Daft Punk despre „sufletul pe care îl poate aduce un muzician”

Cu câteva premii Grammy în spatele căștilor lor, All Things Considered revizitează o conversație cu Daft Punk. Aceasta a fost difuzată inițial pe 16 mai 2013.

Dououl electronic francez Daft Punk a izbucnit în mișcarea dance de la sfârșitul anilor ’90 cu muzica pe care au produs-o într-un studio acasă. Thomas Bangalter și Guy-Manuel de Homem-Christo și-au construit un public cult purtând căști de robot pe scenă și în presă și lucrând în mare parte singuri. Dar și-au înregistrat noul album, Random Access Memories, în studiouri profesionale, cu muzicieni adevărați. Bangalter și de Homem-Christo au stat de vorbă cu Audie Cornish de la Londra pentru All Things Considered. Puteți asculta versiunea radiofonică la linkul audio și puteți citi mai multe din conversația lor mai jos.

Principalul single de pe noul vostru album se numește „Get Lucky”, iar cântărețul este Pharrell Williams, dar am înțeles că a fost scrisă împreună cu Pharrell Williams și Nile Rodgers, care a fost un mare producător al anilor ’70. Ce ne spune acest cântec despre album?

THOMAS BANGALTER: Acest cântec este într-adevăr, într-un anumit sens – poate fi un rezumat al acestui disc, acest album, Random Access Memories, pe care suntem pe cale să îl lansăm. Facem muzică dance, eu și Guy-Man, de aproximativ 20 de ani. Inițial, făceam muzică house și muzică electronică în dormitorul nostru de foarte mult timp și, dar am fost întotdeauna foarte influențați de o mulțime de discuri clasice, inclusiv de discurile Chic și de o mulțime de discuri disco pe care Nile Rodgers le-a scris și le-a produs.

Și a fost cumva, poate, un vis de copil de a fi posibil ca într-o zi să putem face muzică cu unul dintre muzicienii pe care îi iubim cu adevărat. Și astfel, „Get Lucky” este cu adevărat despre această întâlnire dintre Nile și Pharrell Williams, cu care am fost prieteni și cu care am lucrat în trecut, dar și despre a face echipă și a ieși din studioul nostru de acasă și a ajunge cu adevărat la alți muzicieni și interpreți și a face muzică și a ne distra în studio făcând muzică împreună. Acest disc se referă cu adevărat la muzica pe care am vrut să o ascultăm acum, așa că este un fel de muzică disco de vară pe care am vrut să o facem cu Nile și Pharrell.

Este interesant pentru că ambii producători, Nile și Pharrell Williams, sunt foarte apropiați de tipul de perioadă din care au ieșit. Adică, Pharrell este unul dintre producătorii definitivi ai anilor ’80 – un fel de hip-hop modern – iar Rodgers este, evident, o voce uriașă a radioului de la sfârșitul anilor ’70 și a muzicii disco.

BANGALTER: În acest sens, am putea spune că am ieșit din anii ’90 și din această nouă scenă franceză de muzică electronică din anii ’90 și că am definit un anumit sunet în același timp. Dar ni s-a părut interesant să spunem: „OK, haideți să facem echipă cu diferitele talente și să încercăm să facem muzica de astăzi.”

Așa că este adevărat că nu a existat niciun sens pe acest disc să ne gândim cu adevărat la viitorul muzicii sau la muzica viitorului, mai degrabă decât să ne concentrăm cu adevărat pe, OK, ce ne lipsește acum ca muzică și care este muzica pe care vrem să o facem?

Și se pare că acest lucru vorbește despre titlul albumului. Random Access Memories. Evident, RAM este o referință la un fel de stocare a datelor pe calculator. Ce înseamnă pentru tine aici?

BANGALTER: Este paralela dintre computere și hard disk și creierul uman, dar de fapt este și faptul că ne distrăm cu cuvântul „memorie”, care a devenit un termen și un cuvânt foarte tehnic, foarte steril. Și, evident, când folosești pluralul, care este „amintiri”, este ceva cu totul diferit. Este ceva extrem de emoțional, iar noi am fost întotdeauna foarte interesați de diferența dintre tehnologie și umanitate și de diferența dintre ceva care are o calitate emoțională și ceva care nu are niciun fel de calitate emoțională în lumea tehnologiei.

Așa că ne-am simțit ca și cum trecerea de la un termen foarte tehnic – adică memorie cu acces aleatoriu – la memorii cu acces aleatoriu a schimbat complet percepția acestor trei cuvinte și le-a făcut extrem de umane în felul în care am vrut să urmărim conceptul acestui disc și procesul de realizare a acestui disc în cel mai uman mod posibil.

Pe album, există un cântec numit „Beyond” și este oarecum o abatere de la ceea ce oamenii se așteaptă de la muzica voastră în sensul că se deschide cu acest tip de introducere orchestrală. Destul de repede după, acest cântec ajunge la vocile robotizate modificate digital pe care oamenii le-ar putea recunoaște din muzica ta. Dar vorbiți puțin despre utilizarea instrumentelor live și a elementelor orchestrale în acest album.

BANGALTER: După ultimul turneu mondial pe care l-am făcut în 2006 și 2007, am încetat să facem muzica noastră timp de aproximativ un an și jumătate și am lucrat la coloana sonoră pentru Tron: Legacy, care a fost un film Disney. Și a fost o oportunitate foarte interesantă pentru noi. În primul rând, pentru că ne place să facem filme și ne place muzica de film în general, dar, de asemenea, a fost o oportunitate de a lucra cu o orchestră – ceva ce ne-am dorit întotdeauna să explorăm și să facem – și de a opri cu adevărat acest proces al nostru.

Să petrecem 12 sau 14 sau 15 luni lucrând cu muzică orchestrală ne-a deschis cu adevărat la ideea de lucru în echipă și la ideea de a lucra cu muzicieni și, de asemenea, la o anumită idee de spectacol. Este adevărat că este ceva ce am încercat să facem treptat, știți, cu personajele noastre și cu persoana noastră ca roboți și încercând să construim această fantezie sau ficțiune într-un mod distractiv.

Și după ce am creat un turneu și un spectacol foarte ambițios în jurul muzicii electronice cu – stăteam ca niște roboți în această lumină mare, primitivă – ne-am gândit că o modalitate de a continua acel spectacol era să lucrăm cu ansambluri orchestrale, precum și cu straturi electronice și elemente electronice.

Ne-a plăcut foarte mult și am iubit acel schimb cu muzicienii și interpreții și am decis să încercăm să facem un nou disc, dar făcându-l cu muzicieni live – nu doar limitat la orchestrații orchestrale, ci și cu toboșari și basiști și chitariști și claviaturiști live. Și să facem cumva un experiment cu muzica pop într-un mod nou pentru noi.

Am cam glumit și am spus că acest disc, Random Access Memories, este primul nostru album de studio, chiar dacă facem muzică de 20 de ani. Dar aceasta a fost o oportunitate de a lucra cu muzicieni și de a glorifica, știi tu, performanțele live și magia performanțelor umane și, eventual, de a face un pic de muzică dance în același timp.

A fost înfricoșător pentru voi?

BANGALTER: Nu este chiar înfricoșător. Vreau să spun că nu ne este frică să experimentăm. Cred că este opusul. Este un proces foarte interesant. Este un pic copleșitor într-un anumit sens, dar de obicei ne place să nu ne grăbim.

Știi, lansăm muzică la fiecare trei, patru, cinci ani. Ultimul album de studio – ultimul album pe care l-am făcut ca Daft Punk – a fost în 2005. Am lansat Tron în 2010, care a fost o coloană sonoră, deci nu a fost un album Daft Punk propriu-zis.

Dar a fi capabili să – să ne luăm timpul necesar și să experimentăm este cu siguranță un fel de lux, dar nu este cu adevărat înfricoșător pentru că ne simțim foarte, foarte liberi și foarte eliberați de orice constrângeri. Simțim cu adevărat că avem libertatea de a experimenta, iar dacă nu ne place ceva, știi, s-ar putea să lucrăm câteva săptămâni sau, uneori, câteva luni la unele idei și punem totul la coșul de gunoi și apoi o luăm de la capăt.

Ne place ideea de a nu construi următorul experiment pe baza experiențelor trecute, așa că ne place ideea de a ne simți ca niște începători din nou. Ne-am simțit ca niște începători totali atunci când am făcut coloana sonoră pentru Tron și aici, pentru că a fost să intrăm într-un studio și să facem o înregistrare în același mod în care oamenii ar fi făcut o înregistrare poate cu 30 sau 40 de ani în urmă.

Deși cu o anumită – ca și cum am fi știut și noi ce s-a întâmplat în următorii 30 de ani, știți. Așa că asta a fost interesant. Aproape că uneori ne puneam în studio simțind, ok, poate că suntem în 1978 când facem asta pe proces, dar în același timp știm exact ce s-a întâmplat în următorii 35 de ani.

Muzica celor de la Daft Punk a fost atât de strâns aliniată – sau a fost sursa de inspirație pentru muzica electronică de dans așa cum ar putea să o recunoască oamenii acum ieșind de la radioul lor. Ați făcut un efort conștient de a vă îndepărta de instrumentele acelui sunet, care în zilele noastre este laptopul?

BANGALTER: Există o confuzie uneori cu laptopul ca fiind instrumentele actuale și de unde provine inițial muzica electronică. Noi provenim din generația anterioară de producători de muzică electronică – înainte de era laptopului. Așa că o mare parte – cea mai mare parte a muzicii electronice pe care am făcut-o a fost realizată într-un home studio care era un fel de colecție de componente hardware de mașini de tobe, sintetizatoare, samplers, mici pedale de chitară și într-un fel de proces DIY.

Dar acolo unde noi adunam diferite piese hardware și făceam conexiunile între ele pentru a crea propriul nostru ecosistem creativ într-un fel, un laptop astăzi este o bestie complet diferită. Este cumva, de cele mai multe ori, un fel de soluție de timecode cu o bucată de software și o mulțime de instrumente virtuale diferite în interior. Și, prin urmare, este un proces foarte diferit.

Este aproape ca și cum ai compara pe cineva care face efecte speciale practice folosind miniaturi și machete și fotografie time-lapse și apoi pe cineva care a lucrat pe un computer făcând efecte CGI. Așadar, este sintetic – este o sinteză. Dar a face muzică cu un computer astăzi este ceea ce se poate numi sinteză virtuală, care este aproape ceva diferit.

Am vrut cu adevărat să spunem că, în căutarea noastră de a experimenta cu electronica și de a experimenta cu ceea ce ar putea fi viitorul, s-ar putea să fi uitat unele tehnici care dispar treptat. Așa că am folosit cu siguranță computere pe acest disc, dar am încercat să folosim tehnologia într-un mod invizibil. Am spus-o mai devreme în același mod în care poate Peter Jackson poate folosi tehnologia pentru a spune povestea Stăpânului Inelelor, pentru a o transpune pe ecran. Această înregistrare pe care o facem aici nu este o înregistrare tehnologică în sensul în care ai pune tehnologia deasupra ei. O ascunzi pe dedesubt.

Există un cântec pe album care să fie un bun exemplu al acestui tip de tehnologie invizibilă?

BANGALTER: Da, cântecul „Touch” pe care l-am înregistrat și scris cu Paul Williams este un exemplu interesant pentru că este un cântec care are o anumită calitate atemporală. Există cu siguranță o parte Dixieland în el și niște sintetizatoare mai psihedelice și un cor de copii și o mulțime de efecte. Are aproximativ 250 de piese în cântec și nu am fi putut gestiona atâtea piese acum 30 sau 40 de ani.

Multi-track-urile erau limitate la 24 de piese. Poate că puteai să sincronizezi două magnetofoane multi-piste împreună și asta îți dădea aproximativ 48 de piste – și deși dacă ai lua o a treia este – dar folosirea a 250 de piste pentru a face această înregistrare a arătat că am încercat să creăm ceva atemporal, dar, în același timp, folosind puterea modernă și actualizată a computerelor din ziua de azi, ceea ce nici măcar nu se putea, nu era posibil acum 10 ani.

Acest disc folosește cu siguranță computerele și tehnologia în multe feluri – doar că nu folosește cu adevărat computerele ca instrumente muzicale. Acestea sunt pentru a manipula active și bucăți de audio și, de asemenea, pentru a edita muzica și a o pune laolaltă.

Nu ne simțeam cu adevărat confortabil ca muzicieni pentru a fi capabili să interpretăm și să capturăm anumite emoții doar cu ajutorul computerelor ca instrumente muzicale, în loc să folosim o chitară sau sintetizatoare analogice sau un pian, un trombon, un bas, un kit de tobe live.

Pe piesa în care apare Giorgio Moroder, „Giorgio by Moroder”, îl auziți descriind cum a început să folosească sintetizatoare. Și el este un producător italian care a ajutat la realizarea unora dintre cele mai mari înregistrări dance de la sfârșitul anilor ’70 – este sinonim cu munca Donnei Summer, cu „I Feel Love” și cu muzica electronică care este cu adevărat un precursor a ceea ce auzim astăzi. Poți să-mi spui ce fel de influență a avut asupra muzicii voastre?

BANGALTER: Giorgio Moroder este o influență importantă pentru noi, pentru că este un fel de pionier și are o carieră și o călătorie de viață uimitoare. A început într-un orășel din Italia și a ajuns să cânte în saloane de hotel la începutul anilor ’60. Apoi a avut o carieră în muzica pop germană la sfârșitul anilor ’60 și a ajuns să inventeze sau să facă parte dintre fondatorii muzicii disco, ai muzicii electronice și, într-un fel, ai muzicii techno la mijlocul anilor ’70. După aceea s-a mutat la Hollywood. A câștigat premii Oscar pentru muzica din Midnight Express și Top Gun, dar a făcut muzică pentru Flashdance.

Este foarte interesant să te uiți doar la cariera unui muzician și a unui producător care a intrat în multe genuri diferite și în multe stiluri diferite și în multe locuri diferite, dar care a spart întotdeauna barierele dintre genuri și, la un moment dat, s-a reinventat pe tot parcursul drumului, dar a inventat și lucruri în același timp.

Astăzi trăim într-un moment în care se pune accentul pe muzica electronică și se pune accentul pe modul în care muzica electronică ar putea fi această nouă tendință sau muzică nouă, iar pentru noi a fost distractiv să facem o piesă în jurul vieții lui Giorgio, acest om care are 70 de ani și vorbește despre conexiunea sa cu techno și muzica electronică care s-a întâmplat acum 40 de ani.

De asemenea, ideea de a face o piesă care este aproape ca o autobiografie sau ca un documentar a fost ceva interesant pentru noi pentru că s-a simțit în forma în care a fost originală. Și când avem o idee pe care o simțim ca fiind originală și care nu a fost făcută, de obicei, știi, o scriem pe un carnețel și încercăm să vedem dacă putem face ceva din ea.

Credeți că trupele de la sfârșitul anilor ’70, începutul anilor ’80 – unele dintre marile trupe pop – și-au asumat mai multe riscuri decât o fac oamenii de astăzi?

BANGALTER: Când te uiți la ceea ce putem numi epoca de aur a albumelor conceptuale, care începe la mijlocul sau la sfârșitul anilor ’60 și se termină poate la începutul anilor ’80, este o perioadă interesantă pentru muzică. Vezi toate aceste trupe și formații și artiști foarte bine stabiliți și populari care erau cumva în vârful jocului lor, dar care încercau cu adevărat să experimenteze. Să facă aceste înregistrări cu adevărat ambițioase și să își asume o mulțime de riscuri și să își reinventeze sunetul într-un anumit sens și să experimenteze cu adevărat cu tehnicile de înregistrare și să experimenteze cu compoziția.

Cel mai bun exemplu este probabil cel mai faimos, The Beatles, care la acea vreme erau cei mai mari artiști și cea mai mare trupă de pe planetă. Iar seria de înregistrări și albume la care au lucrat și pe care le-au produs cu George Martin la sfârșitul anilor ’60 sunt într-adevăr, la fiecare moment, o reinventare completă și într-adevăr o idee de a împinge limita și de a se simți bine. A existat o perioadă în care acești artiști consacrați erau cei care experimentau cel mai mult.

Experimentarea a ajuns acum în mâinile scenei underground – a scenei alternative, independente. Scena alternativă și independentă a formațiilor care experimentează cu adevărat, dar s-ar putea să nu aibă prea multe mijloace pentru a face acest lucru. Este ceea ce putem numi în franceză ceva ce se numește bricolage – ceea ce înseamnă că încerci să experimentezi cu ceea ce ai, chiar dacă ai niște mijloace limitate.

Dar vremea experimentelor ambițioase cu niște mijloace în această idee a unei superproducții experimentale în muzică pare să fi trecut de mult. Și cu siguranță nu suntem – nu am fost cel mai bine vândut artist, dar simțim că suntem astăzi. Am fost artiști consacrați și am vrut să profităm de șansa de a încerca să experimentăm – sau să readucem un sentiment de ambiție, de ambiție artistică în încercarea de a experimenta și de a face ceva care nu există la un moment dat. Ne-a plăcut ideea de a face ceva ce nu am mai făcut niciodată și pe care nimeni nu îl făcea acum.

Sună ca și cum, cu piesa „Doin’ It Right”, în care apare Panda Bear, v-ați pune întrebarea, în esență, că dacă o faceți bine, oamenii vor continua să danseze. Dar este cu o oarecare reținere? Aveți emoții în legătură cu modul în care va fi primit albumul?

GUY-MANUEL DE HOMEM-CHRISTO: Nu cred că suntem cu adevărat îngrijorați – adică, nu putem – suntem îngrijorați, dar de la început am făcut muzică doar eu și Thomas într-un dormitor mic și pur și simplu ne distram și încă ne distrăm. Și asta este principalul – asta este ceea ce ne place să facem și asta este ceea ce a fost timp de 20 de ani.

Magia – putem încerca să capturăm magia – muzica care iese din difuzoare. Acea scânteie de magie pe care o putem obține uneori este exact ceea ce căutăm și dacă funcționează în timp ce suntem în studio noi doi, atunci ne gândim că poate o putem împărtăși cu un public. Și așa a fost de la început.

Așa că principala prioritate pentru noi este să fim fericiți cu ceea ce facem, știi? Și ne asigurăm că rezultatul, cu un test de timp, că piesele pe care le facem sunt încă relevante după câteva luni sau câteva săptămâni pentru noi, iar dacă suntem încă fericiți după acel timp, atunci le împărtășim cu oamenii.

Dar niciodată nu am – cel mai rău pentru noi ar fi să scoatem o muzică pe care nu o validăm în totalitate. De aceea, de la început am lucrat cu o companie majoră, dar în același timp am fost producători ai muzicii noastre și independenți.

Grea diferență cu Random Access Memories și poate cu Tron este că am decis să împărtășim experiența de a face muzică cu o echipă mai mare. Noi nu suntem muzicieni cu adevărat calificați. Adică, știu să cânt un pic la chitară. Thomas poate cânta la pian. Pentru prima dată am decis să ieșim din acest dormitor și să nu cântăm cele câteva bucle pe care eram capabili să le cântăm ca muzicieni săraci. Suntem foarte, foarte fericiți să vedem că viziunea noastră a avut loc și că am reușit să aducem o mulțime de oameni la bord și să împărtășim acest album cu toți acești oameni. Să vedem tot entuziasmul este poate unul dintre lucrurile care este cel mai – care ne bucură cel mai mult.

Guy-Man, mai devreme Thomas a spus că voi ați încercat să faceți muzica de astăzi – că lipsea ceva, într-un fel. Ce crezi că este asta? Ce este muzica de astăzi?

DE HOMEM-CHRISTO: Muzica de astăzi este o mulțime de stiluri diferite, o mulțime de genuri diferite. Așa cum a subliniat Thomas, este foarte mult generată de computere și totul se află în cutie, în laptopul tău. De la început, cu primul nostru album, am vrut să facem muzica care poate lipsea în jurul nostru – muzica pe care voiam să o auzim.

Și este adevărat că în ultimii ani, cu această muzică generată de laptopuri în jurul nostru, fie că este e-pop, EDM, chiar și muzică pop – toate genurile au fost făcute cu aceste computere – ceea ce ne lipsea cu adevărat este sufletul pe care îl poate aduce un muzician instrumentist. Am luat o direcție total diferită de ceea ce există acum, cred eu, și pur și simplu ne-am întors la lucrul cu muzicieni. Și niște muzicieni foarte buni care au trăit toate marile epoci ale albumelor din anii ’70 și ’80, toate marile capodopere pe care le cunoaștem. Cred că reușim – sper că reușim să aducem înapoi ceva suflet și emoție.

Așa că nu este muzica de astăzi sau muzica viitorului sau a trecutului. Unii oameni ar crede că este un fel de retro să lucrezi cu acești băieți și să ai acest tip de, cum ar fi, disco sau funk, dar pentru mine este vorba doar de a readuce ceva suflet sau ceva viață în muzică.

BANGALTER: Nu am spus chiar muzica de astăzi, mai degrabă muzica pe care am vrut să o ascultăm astăzi. Este o poziție foarte umilitoare și nu facem acest lucru în niciun fel de judecată bazată pe ceea ce am vrea să ascultăm, înțelegi?

Este o abordare foarte subiectivă, personală, instinctivă, ca muzicieni, de a spune: „Nu vrem să înlocuim ceea ce este în jur; vrem doar să lărgim posibilitățile”. Există o anumită măiestrie în înregistrarea muzicii în studiouri care dispare treptat și ne-am gândit că este poate un lucru trist ca această măiestrie să dispară.

Aceste tehnici care au fost dezvoltate de-a lungul – poate de la începutul înregistrărilor audio la sfârșitul secolului al XIX-lea, timp de 60, 70, 80 de ani, până la apogeul calității fișierelor audio, poate la mijlocul anilor ’70, începutul anilor ’80 – aceste tehnici nu ar trebui să dispară complet. A fost cu adevărat un omagiu adus unui anumit meșteșug pe care am simțit că dispare.

Am auzit ceva din asta într-un cântec precum „Lose Yourself to Dance”? Are acea calitate pe care ați căutat-o? Un fel de căldură și un fel de principiu de plăcere?

BANGALTER: „Lose Yourself to Dance” este probabil cea mai simplă piesă din punct de vedere al producției de pe disc, unde are cea mai mică cantitate de elemente. Dar, în același timp, simțim că are această calitate pe care o căutăm, pentru că nu conține niciun instrument electronic sau tobe electronice. Singurul element electronic este vocea robotului, care este un vocoder.

Dar toată fantezia pe care am avut-o și tot visul pe care l-am avut a fost dacă mai putem face, sau dacă mai putem face, astăzi, muzică dance fără o mașină de tobe?

Nu știam cu adevărat dacă este posibil. Doar ideea de a-l avea pe John JR Robinson, care este unul dintre cei mai buni toboșari, toboșari din lume – cel mai înregistrat toboșar, cred, din istoria muzicii pop – avându-l pe el cu groove-ul său solid și cu Nathan East, acest basist uimitor și apoi Nile la chitara lui făcând magie și Pharrell cântând și noi cu vocoders cântând cu el – este un layout foarte simplu, dar este extrem de uman.

Acesta este ceea ce am încercat să creăm – muzică dance aproape creată într-un mod acustic. Guy-Man a spus că totul este despre distracție; muzica este despre a te face să te simți bine. Este vorba, de asemenea, despre a avea un punct de vedere puternic și poate despre a face un fel de declarație, oricare ar fi sau va fi declarația.

Am simțit că, mergând pe această cale și lucrând cu muzicieni și făcând acest lucru acustic și luându-ne timp să înregistrăm totul de la zero – fără a folosi bănci de sunete, presetări, instrumente virtuale, folosind straturi de clape și luându-ne timp să înregistrăm clapele timp de patru minute, sau folosind un shaker și înregistrând shakerul timp de patru minute și fără să ne bazăm pe tehnologia utilizării acestor bănci de sunete – ni s-a părut că este o declarație pe care încercăm să o facem într-un mod foarte autentic, cu mult entuziasm și distrându-ne.

Computerele poate că ne ajută și ar putea face muzica în locul nostru, iar noi putem deveni doar acești suprascriitori, dar nu prea simțim că acolo este distracția. Distracția constă în a face muzica propriu-zisă și în a nu ne baza în totalitate sau în principal sau în mare măsură pe tehnologie. Nu are nimic – din nou – nimic critic, dar pentru noi a fost pur și simplu mai distractiv și mai provocator să o facem în acest fel, pentru că este de fapt mult mai dificil.

Voi vorbiți atât de mult despre un fel de readucere a umanității în această muzică și, în același timp, o mare parte din personalitatea voastră este ideea de robot. Voi sunteți mereu în public cu căștile pentru ca oamenii să nu știe cum arătați; folosirea vocod-urilor și a vocilor robotizate în cântece. Se pare că este opusul, de fapt, a ceea ce încercați să faceți aici.

BANGALTER: Este și nu este. Ficțiunea și povestea, este despre acești roboți. Am regizat un film experimental în urmă cu șapte ani, opt ani, care se numea Electroma și care urmărea povestea acestor doi roboți care se află în deșert și care încercau cumva cu disperare să devină oameni. Și poate că asta este, cumva, povestea acestui album, povestea acestor androizi sau a acestor roboți sau a acestor vocoder, voci robotizate care încearcă să simtă o emoție. Sau încearcă să aibă partea lor robotică care se îndreaptă spre umanitate într-o lume în care ființele umane se îndreaptă treptat spre tehnologie și spre această idee de roboți, știi?

Este poate ceva ce am simțit și noi, și anume că suntem doi roboți care încearcă să devină umani. Așa că se întâlnește la jumătatea drumului; are acest fel de calitate de cyborg și droid, dar se pare că este o poveste care are ceva emoție cu ea. Pentru că este vorba despre inteligența artificială într-un anumit sens, dar în același mod în care, dacă ai avea HAL, știi, în 2001 – o entitate inteligentă artificial care este foarte elegantă și care poate știe – este atât de inteligentă încât știe că nu este o ființă umană. Aici nu este vorba de partea de inteligență, ci mai degrabă de partea emoțională. Un robot care este trist pentru că nu poate simți, sau ceva de genul acesta. Așa că este aproape acest paradox.

Dar pentru noi a fost întotdeauna vorba despre interacțiunea dintre tehnologie și umanitate, iar noi nu am fi putut realiza proiectul nostru, cu siguranță, fără tehnologie. Așa cum a spus Guy-Man, suntem niște muzicieni săraci în ceea ce privește interpreții.

Am creat muzica inițial cu mașini de tobe și samplers și luând bucățele din bucăți mici de discuri și, dar și folosind sintetizatoare. Ceea ce suntem noi sunt producători și compozitori. Încercăm mereu să avem un simț pentru melodie și armonie și lucruri pe care simțim că suntem capabili să le gestionăm. Dar, la nivel de producție, ne-am bazat în totalitate, este adevărat, pe tehnologie. Asta nu înseamnă că nu putem, la un moment dat, să ne uităm la tehnologie și poate să nu decidem să o glorificăm.

Trăim și noi înșine suntem total dependenți și suntem total conectați la tehnologie, dar am fost interesați, din nou, să susținem o anumită măiestrie care exista poate înainte de tehnologie și care credem că nu ar trebui să dispară complet și are dreptul să coexiste cu tehnologia de astăzi.

Și această coexistență și această idee de a le amesteca pe amândouă este ceea ce ne face să fim entuziasmați de viitor, de a obține ce e mai bun din ambele lumi și de a combina superputerile procesoarelor de calculator cu idei și lucruri reale și lucruri reale.

.