Von den Komponisten, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts die Speerspitze der musikalischen Moderne bildeten, hat sich Igor Strawinsky (1882-1971) als derjenige erwiesen, dessen Einfluss am nachhaltigsten und weitreichendsten ist. Während Strawinskys eigene Musik im Laufe seiner 70-jährigen Karriere zweimal eine radikale Richtungsänderung erfuhr – und zwar so radikal, dass die Werke jeder Phase leicht von anderen Komponisten hätten geschrieben werden können -, hätte die Musik des 20. Jahrhunderts ohne ihn einen ganz anderen Verlauf nehmen können.
Die Musik, die Sie vielleicht wiedererkennen
Für viele ist die erste Begegnung mit Strawinskys Musik in Walt Disneys berühmtem Zeichentrickfilm Fantasia von 1940, in dem sein berühmtestes Werk, The Rite of Spring, die längste Sequenz des Films untermalt, in der die Erschaffung der Erde und der Dinosaurier dargestellt wird. Berichten zufolge hasste Strawinsky die Art und Weise, in der Disney seine Musik verwendet hatte. In jüngerer Zeit haben Musiker von Charlie Parker und Ornette Coleman bis hin zu Joni Mitchell und den Pet Shop Boys vor allem auf den Ritus Bezug genommen, während unzählige Filmmusiken – von Bernard Hermanns für Psycho über Jerry Goldsmiths für Planet der Affen bis hin zu John Williams‘ für Der weiße Hai und Star Wars – ihm hörbar zu verdanken sind.
Sein Leben …
Strawinsky wuchs in St. Petersburg, Russland, auf, wo sein Vater ein führender Bass an der Kaiserlichen Oper war. Seine Eltern rieten ihm von einer musikalischen Karriere ab und bestanden stattdessen darauf, dass er an der Universität von St. Petersburg Jura studierte. Dort freundete er sich mit Wladimir, dem jüngsten Sohn des Komponisten Nikolai Rimski-Korsakow, an und konnte durch ihn Unterricht bei seinem Vater erhalten, der bis zum Tod des älteren Komponisten im Jahr 1908 andauerte.
Neben einem Chant Funèbre, einem Gedenkstück für seinen Lehrer, das erst vor kurzem wiederentdeckt wurde, schrieb Strawinsky in dieser Zeit auch eine Symphonie in Es-Dur. Aber es waren zwei brillant gefärbte Orchesterstücke, das Scherzo Fantastique und das Feuerwerk, die die Aufmerksamkeit des Impresarios Serge Diaghilev erregten, der einen Russen suchte, der ein Ballett über die Legende des Feuervogels für seine Ballets Russes in Paris komponieren sollte. Der Feuervogel wurde 1910 uraufgeführt und war sofort ein Erfolg.
Zu diesem Zeitpunkt hatte Strawinsky eine Frau und zwei Kinder, und die Familie teilte ihre Zeit zwischen Frankreich und der Schweiz auf, wo seine zweite Ballettmusik für Diaghilew, Petruschka, entstand. Es wurde 1911 uraufgeführt und kam nicht ganz so gut an wie der Feuervogel, aber sein drittes Werk für die Ballets Russes war Das Frühlingsopfer, und seine Uraufführung in Paris im Mai 1913 war eine der sensationellsten in der Musikgeschichte, wenn auch nicht ganz der Aufruhr, der manchmal behauptet wird. Der Primitivismus des Szenarios, in dem ein junges Mädchen als Opfer auserkoren wird und sich zu Tode tanzt, wurde durch die beispiellose Gewalt von Strawinskys Partitur mit ihrem hohen Maß an Dissonanzen, unregelmäßigen Metren und wildem rhythmischem Schwung noch übertroffen. Der märchenhafte Zauber des Feuervogels und die Welt des zaristischen Russlands waren weit hinter sich gelassen.
Und die Zeiten …
Die drei großen weltverändernden Ereignisse zu Strawinskys Lebzeiten, die beiden Weltkriege und die russische Revolution, wirkten sich alle unmittelbar auf seine Karriere aus und bestimmten, wo er sich niederließ und wie sich seine Musik entwickelte. Nach der Uraufführung von The Rite kehrte er kurz nach Russland zurück, wo er seine erste Oper, The Nightingale, begann, aber nach einem weiteren kurzen Besuch im Jahr 1914 kehrte er 48 Jahre lang nicht mehr dorthin zurück. Die Jahre des Ersten Weltkriegs verbrachte die Familie Strawinsky in der Schweiz, wo aufgrund der eingeschränkten Aufführungsmöglichkeiten groß angelegte Orchesterwerke nicht in Frage kamen. Strawinsky wandte sich dem kleinen Musikdrama zu und schuf mit Renard und The Soldier’s Tale Stücke, die heute als Vorläufer des Musiktheaters des späten 20. Jahrhunderts gelten.
Nach dem Krieg erwiesen sich die Bläsersinfonien, ein Denkmal für Debussy, mit ihrem mosaikartigen Aufbau als eine seiner bemerkenswertesten Errungenschaften, während eine andere, äußerst originelle Partitur, Das Ballett Les Noces (Die Hochzeit) für Solisten, Chor, vier Klaviere und Schlagzeug war zusammen mit der einaktigen komischen Oper Mavra praktisch ein Abschied von der Welt der russischen Volkskultur, die Strawinskys Musik fast zwei Jahrzehnte lang geprägt hatte.
Mavra war auch eines der ersten Werke, in denen der bemerkenswerte stilistische Wandel deutlich wurde, der seine Musik in den 1920er Jahren erfasste. Wieder einmal war Diaghilew der Katalysator, der Strawinsky vorschlug, ein Ballett zu einem Szenario der Commedia dell’arte aus dem 18. Jahrhundert zu komponieren und dabei die Musik von Giovanni Pergolesi als Ausgangspunkt zu nehmen. Das Ergebnis war Pulcinella, in dem Strawinsky barocke Formen und Themen aufgriff; es war, wie er später sagte, „meine Entdeckung der Vergangenheit, die Epiphanie, durch die mein gesamtes Spätwerk möglich wurde.“
Zwischen den Kriegen lebte Strawinsky in Frankreich. Er komponierte nicht nur, sondern baute auch eine Karriere als Dirigent seiner Musik auf, und die Werke, die er produzierte, zeigten weiterhin die formale Klarheit und Zurückhaltung des neoklassischen Stils, den er mit Pulcinella entdeckt hatte. Es entstanden weitere Ballette – Apollo, Der Kuss der Fee (nach Musik von Tschaikowsky) und Jeu de Cartes -, Klavier- und Violinkonzerte sowie eines seiner populärsten Werke aus der mittleren Schaffensperiode, die Chorsinfonie der Psalmen (1930). Mit seinem wachsenden internationalen Ruhm kam es auch zur Zusammenarbeit mit einigen der berühmtesten Schriftsteller und Künstler seiner Zeit. Dazu gehörten Pablo Picasso, der Dramatiker und Filmemacher Jean Cocteau (für das Opernoratorium Oedipus Rex von 1927) und der Schriftsteller André Gide.
Strawinsky zog 1939 in die Vereinigten Staaten. Seine erste Frau Katya war im selben Jahr gestorben, so dass er die Tänzerin und Künstlerin Vera de Bosset heiraten konnte, mit der er seit 1921 liiert war. Das Paar ließ sich in Los Angeles nieder, wo sie Teil einer im Ausland lebenden Künstlergemeinschaft wurden, zu der Musiker und Schriftsteller wie Otto Klemperer und Arthur Rubinstein, Thomas Mann und Aldous Huxley gehörten, während andere – WH Auden und Dylan Thomas – ihn dort regelmäßig besuchten.
Die Hauptwerke der ersten Jahre in den USA waren zwei Symphonien, die Symphonie in C und die Symphonie in drei Sätzen. 1945 erhielten er und Vera die US-Staatsbürgerschaft, und Strawinsky machte sich daran, die Urheberrechte an seinem Werk wiederherzustellen, indem er einige seiner wichtigsten Partituren neu orchestrierte und einen lukrativen neuen Verlagsvertrag abschloss. Der Besuch einer Ausstellung mit Grafiken von William Hogarth war der Ausgangspunkt für das Hauptwerk seiner neoklassischen Periode, die 1951 in Venedig uraufgeführte Oper The Rake’s Progress. Auden und Chester Kallman schrieben auf der Grundlage von Hogarths Stichen ein Libretto, das die Geschichte eines jungen Mannes schildert, der zu Ausschweifung und Ruin verführt wird, während Strawinsky seine Partitur an die klassische „Nummernoper“ anlehnte, die aus einer Kette von Arien aus einzelnen Stücken besteht, die von Passagen mit Rezitativen unterbrochen werden.
Nach Der Wüstling änderte Strawinskys Musik erneut ihre Richtung. Seine Musik vertrat eine andere Richtung der Moderne als die von Arnold Schönberg und der Zweiten Wiener Schule, und obwohl beide Komponisten in Beverly Hills lebten, gingen sie sich aus dem Weg. Doch nach Schönbergs Tod im Jahr 1951 begann Strawinsky, die Möglichkeiten der von Schönberg erfundenen seriellen 12-Ton-Technik zu erkunden. Zu diesem Zeitpunkt hatte Strawinsky auch einen musikalischen Assistenten gewonnen, den Dirigenten Robert Craft, der dem Komponisten bis zu seinem Tod 1971 zur Seite stand und mit dem er an einer Reihe von Gesprächsbüchern zusammenarbeitete.
Abgesehen vielleicht vom Ballett Agon von 1957 hat keines der sparsamen, kantigen Stücke aus Strawinskys letzten beiden Jahrzehnten die Popularität seiner früheren Musik erreicht, aber dennoch bleiben Werke wie Canticum Sacrum, The Flood und Threni faszinierende Beispiele dafür, wie er sich eine neue kompositorische Stimme aneignen konnte.
Warum ist Strawinsky immer noch wichtig?
Es fällt schwer, sich einen bedeutenden Komponisten der letzten 100 Jahre vorzustellen, der nicht von Strawinsky beeinflusst wurde. Seine neoklassizistische Ästhetik wurde von mehreren Komponistengenerationen auf beiden Seiten des Atlantiks aufgegriffen, während die Avantgarde der 1950er Jahre um Pierre Boulez und Karlheinz Stockhausen ihn für die Art und Weise, wie er Rhythmus und Metrum emanzipiert hat, begrüßte. Auch die pulsierenden Texturen, die die Grundlage des Minimalismus bilden, wären ohne ihn undenkbar gewesen. Dass britische Komponisten der jüngeren Zeit, die sich so wenig ähneln wie John Tavener und Harrison Birtwistle, beide erklärten, sie stünden in Strawinskys Schuld, zeigt, wie weitreichend sein Einfluss war.
Große Interpreten
In den 1950er und 60er Jahren dirigierte der Komponist fast alle seine Orchesterwerke selbst für Columbia, Aufnahmen, die mehrfach in preiswerten Boxen neu verpackt wurden. But many conductors have put their own imprint on this repertoire, from Ernest Ansermet, who conducted a number of Stravinsky premieres including Les Noces and Pulcinella and recorded extensively for Decca, through Boulez, whose recordings for CBS/Sony and Deutsche Grammophon include all the early masterpieces, to Riccardo Chailly, whose Decca recordings include perhaps the finest of all versions of The Rake’s Progress. And Robert Craft also made a series of recordings for Naxos of the music of the composer he assisted for so long.
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