Spośród kompozytorów, którzy zapoczątkowali modernizm w muzyce na początku XX wieku, to właśnie Igor Strawiński (1882-1971) okazał się najtrwalszy i najbardziej wszechobecny. Podczas gdy muzyka samego Strawińskiego w ciągu 70-letniej kariery dwukrotnie radykalnie zmieniała kierunek – tak radykalnie, że jego utwory w każdej z faz mogłyby z łatwością zostać napisane przez innych kompozytorów – bez niego muzyka XX wieku mogłaby podążać zupełnie innym torem.
Muzyka, którą możesz rozpoznać
Dla wielu osób pierwsze spotkanie z muzyką Strawińskiego to słynna animacja Walta Disneya z 1940 roku Fantazja, w której jego najsłynniejszy utwór, Święto wiosny, towarzyszy najdłuższej sekwencji filmu, przedstawiającej stworzenie Ziemi i dinozaurów. Strawiński podobno nie znosił sposobu, w jaki Disney wykorzystywał jego muzykę. Niedawno muzycy od Charliego Parkera i Ornette’a Colemana po Joni Mitchell i Pet Shop Boys nawiązali do Święta w sposób szczególny, a niezliczone partytury filmowe – od Bernarda Hermanna do Psychozy, Jerry’ego Goldsmitha do Planety małp po Johna Williamsa do Szczęk i Gwiezdnych wojen – mają wobec niego dług dźwiękowy.
Jego życie …
Strawiński dorastał w Petersburgu w Rosji, gdzie jego ojciec był czołowym basem w Operze Cesarskiej. Rodzice zniechęcali go do kariery muzycznej, nalegając, aby studiował prawnictwo na uniwersytecie w Petersburgu. Tam zaprzyjaźnił się z Władimirem, najmłodszym synem kompozytora Mikołaja Rimskiego-Korsakowa, i dzięki niemu mógł załatwić sobie lekcje u ojca, które trwały aż do śmierci starszego kompozytora w 1908 r.
Oprócz Chant Funèbre, pomnika dla swego nauczyciela, dopiero niedawno odkrytego, wśród utworów, które Strawiński napisał w tym okresie, znalazła się Symfonia Es-dur. Ale to dwa genialnie zabarwione orkiestrowe dzieła popisowe, Scherzo Fantastyczne i Fajerwerki, zwróciły uwagę impresaria Serge’a Diagilewa, który szukał Rosjanina do skomponowania baletu o legendzie Ognistego Ptaka na sezon Ballets Russes w Paryżu. Premiera Ognistego ptaka odbyła się w 1910 roku i odniosła natychmiastowy sukces.
W tym czasie Strawiński miał już żonę i dwójkę dzieci, a rodzina dzieliła swój czas między Francję i Szwajcarię, gdzie powstała jego druga partytura baletowa dla Diagilewa, Pietruszka. Wystawiona po raz pierwszy w 1911 roku, nie spotkała się z tak dobrym przyjęciem jak Ognisty ptak, ale trzecim dziełem Strawińskiego dla Baletów Rosyjskich było Święto wiosny, a jego premiera w Paryżu w maju 1913 roku była jedną z najbardziej sensacyjnych w historii muzyki, choć nigdy nie była to tak wielka awantura, jak się czasem twierdzi. Prymitywizmowi scenariusza, w którym młoda dziewczyna zostaje wybrana na ofiarę i tańczy aż do śmierci, odpowiadała bezprecedensowa gwałtowność partytury Strawińskiego, z jej wysokim poziomem dysonansów, nieregularnym metrum i dziką rytmiką. Baśniowy urok Ognistego ptaka i świat carskiej Rosji zostały daleko w tyle.
I czasy…
Trzy wielkie wydarzenia zmieniające świat za życia Strawińskiego, dwie wojny światowe i rewolucja rosyjska, wpłynęły bezpośrednio na jego karierę, określając miejsce, w którym się zadomowił i sposób, w jaki rozwijała się jego muzyka. Po premierze Święta na krótko wrócił do Rosji, gdzie rozpoczął swoją pierwszą operę, Słowika, ale po kolejnej krótkiej wizycie w 1914 roku nie wrócił tam przez 48 lat. Lata I wojny światowej rodzina Strawińskich spędziła w Szwajcarii, gdzie ze względu na ograniczone możliwości występów nie było mowy o dużych dziełach orkiestrowych. Strawiński zwrócił się w stronę małego dramatu muzycznego, wystawiając Renarda i Opowieść żołnierza, utwory, które dziś uważa się za prekursorskie wobec teatru muzycznego końca XX wieku.
Po wojnie Symfonia instrumentów dętych, będąca pomnikiem dla Debussy’ego, okazała się jednym z jego najwybitniejszych osiągnięć, o mozaikowej konstrukcji, podczas gdy inna całkowicie oryginalna partytura, balet Les Noces (Wesele) przeznaczony na solistów, chór, cztery fortepiany i perkusję, wraz z jednoaktową operą komiczną Mavra, był w istocie pożegnaniem ze światem rosyjskiej kultury ludowej, która przez prawie dwie dekady stanowiła podstawę muzyki Strawińskiego.
Mawra była też jednym z pierwszych dzieł, w których ujawniła się niezwykła zmiana stylistyczna, jaka dokonała się w jego muzyce w latach dwudziestych. Po raz kolejny katalizatorem był Diagilew, który zaproponował Strawińskiemu skomponowanie baletu do scenariusza XVIII-wiecznej commedii dell’arte, wykorzystując jako punkt wyjścia muzykę Giovanniego Pergolesiego. W rezultacie powstała Pulcinella, w której Strawiński zapożyczył barokowe formy i tematy; było to, jak później powiedział, „moje odkrycie przeszłości, epifania, dzięki której cała moja późna twórczość stała się możliwa.”
W okresie międzywojennym Strawiński przebywał we Francji. Oprócz komponowania, budował karierę jako dyrygent swojej muzyki, a dzieła, które tworzył, nadal ukazywały formalną przejrzystość i powściągliwość stylu neoklasycznego, który odkrył wraz z Pulcinellą. Powstały kolejne balety – Apollo, Pocałunek wróżki (wg muzyki Czajkowskiego) i Jeu de Cartes, koncerty na fortepian i skrzypce, a także jedno z najpopularniejszych dzieł średniego okresu – chóralna Symfonia Psalmów (1930). W miarę jak rosła jego międzynarodowa sława, pojawiła się współpraca z najsłynniejszymi pisarzami i artystami tamtych czasów. Pablo Picasso, dramaturg i filmowiec Jean Cocteau (przy operze-oratorium Edyp Rex z 1927 roku) oraz pisarz André Gide, wśród nich.
Strawiński przeniósł się do Stanów Zjednoczonych w 1939 roku. Jego pierwsza żona, Katia, zmarła wcześniej w tym samym roku, pozostawiając mu wolną rękę, aby poślubić tancerkę i artystkę Verę de Bosset, z którą był w związku od 1921 roku. Para osiedliła się w Los Angeles, gdzie stała się częścią emigracyjnej społeczności artystycznej, do której należeli muzycy i pisarze, tacy jak Otto Klemperer i Arthur Rubinstein, Thomas Mann i Aldous Huxley, a inni – WH Auden i Dylan Thomas – odwiedzali go tam regularnie.
Głównymi dziełami wczesnych lat pobytu w USA były dwie symfonie, Symfonia in C i Symfonia w trzech częściach. W 1945 roku Strawiński i Vera stali się obywatelami USA, a Strawiński zaczął przywracać prawa autorskie do swoich dzieł, ponownie aranżując wiele swoich głównych partytur i podpisując lukratywną nową umowę wydawniczą. Wizyta na wystawie grafik Williama Hogartha stała się punktem wyjścia do stworzenia kulminacyjnego dzieła okresu neoklasycznego, opery The Rake’s Progress, wystawionej po raz pierwszy w Wenecji w 1951 roku. Auden i Chester Kallman napisali libretto oparte na rycinach Hogartha, przedstawiające historię młodego człowieka skuszonego do rozpusty i ruiny, a Strawiński wzorował się na klasycznej „operze numerycznej”, złożonej z łańcucha arii scenicznych przeplatanych pasażami recytatywów.
Po Grabieżcy muzyka Strawińskiego ponownie zmieniła kierunek. Jego muzyka reprezentowała odrębny nurt modernizmu od muzyki Arnolda Schoenberga i Drugiej Szkoły Wiedeńskiej, i choć obaj kompozytorzy mieszkali w Beverly Hills, unikali siebie nawzajem. Jednak po śmierci Schoenberga w 1951 roku Strawiński zaczął badać możliwości wynalezionej przez Schoenberga techniki 12-dźwiękowego serialu. Do tego czasu Strawiński zyskał też muzycznego asystenta, dyrygenta Roberta Crafta, który pozostał u boku kompozytora aż do jego śmierci w 1971 roku i z którym współpracował przy serii książek z rozmowami.
Z wyjątkiem może baletu Agon z 1957 roku, żaden z wolnych, kanciastych utworów Strawińskiego z ostatnich dwóch dekad nie osiągnął takiej popularności jak jego wcześniejsza muzyka, niemniej jednak dzieła takie jak Canticum Sacrum, The Flood i Threni pozostają fascynującymi przykładami sposobu, w jaki kompozytor był w stanie uzyskać nowy głos kompozytorski.
Dlaczego Strawiński wciąż ma znaczenie?
Trudno wyobrazić sobie znaczącego kompozytora z ostatnich 100 lat, który nie pozostawał pod wpływem Strawińskiego. Jego neoklasyczną estetykę podchwyciło kilka pokoleń kompozytorów po obu stronach Atlantyku, a awangarda lat 50. pod wodzą Pierre’a Bouleza i Karlheinza Stockhausena oklaskiwała go za sposób, w jaki wyemancypował rytm i metrum. Pulsujące faktury leżące u podstaw minimalizmu również byłyby nie do pomyślenia bez niego; fakt, że brytyjscy kompozytorzy ostatnich czasów, tak zupełnie niepodobni do siebie jak John Tavener i Harrison Birtwistle, zadeklarowali swój dług wobec Strawińskiego, pokazuje, jak wszechobecny był jego wpływ.
Wielcy wykonawcy
W latach 50. i 60. kompozytor sam dyrygował niemal wszystkimi swoimi dziełami orkiestrowymi dla Columbii, nagraniami, które kilkakrotnie były przepakowywane w okazyjnych boxach. But many conductors have put their own imprint on this repertoire, from Ernest Ansermet, who conducted a number of Stravinsky premieres including Les Noces and Pulcinella and recorded extensively for Decca, through Boulez, whose recordings for CBS/Sony and Deutsche Grammophon include all the early masterpieces, to Riccardo Chailly, whose Decca recordings include perhaps the finest of all versions of The Rake’s Progress. And Robert Craft also made a series of recordings for Naxos of the music of the composer he assisted for so long.
{{topLeft}}
{{bottomLeft}}
{{topRight}}
{{bottomRight}}
{{/goalExceededMarkerPercentage}}
{{/ticker}}
{{heading}}
{{#paragraphs}}
{{.}}
{{/paragraphs}}{{highlightedText}}
- Share on Facebook
- Share on Twitter
- Share via Email
- Share on LinkedIn
- Share on Pinterest
- Share on WhatsApp
- Share on Messenger