Privind retrospectiv la cele mai influente melodii japoneze ale anilor 2010

Pe alocuri se părea că anii 2010 au fost doar o lungă privire melancolică în trecut, în special în ceea ce privește tendințele muzicale.

Serviciile de streaming le permit oamenilor să caute în câteva secunde în cataloagele vechi ale unui artist, în timp ce înregistrările de pe YouTube completează orice gol. Astfel, atunci când icoana muzicală David Bowie a murit în 2016, copiii fanilor săi au putut să recupereze o carieră de mai multe decenii într-un singur weekend de binge-heavy.

Muzicienii japonezi nu au fost imuni la această întoarcere nostalgică, trăgând influență în special din anii 1980 și 1990. La nivel global, muzica pop japoneză nu a câștigat prea multă atenție din străinătate. Cu toate acestea, fanii au descoperit și au sărbătorit tot ceea ce era vechi și obscur în muzica japoneză, transformând discurile minore din epoca bulelor în aur online modern.

După cum muzica japoneză are nevoie de timp pentru a primi o recunoaștere pe scară largă, să ne imaginăm că ajungem la sfârșitul anilor 2040. Anii 2010 sunt acum la fel de la modă și de influenți pentru tinerii din viitor cum au fost anii 1980 pentru noi. În Japonia anului 2040, ce bijuterii credeți că vor fi dezgropate și prețuite din nou?

Bun venit în 2049

Cum am ajuns la jumătatea secolului 21, o celebrare a vechiului și a obscurului a ieșit în evidență ca fiind una dintre cele mai interesante evoluții ale anilor 2040. Fiecare generație minează un trecut pe care nu l-a cunoscut niciodată, iar copiii din acest deceniu au pus ochii pe ultimii ani ai Epocii Heisei (1989-2019).

Japonia părea să nu aibă aproape nicio influență asupra scenei muzicale globale în anii 2010. Puțini oameni din afara țării documentau muzica de care ne bucuram atunci, deoarece părea total în afara tendințelor mai largi din întreaga lume. Noul entuziasm regăsit în jurul ei în anii 2040 se datora parțial emoției de a descoperi ceea ce era obscur, totuși unii dintre noi căutau doar un ritm bun dintr-o perioadă pe care nu o cunoșteam direct. În anii 2010, Japonia era definită de cultura kawaii și de rețelele de socializare și, după devastarea Marelui Cutremur din estul Japoniei, era, în cea mai mare parte, un loc destul de ușor de trăit – mai ales având în vedere tulburările care aveau loc în restul lumii.

Anii 2010 au cunoscut o fascinație similară față de muzica japoneză mai veche. Fanii muzicii nejaponeze au săpat în orice, de la pop strălucitor la discuri ambientale experimentale și interpretări japoneze ale muzicii hawaiiene. Deși nu a furat niciodată prima pagină a ziarelor, J-pop-ul din acest deceniu a avut un impact mult mai profund asupra ascultătorilor și creatorilor. Subsecțiuni întregi de muzică electronică au încercat să recreeze sunetul lui Yasutaka Nakata și al grupurilor pe care acesta le-a produs, precum Perfume, iar microgenuri întregi de pe internet au evoluat în jurul unor mostre decolorate din clasicii pop japonezi. Anii 2010 au fost o perioadă de glorie pentru muzica japoneză din anii 1980, iar anii 2040 au aruncat un reflector similar asupra muzicii japoneze din anii 2010.

În timp ce multe melodii s-au bucurat de o recunoaștere reînnoită, piesele care urmează au fost printre cele mai mari hituri nostalgice ale anilor 2040:

Izumi Makura: „balloon” (2012)

Făcătorii de gust și hypebeast-urile acum dispărute care au cutreierat peisajul anilor 2010 au căutat la nesfârșit un rap japonez cool pe care să-l prezinte lumii. Cam toate eforturile în acest sens s-au oprit la Kohh, un artist talentat, dar timid din punct de vedere mediatic, al cărui apogeu a fost participarea la o piesă a lui Frank Ocean disponibilă doar sub formă de revistă. Cea mai mare parte a hip-hop-ului japonez a urmărit să imite pur și simplu rapperi americani mult superiori din sud, cu rezultate din ce în ce mai slabe.

Femeile, pe de altă parte, au abordat genul din unghiuri diferite în anii 2010 și au realizat lucrările care încă se conectează cu tinerii de astăzi. Creatoare prietenoase cu pop-ul, precum Chelmico, au găsit loc în mainstream, în timp ce MC-uri mai feroce, precum Chanmina și Awich, au călătorit în spații mult timp dominate de bărbați. Apoi au existat „rapperi șoptitori în șoaptă” precum Daoko, Bonjour Suzuki și Izumi Makura, a căror voce mai blândă și concentrarea pe viața de zi cu zi în versurile lor au oferit cântece ca pe niște povești scurte care surprindeau suișurile și coborâșurile tinerilor din acel deceniu. Un cântec precum „balloon” se luptă cu subiecte atemporale precum plictiseala unui oraș mic și depresia, presărat cu mici detalii care îi adaugă profunzime. Piesa a ieșit în evidență atunci datorită modului în care a abordat rap-ul dintr-un unghi nou, dar este relizabilă ani mai târziu datorită atmosferei pe care o evocă.

Mondo Grosso: „Labyrinth” (2017)

„Labyrinth” părea nelalocul ei în anii 2010. Niciuna dintre tulpinile dominante ale muzicii pop din acest deceniu nu apare pe parcursul celor cinci minute ale sale. Producătorul Shinichi Osawa, mai bine cunoscut sub numele său de scenă, Mondo Grosso, a îmbinat zgomotele deep house cu pianul sclipitor și valurile de coarde pentru a crea o piesă atât cinematografică, cât și fizică. Peste aceasta, Hikari Mitsushima, actriță devenită cântăreață, cântă despre încercarea de a savura un moment care nu poate dura o veșnicie, dar va încerca oricum. Împreună cu un videoclip filmat în Hong Kong, care era pe punctul de a face presiuni pentru o eventuală independență, „Labyrinth” rămâne una dintre cele mai uluitoare lansări ale țării din acest deceniu și una care încă mai poate încânta noi urechi.

BiS: „STUPiG” (2014)

Grupurile de idoli pop au dominat topurile muzicale japoneze în anii 2010, cu proiecte deosebit de vesele precum AKB48 și grupurile surori ale acesteia care s-au descurcat foarte bine. Acești mastodonți optimiști au fost suficient de mari pentru a inspira o comunitate reacționară de „idoli alternativi” care, deși funcționa pe un model de afaceri similar, a produs o muzică mult mai interesantă, variind de la teatralitatea hiperactivă a Dempagumi.inc până la retrocedările conștiente de sine ale lui Negicco și Necronomidol, care se referă la ocultism.

Nimeni nu s-a dovedit mai important decât BiS, un grup care a împins în mod deliberat ideea de idol pop până la marginile sale exterioare. „STUPiG” a șocat atunci și continuă să o facă și acum. Este greu de imaginat orice piesă J-pop – ca să nu mai vorbim de una care s-a clasat efectiv în Top 10 la lansare – construită în jurul unor stomp-uri gabber și voci stridente. „STUPiG” este claustrofobică și haotică, dar poartă totuși un cârlig care dezvăluie o anumită căldură dedesubt. Ar fi total aberant oriunde și oricând, dar asta face parte din farmecul său, arătând cât de îndrăzneț poate deveni J-pop-ul dacă te aventurezi la margini.

Foodman: „Ez Minzoku” (2016)

Puține colțuri ale muzicii japoneze continuă să încânte precum comunitățile experimentale ale națiunii, iar timpul a fost deosebit de amabil cu acest tip de producție din anii 2010. Multe dintre cele mai celebre ciudățenii au oferit o reflectare de înaltă definiție a vieții saturate de cultura pop și social media, datorită colajelor de mostre nebunești ale lui DJWWWW, woopheadclrms și zecilor de lansări greu de localizat (și, astăzi, foarte apreciate) scoase de casa de discuri Wasabi Tapes. Alții au oferit mutații pline de culoare, de la valul de zahăr în tehnicolor al lui Toiret Status până la cântecele denpa mai intime ale lui emamouse. Cu toate acestea, niciun album nu topește creierele mai bine decât „Ez Minzoku”. Acesta a fost lansarea de răsunet a celui mai greu de găsit savant al perioadei, Foodman, care acum este clasat acolo sus alături de Keiji Haino și Phew. El a luat sunete aparent disparate și a ghicit bătăi ciudate din pumnii de chitară, sintetizatoare, voci țipătoare și orice altceva era la îndemână.

Soutaiseiriron: „Miss Parallel World” (2010)

Nicio trupă din Japonia nu s-a dovedit mai influentă de-a lungul anilor 2010 decât Soutaiseiriron. Breaking big la sfârșitul anilor 2000, grupul merită creditul pentru că a fost cu mult înaintea virajului nostalgic al deceniului, construindu-și melodiile în jurul melodiilor de chitară cu influențe din Era Showa, care vor fi preluate în curând de imitatori (Passepied), alt-rockeri buclucași (Frederic) și surprize virale (Gesu no Kiwame Otome.). O amprentă la fel de mare a fost lăsată de vocalista Etsuko Yakushimaru, cu o voce care cântă și versuri axate pe dicție. Încercarea de a găsi prea mult sens în cuvintele ei s-a dovedit a fi zadarnică – ea se juca cu jocuri de cuvinte și răstălmăciri de fraze, punând tot accentul pe modul în care sună totul, mai degrabă decât pe ceea ce înseamnă. Trupele rock până la rapperi șoptiști au urmat această formulă, iar toate drumurile duc înapoi la Soutaiseiriron atunci când încerci să sapi prin toate acestea.

Mariya Takeuchi: „Plastic Love” (1984/2018)

Încercați acest lucru cu prietenii voștri tocilari de muzică data viitoare când ieșiți împreună – întrebați-i când a apărut inițial piesa „Plastic Love” a Mariyei Takeuchi și pun pariu că cei mai mulți dintre ei vor spune „cândva în anii 2010”. Îi veți lăsa cu gura căscată atunci când le veți dezvălui că a apărut pentru prima dată în 1984. Cu toate acestea, această bucată de disco-pop melancolic sună la fel de potrivit pentru anii 2010 ca și pentru anii 1980, dacă nu chiar mai mult. Este cântecul definitiv al „renașterii pop-ului de oraș” din acea perioadă, o perioadă în care copiii din Vest au stocat sunete japoneze mai vechi ca și cum ar fi fost apă îmbuteliată înainte de un taifun, în timp ce trupele occidentale și coreene la modă au împrumutat din sunetul cu datorii funk până în anii 2020.

Cu toate acestea, „Plastic Love” a fost, de asemenea, un cântec făcut „celebru pe internet” de un algoritm de pe YouTube, cu o întorsătură suplimentară a unei versiuni de aproape opt minute care a devenit virală fiind o mutație a tăieturii originale de cinci minute. Totuși, nucleul emoțional al lui „Plastic Love” este cel care atrage cu adevărat atenția. Takeuchi nu a trăit niciodată pe viu răsfățurile erei bulelor în timp ce se întâmplau, iar aceasta a fost imaginația ei despre cum ar putea fi viața în bulă, cu toate suișurile și coborâșurile ei – care este modul în care nenumărați ascultători din întreaga lume au abordat cântecul în anii 2010 și în deceniile de după ce a devenit un standard pop global.

group_inou: „Therapy” (2010)

Întrebați-i pe bunicii voștri ce este un „gen”, copii, și veți fi uimiți să aflați că a existat o vreme în care oamenii erau fericiți să îngrădească ideile muzicale unele de altele. Duo-ul group_inou s-ar potrivi foarte bine în lumea liberă din 2049, dar a apărut în prima parte a anilor 2010, când amestecul de rap, spoken word, dance-pop și bucăți de comedie într-o singură melodie era încă un concept destul de străin. Respectiva melodie cuprinzând, de asemenea, pasaje despre terapia cu delfini nu a făcut decât să o facă și mai ciudată.

Salvând artiștii centrați pe internet, precum tofubeats și Mikeneko Homeless, care au funcționat în paralel cu grou_inou, abordarea dezordonată a sunetului pe care cei doi l-au perfecționat pe „Therapy” nu avea să devină clară în muzica japoneză până mai târziu în anii 2010, când trupe mai tinere precum Haru Nemuri, Mom și (mai ales) Wednesday Campanella au canalizat spiritul liber-fluent al celor doi în muzica lor.

Dean Fujioka: „History Maker” (2016)

Animele și jocurile video au fost, de asemenea, măturate de actualul avânt al retromaniei, deși, spre deosebire de majoritatea melodiilor japoneze din acea perioadă, lansările care primesc dragoste în anii 2040 au fost destul de mari la nivel global în anii 2010. Coloanele sonore ale acestor creații au devenit, de asemenea, căutate. Zeci de etichete de reeditare de tip boutique au apărut în ultimii cinci ani pentru a aduce fanilor ediții speciale de muzică de joc greu de găsit, ajutând la ridicarea melodiilor veselă găsite în „Persona 5” și a fundalurilor melancolice din „Nier: Automata” la același statut ca și coloanele sonore ale Studio Ghibli.

La fel și anime-urile din anii 2010, trecând de la o obsesie de nișă la ceva demn de laudă și studiu aproape 30 de ani mai târziu. Seria din 2017 „Yuri!!! On Ice” se bucură acum de laudele criticilor, datorită uneia dintre cele mai bune povești apărute în lumea animației japoneze în această perioadă și pentru că este un exemplu timpuriu de media japoneză care evidențiază dragostea între persoane de același sex într-un mod nestereotipic. Firește, tema fanfaronă a lui Dean Fujioka a ajuns și ea la noi fani, și nu doar pentru că îi face să se gândească la respectiva dramă de patinaj artistic. Primește un plus de picioare prin îmbinarea sunetului EDM, în trend în 2010, cu flerul orchestral, dar amintește cât de interconectată era cu adevărat atât de multă mass-media japoneză din acea vreme.

Famm’in: „circle” (2016)

Frumusețea de a privi înapoi este aceea de a putea sărbători cum se cuvine ideile cu adevărat originale care au fost ignorate la vremea lor. A numi proiectul Famm’in din 2016 un supergrup ar însemna să-i acordăm prea mult credit. Era format dintr-un act J-pop care și-a petrecut deceniul încercând să profite de efervescența din jurul K-pop-ului (Faky), un duo care a cunoscut o oarecare faimă virală datorită unui cântec care celebra cât de mult iubesc banii membrii săi (Femm) și un cântăreț-compozitor de nivel mediu (Yup’in).

Într-un fel, proiectul cu tiraj limitat a avut ca rezultat „circle”, un cântec care stăruie asupra naturii circulare a existenței, așezat pe elemente de muzică tradițională de curte japoneză și percuție modernă de atunci. Nu a avut nicio șansă atunci când a fost lansat, dar 30 de ani mai târziu, originalitatea sa poate fi apreciată așa cum se cuvine.

mus.hiba: „Slow Snow” (2014)

Plenty of game-changing technology ended up to be a dud during the tech-rush of the 2010s. Ochelarii inteligenți servesc mai ales ca recuzită în filme pentru a arăta cât de neînțelegători erau oamenii la acea vreme, în timp ce SoftBank a folosit toate acele birouri abandonate de la WeWork pentru a ascunde tot ce a mai rămas din roboții Pepper pe care i-a putut salva. Adăugați cântăreții virtuali la această listă.

În timp ce Hatsune Miku și prietenii au provocat o lume mai bună prin intermediul software-ului Vocaloid – și au apărut pe unele jams legitime, adecvate deceniului – tehnologia a suferit o mutație în anii 2020, transformându-se într-o modalitate pentru ca oamenii să încaseze bani de pe urma celebrităților moarte și pentru ca vedetele pop virtuale, cum ar fi Kizuna AI, să se comporte exact ca predecesorii lor în carne și oase. Mulți, așadar, au ales să-și imagineze lumea care ar fi putut fi.

Piesa „Slow Snow” a artistului electronic din Tokio mus.hiba folosește vocea digi a personajului Yufu Sekka ca pe un alt strat într-un vis febril sonic, nefiind preocupat prea mult de transformarea unui program de calculator într-o persoană, ci mai degrabă văzând ce este posibil din punct de vedere artistic cu acest nou instrument. O mulțime de producători self-made fantastici au făcut lucruri similare și, chiar dacă acel vis s-a transformat în noutate, muzica lor încă mai poate răzbate.

HNC: „I Dream I Dead” (2010)

„Spookiness” în cultura japoneză a anilor 2010 a fost strâns legată de reputația „kawaii” a țării, cel mai bine reprezentată de spectacole precum „Shibuya Halloween” (cel puțin până când a fost interzis în 2024, după marele incendiu din octombrie care a distrus Megaplexul Don Quixote). Săpând sub exteriorul colorat, însă, a dezvăluit multă groază. Trupe indie precum Jesse Ruins, Sapphire Slows și Hotel Mexico (la un moment dat, toate împreună) au oferit o imagine a extazului învăluit în umbre, în timp ce lucrarea definitorie a pionierului japonez al dubstep-ului Goth-Trad s-a inspirat din realitățile stranii ale vieții din Japonia după cutremurul și tsunami-ul din 11 martie 2011, iar Eadonmm din Osaka a profitat de aceeași stare de spirit tulburătoare pentru debutul său, „Aqonis”. Chiar și o mare trupă de J-pop precum AKB48 a găsit timp pentru a deveni un fel de heavy în „Uza” din 2012.”

„I Dream I Dead” tulbură mai mult decât oricare dintre ele, totuși. Vine de la un artist care ar fi putut cu ușurință să ajute la definirea imaginii mai blânde care va urma. HNC obișnuia să se numească Hazel Nuts Chocolate și făcea pop drăgălaș de cameră de joacă sărbătorind subiecte precum înghețata și pisicile. Ea și-a îndreptat atenția către îngrijorarea atemporală a morții și neliniștea care o înconjoară, creând unul dintre cele mai înfricoșătoare fundaluri muzicale din clopote și note de tobe bâlbâite. „I Dream I Dead” ne amintește că oamenii din Japonia nu erau cu toții plini de gânduri pufoase și adaugă un contrabalans frumos la imaginea pentru care este amintită țara la acea vreme.

Kyary Pamyu Pamyu: „PonPonPon” (2011)

Niciun artist nu a definit imaginea Japoniei în ochii lumii în anii 2010 ca Kyary Pamyu Pamyu.

Dacă dați drumul la un film din acea perioadă în care este menționată Japonia, sunt șanse destul de mari să auziți una dintre melodiile ei pe fundal atunci când regizorul încearcă să transmită ideea de țară ascultătorilor. Piesele ei au apărut în livestream-uri de jocuri video și în meme-uri în egală măsură, în timp ce simțul ei vestimentar dezordonat a stabilit ritmul pentru modul în care oamenii își imaginau că se îmbracă zilnic copiii din Harajuku. Japonia din acea perioadă era văzută ca un tărâm al minunilor în tehnicolor cu o margine ușor ciudată, iar Kyary Pamyu Pamyu a pus această imagine în față, nu mai clar decât în single-ul ei de debut, „PonPonPon.”

A existat mai mult decât pop-ul de cameră de joacă al piesei – un clip kawaii-gone-sinister pe care mulți au ajuns să îl iubească după ce a devenit viral la începutul deceniului. A apărut la câteva luni după Marele Cutremur din Japonia de Est din 2011, o traumă națională care a definit deceniul. Oamenii își doreau să evadeze, iar „PonPonPon” a oferit exact acest lucru, cu un ricoșeu implacabil și versuri care celebrau faptul că oamenii sunt ei înșiși. La fel de important, ideea sa hiper-colorată domină și astăzi estetica japoneză.

Muzica a venit prin amabilitatea producătorului Yasutaka Nakata, al cărui electro-pop centrat pe bas se infiltra deja în lumea atunci în plină expansiune a muzicii electronice de dans, dar aici a găsit o nouă paletă sonoră cu care să se joace. Countless artists all over the world tried to imitate it, but none have had the lasting impact of this slice of pure pop perfection.