 2040. Lata 2010 są teraz tak samo modne i wpływowe dla młodzieży przyszłości, jak dla nas były lata 80. Jak myślicie, w Japonii roku 2040, jakie klejnoty zostaną odkryte i ponownie docenione?

Witamy w roku 2049

Jak dotarliśmy do połowy XXI wieku, celebracja tego, co stare i nieznane, stała się jednym z najciekawszych wydarzeń roku 2040. Każde pokolenie robi minę do przeszłości, której nigdy nie znało, a dzieci tej dekady skierowały swój wzrok na ostatnie lata Ery Heisei (1989-2019).

Japonia wydawała się nie mieć żadnego wpływu na globalną scenę muzyczną w latach 2010. Niewiele osób spoza kraju dokumentowało muzykę, którą się wtedy zachwycaliśmy, ponieważ wydawała się ona zupełnie nieprzystająca do szerszych trendów na całym świecie. Nowa ekscytacja, która pojawiła się wokół niej w latach 20-40, była częściowo spowodowana dreszczykiem emocji związanym z odkrywaniem tego, co niejasne, jednak niektórzy z nas po prostu szukali dobrego bitu z czasów, których nigdy nie znali z pierwszej ręki. W latach 2010 Japonia była definiowana przez kulturę kawaii i media społecznościowe, a po zniszczeniach Wielkiego Trzęsienia Ziemi we Wschodniej Japonii, była w większości dość spokojnym miejscem do życia – zwłaszcza biorąc pod uwagę wstrząsy, które miały miejsce w reszcie świata.

W latach 2010 nastąpiła podobna fascynacja starszą japońską muzyką. Nie-japońscy fani muzyki zagłębili się we wszystko, od mieniącego się popu po eksperymentalne nagrania ambientowe i japońskie ujęcia muzyki hawajskiej. J-pop z tej dekady miał o wiele głębszy wpływ na słuchaczy i twórców, choć nigdy nie skradł nagłówków gazet. Całe sekcje muzyki elektronicznej próbowały odtworzyć brzmienie Yasutaka Nakaty i produkowanych przez niego grup, takich jak Perfume, a całe internetowe mikrogatunki ewoluowały wokół wyblakłych sampli z japońskich klasyków popu. Lata 2010 były okresem rozkwitu japońskiej muzyki z lat 80-tych, a lata 2040 rzuciły podobne światło na japońską muzykę lat 2010.

Pomimo, że wiele utworów cieszyło się ponownym uznaniem, poniższe utwory były jednymi z większych nostalgicznych hitów lat 2040:

Izumi Makura: „balloon” (2012)

Tastemakerzy i już nieistniejący hypebeasts, którzy przemierzali krajobraz lat 2010, bez końca szukali fajnego japońskiego rapu, który mogliby przedstawić światu. Prawie wszystkie wysiłki w tym kierunku kończyły się na Kohhu, utalentowanym, ale nieśmiałym medialnie artyście, którego szczytem był gościnny udział w piosence Franka Oceana dostępnej tylko w formie magazynu. Większość japońskiego hip-hopu dążyła do naśladowania znacznie lepszych amerykańskich raperów z południa, z mizernym skutkiem.

Kobiety, z drugiej strony, podeszły do gatunku z różnych stron w 2010 roku i stworzyły prace, które nadal łączą się z dzisiejszą młodzieżą. Popowe twórczynie, takie jak Chelmico, znalazły miejsce w mainstreamie, podczas gdy ostrzejsze MCs, takie jak Chanmina i Awich, podróżowały w przestrzeniach od dawna zdominowanych przez mężczyzn. Następnie pojawiły się „szeptane raperki”, takie jak Daoko, Bonjour Suzuki i Izumi Makura, których łagodniejszy sposób mówienia i skupienie się na codziennym życiu w ich tekstach sprawiły, że piosenki stały się krótkimi opowieściami chwytającymi wzloty i upadki młodzieży tamtej dekady. Piosenka taka jak „balloon” zmaga się z ponadczasowymi tematami, takimi jak ennui i depresja w małym miasteczku, z drobnymi szczegółami, które dodają jej głębi. Utwór wyróżniał się wtedy ze względu na to, jak podszedł do rapu z nowej perspektywy, ale jest relatywny po latach ze względu na nastrój, jaki wyczarowuje.

Mondo Grosso: „Labyrinth” (2017)

„Labyrinth” brzmiał nie na miejscu w latach 2010. Żaden z dominujących w tej dekadzie nurtów muzyki pop nie pojawia się w ciągu jego pięciominutowego czasu trwania. Producent Shinichi Osawa, lepiej znany pod swoim pseudonimem scenicznym Mondo Grosso, połączył głębokie house’owe dudnienia z migoczącym fortepianem i smyczkowymi muśnięciami, tworząc utwór zarówno filmowy, jak i fizyczny. Do tego aktorka, która zmieniła się w piosenkarkę, Hikari Mitsushima, śpiewa o próbie delektowania się chwilą, która nie może trwać wiecznie, ale ona i tak spróbuje. W połączeniu z teledyskiem osadzonym w Hong Kongu, który był na granicy dążenia do swojej ostatecznej niepodległości, „Labyrinth” pozostaje jednym z najbardziej zapierających dech w piersiach wydawnictw dekady i jednym z tych, które wciąż mogą oczarować nowe uszy.

BiS: „STUPiG” (2014)

Peppy idol pop grupy zdominowały japońskie listy przebojów muzycznych w latach 2010, z szczególnie wesołymi projektami, takimi jak AKB48 i jego siostrzane grupy radzą sobie bardzo dobrze. Te podniecające behemoty były na tyle duże, że zainspirowały reakcyjną społeczność „alternatywnych idoli”, która działając na podobnym modelu biznesowym, produkowała o wiele bardziej interesującą muzykę, począwszy od hiperaktywnych teatrzyków Dempagumi.inc do samoświadomych odrzutów Negicco i nawiązujących do okultyzmu Necronomidol.

Jeden z nich okazał się ważniejszy od BiS, zespołu, który celowo popchnął ideę idol popu na jej zewnętrzne obrzeża. „STUPiG” szokował wtedy i robi to nadal teraz. Ciężko jest sobie wyobrazić jakikolwiek utwór J-popowy – nie mówiąc już o takim, który w momencie wydania był notowany w Top 10 – jest zbudowany wokół gabberowych tupnięć i skrzeczących wokali. „STUPiG” jest klaustrofobiczny i chaotyczny, ale wciąż ma wpadający w ucho hak, który ujawnia pewne ciepło pod spodem. Byłoby to całkowite odstępstwo od normy w każdym miejscu i czasie, ale to część jego uroku, pokazująca jak odważny może być J-pop, jeśli zaryzykujesz na krawędziach.

Foodman: „Ez Minzoku” (2016)

Niewiele zakątków japońskiej muzyki nadal zachwyca tak jak eksperymentalne społeczności tego kraju, a czas był szczególnie łaskawy dla tego typu twórczości z lat 2010. Wiele z najsłynniejszych dziwactw oferowało wysokiej rozdzielczości odbicie życia przesiąkniętego popkulturą i mediami społecznościowymi, dzięki szalonym kolażom sampli DJWWW, woopheadclrms i dziesiątkom trudnych do zlokalizowania (a dziś bardzo cenionych) wydawnictw wydanych przez wytwórnię Wasabi Tapes. Inni oferowali barwne mutacje, od Technicolor sugar rush Toiret Status po bardziej intymne denpa songs emamouse. Jednak żaden album nie roztapia mózgów lepiej niż „Ez Minzoku”. To było przełomowe wydawnictwo najtrudniejszego do schwytania geniusza tego okresu, Foodmana, który jest obecnie stawiany w jednym rzędzie z Keiji Haino i Phew. Wziął on na warsztat pozornie różne dźwięki i wyczarował zakręcone bity z garści gitar, syntezatorów, krzyczących głosów i czegokolwiek innego, co było pod ręką.

Soutaiseiriron: „Miss Parallel World” (2010)

Żaden zespół w Japonii nie okazał się bardziej wpływowy w latach 2010-tych niż Soutaiseiriron. Przebojem wkraczając na rynek pod koniec lat 2000, grupa zasługuje na uznanie za to, że wyprzedziła nostalgiczny zwrot dekady, budując swoje piosenki wokół gitarowych melodii nawiązujących do epoki Showa, które wkrótce zostały podchwycone przez kopistów (Passepied), zapętlonych alt-rockowców (Frederic) i wirusowe niespodzianki (Gesu no Kiwame Otome.). Równie duże piętno odcisnęła główna wokalistka Etsuko Yakushimaru swoim śpiewnym sposobem mówienia i tekstami skupionymi na dykcji. Daremne były próby doszukiwania się w jej słowach zbyt wielu znaczeń – bawiła się kalamburami i zwrotami, kładąc nacisk na to, jak wszystko brzmiało, a nie na to, co oznaczało. Zespoły rockowe do szepczących raperów podążały za tą formułą, a wszystkie drogi prowadzą z powrotem do Soutaiseiriron, gdy próbuje się przez to wszystko przekopać.

Mariya Takeuchi: „Plastic Love” (1984/2018)

Spróbuj tego z twoimi muzycznymi nerdowymi przyjaciółmi następnym razem, gdy spędzisz czas – zapytaj ich, kiedy „Plastic Love” Mariyi Takeuchi pierwotnie się ukazało, a założę się, że większość z nich powie „gdzieś w latach 2010.”. Zdmuchniesz ich umysły, gdy ujawnisz, że po raz pierwszy ukazała się w 1984 roku. Jednak ten kawałek melancholijnego disco-popu brzmi równie dobrze w latach 2010, jak i 1980, jeśli nie bardziej. To definitywna piosenka tego okresu „odrodzenia miejskiego popu”, czasu, w którym zachodnie dzieciaki gromadziły zapasy starszych japońskich dźwięków niczym butelkowanej wody przed tajfunem, podczas gdy modne zachodnie i koreańskie zespoły zapożyczały funkowe brzmienia aż do lat 20. Jednak to właśnie emocjonalny rdzeń „Plastic Love” jest tym, co naprawdę przyciąga. Takeuchi nigdy nie doświadczyła osobiście rozkoszy ery bańki, a to było jej wyobrażenie, jak mogłoby wyglądać życie w bańce, ze wszystkimi jego wzlotami i upadkami – tak właśnie niezliczeni słuchacze na całym świecie podchodzili do tej piosenki w latach 2010 i dekadach po tym, jak stała się ona globalnym standardem popu.

Grupa_inou: „Therapy” (2010)

Zapytajcie swoich dziadków, co to jest „gatunek”, dzieciaki, a ze zdumieniem dowiecie się, że był taki czas, kiedy ludzie chętnie odgradzali od siebie muzyczne pomysły. Duet group_inou świetnie wpasowałby się w swobodny świat 2049 roku, ale powstał w pierwszej połowie lat 2010, kiedy łączenie rapu, słowa mówionego, dance-popu i komediowych kawałków w jednym utworze było jeszcze dość obcym pojęciem. Poza internetowymi artystami, takimi jak tofubeats i Mikeneko Homeless, działającymi równolegle do grou_inou, chaotyczne podejście do dźwięku, które para udoskonaliła na „Therapy”, nie stało się jasne w japońskiej muzyce aż do późniejszych lat 2010, kiedy to młodsi wykonawcy, tacy jak Haru Nemuri, Mom i (zwłaszcza) Wednesday Campanella, skanalizowali swobodnego ducha pary w swojej muzyce.

Dean Fujioka: „History Maker” (2016)

Anime i gry wideo również zostały ogarnięte obecnym boomem na retromanię, choć w przeciwieństwie do większości japońskich piosenek z tego okresu, wydawnictwa zdobywające miłość w latach 2040-tych były całkiem duże globalnie w latach 2010-tych. Również ścieżki dźwiękowe do tych dzieł stały się poszukiwane. W ciągu ostatnich pięciu lat powstały dziesiątki butikowych wytwórni zajmujących się reedycjami, które dostarczają fanom specjalne wydania trudno dostępnej muzyki z gier, pomagając wynieść wesołe melodie z „Persony 5” i melancholijne tła „Nier: Automata” do tego samego statusu, co soundtracki Studia Ghibli.

Tak samo jest z anime z lat 2010, przechodząc od niszowej obsesji do czegoś godnego pochwały i badania prawie 30 lat później. Seria z 2017 roku „Yuri!!! On Ice” cieszy się teraz krytycznym uznaniem, dzięki jednej z lepszych historii, które pojawiły się w świecie japońskiej animacji w tym okresie i za to, że jest wczesnym przykładem japońskich mediów podkreślających miłość tej samej płci w niestereotypowy sposób. Naturalnie, buńczuczny temat Deana Fujioki również zyskał nowych fanów, i to nie tylko dlatego, że przywodzi na myśl wspomnianą dramę o łyżwiarstwie figurowym. Dzięki połączeniu modnego w 2010 roku brzmienia EDM z orkiestrowym rozmachem, zyskuje on dodatkowe nogi, przypominając jednocześnie, jak wiele japońskich mediów w tamtym czasie było ze sobą powiązanych.

Famm’in: „circle” (2016)

Piękno patrzenia wstecz polega na możliwości właściwego celebrowania prawdziwie oryginalnych pomysłów, które w swoim czasie były ignorowane. Nazwanie projektu Famm’in z 2016 roku supergrupą byłoby zbyt dużym uznaniem. Składał się on z J-popowego projektu, który spędził dekadę próbując zarobić na skwierczeniu wokół K-popu (Faky), duetu, który doświadczył trochę wirusowej sławy dzięki piosence celebrującej jak bardzo jego członkowie kochają pieniądze (Femm) i średniej klasy singer-songwriterki (Yup’in).

Jakimś cudem, limitowany projekt zaowocował „circle”, piosenką rozwodzącą się nad kolistą naturą istnienia, osadzoną na elementach tradycyjnej japońskiej muzyki dworskiej i nowoczesnej wówczas perkusji. Nie miała szans, gdy została wydana, ale 30 lat później jej oryginalność może być odpowiednio doceniona.

mus.hiba: „Slow Snow” (2014)

Mnóstwo zmieniających grę technologii zakończyło się niewypałem podczas tech-rushu lat 2010. Inteligentne okulary służą głównie jako rekwizyt w filmach, aby pokazać, jak bardzo ludzie byli wtedy zagubieni, podczas gdy SoftBank wykorzystał wszystkie te opuszczone biura WeWork, aby przechowywać pozostałe roboty Pepper, które udało im się uratować. Dodajmy do tej listy wirtualnych piosenkarzy.

While Hatsune Miku i jej przyjaciele wróżyli lepszy świat dzięki oprogramowaniu Vocaloid – i pojawili się w kilku legalnych, odpowiednich dla tej dekady utworach – technologia ta zmutowała w latach 2020 w sposób, dzięki któremu ludzie mogli zarabiać na zmarłych celebrytach, a wirtualne gwiazdy popu, takie jak Kizuna AI, zachowywały się tak samo, jak ich pełnokrwiści poprzednicy. Wielu z nich postanowiło wyobrazić sobie świat, który mógłby istnieć.

Tokijski artysta elektroniczny mus.hiba w utworze „Slow Snow” wykorzystuje głos postaci Yufu Sekka jako kolejną warstwę w dźwiękowym śnie gorączkowym, nie przejmując się zbytnio przekształceniem programu komputerowego w osobę, ale raczej widząc, co jest możliwe artystycznie z tym nowym instrumentem. Mnóstwo fantastycznych producentów self-made robiło podobne rzeczy i nawet jeśli to marzenie zamieniło się w nowość, ich muzyka wciąż może się przebić.

HNC: „I Dream I Dead” (2010)

„Upiorność” w kulturze japońskiej lat 2010-tych była ściśle związana z reputacją kraju „kawaii”, najlepiej reprezentowaną przez spektakle takie jak „Shibuya Halloween” (przynajmniej do czasu, gdy zostały zakazane w 2024 roku po wielkim październikowym pożarze, który zniszczył Don Quixote Megaplex). Pod kolorową powłoką kryje się jednak mnóstwo strachu. Indie acty takie jak Jesse Ruins, Sapphire Slows i Hotel Mexico (w pewnym momencie wszystkie razem) oferowały przebłyski ekstazy spowite cieniem, podczas gdy pionier japońskiego dubstepu Goth-Trad czerpał z niesamowitych realiów życia w Japonii po trzęsieniu ziemi i tsunami z 11 marca 2011 roku, a Eadonmm z Osaki w swoim debiucie „Aqonis” sięgnął do tego samego niepokojącego nastroju. Nawet AKB48 znalazło czas na ciężki utwór „Uza” z 2012 roku.

„I Dream I Dead” niepokoi bardziej niż którykolwiek z nich. Pochodzi od artystki, która z łatwością mogła pomóc w zdefiniowaniu łagodniejszego wizerunku, który miał nadejść. HNC występowała kiedyś pod pseudonimem Hazel Nuts Chocolate i tworzyła przytulny, pokojowy pop celebrujący takie tematy jak lody i koty. Skupiła się na ponadczasowym niepokoju związanym ze śmiercią i niepokojem wokół niej, tworząc jedno z najbardziej przerażających muzycznych tła z dzwonków i zacinających się nut perkusji. „I Dream I Dead” przypomina nam, że ludzie w Japonii nie byli przepełnieni puszystymi myślami i dodaje pewną miłą przeciwwagę do wizerunku kraju z tamtych czasów.

Kyary Pamyu Pamyu: „PonPonPon” (2011)

Żaden artysta nie zdefiniował wizerunku Japonii dla świata w latach 2010 jak Kyary Pamyu Pamyu.

Jeśli włączycie film z tego okresu, w którym wspomina się o Japonii, istnieje duże prawdopodobieństwo, że usłyszycie jedną z jej piosenek w tle, gdy reżyser próbuje przekazać słuchaczom ideę kraju. Jej utwory pojawiały się w livestreamach z gier wideo i memach w równym stopniu, a jej misz-masz mody wyznaczał tempo, w jakim ludzie wyobrażali sobie dzieciaki z Harajuku ubrane na co dzień. Japonia w tym czasie była postrzegana jako Technicolorowa kraina czarów z nieco dziwaczną krawędzią, a Kyary Pamyu Pamyu przedstawiła ten wizerunek nie wyraźniej niż w swoim przełomowym debiutanckim singlu „PonPonPon.”

W tym utworze było coś więcej – klip kawaii-gone-sinister, który wielu pokochało po tym, jak stał się viralem na początku dekady. Pojawił się kilka miesięcy po wielkim trzęsieniu ziemi we wschodniej Japonii w 2011 roku, narodowej traumie, która zdefiniowała dekadę. Ludzie pragnęli ucieczki, a „PonPonPon” oferował dokładnie to, dzięki nieustannemu odbiciu i tekstom, które celebrowały bycie sobą. Co ważne, jego hiperkolorowa idea do dziś dominuje w japońskiej estetyce.

Muzyka powstała dzięki uprzejmości producenta Yasutaki Nakaty, którego basocentryczny electro-pop przesączał się już do rozwijającego się wówczas świata elektronicznej muzyki tanecznej, ale tutaj znalazł nową paletę dźwięków, z którą mógł się bawić. Countless artists all over the world tried to imitate it, but none have had the lasting impact of this slice of pure pop perfection.