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In einem aufschlussreichen Q&A nach langem Schweigen, Kimberly Perry sagt, dass es sich gelohnt hat, ihre Karriere in Nashville zu stoppen, um ihre Integrität zu bewahren.
Die Band Perry ist nicht mehr jung gestorben, sondern hat sich wieder jung gefühlt. Für das Geschwistertrio geht es nicht so sehr darum, „Pop“ zu machen, sondern unabhängig zu werden – etwas, das sie für nötig hielten, nachdem sie sich aus ihrem Country-Vertrag herausgekauft hatten, aber auch, nachdem sich eine kurze Zeit der Zusammenarbeit mit Pop-Labels und namhaften Produzenten wie eine kreative Sackgasse anfühlte. Die am Freitag veröffentlichte Fünf-Song-EP „Coordinates“, ihr erstes Gesamtwerk seit fünfeinhalb Jahren, zeigt sie an einer ganz anderen Stelle auf der Landkarte – sie ist sowohl elektronisch fokussiert als auch intim, und sie ist gefühlt hundert Meilen entfernt von dem Cash-Grab-Crossover, von dem viele Skeptiker überzeugt waren, dass es ihr Endspiel sei.
Aber was wird das Publikum, das vor kurzem noch Arenen füllte, von dem Wechsel halten? In den ersten Stunden, in denen „Coordinates“ am Freitag zum Streaming zur Verfügung stand, war die Reaktion faszinierenderweise fast genau in der Mitte gespalten. Beispiele für Tweets: „Ein guter Song ist ein guter Song – weniger Aufhebens um die Klassifizierung, dreh einfach die Lautstärke auf!“ „Jeder kennt die Band Perry, richtig? Y’all, they snapped.“ „Die neue elektronische EP von The Band Perry ist sehr verwirrend für mich, aber ich glaube, ich mag sie?“ „Wie kann man von ‚If I Die Young‘ zu dieser furchtbaren EP wechseln? Sie scheinen ihre eigene Identität nicht mehr zu kennen.“ „Können wir über den kompletten Genre-Wechsel der Band Perry sprechen, den sie ROCKEN?“ „Dass die Band Perry jetzt voll auf Elektronik setzt, ist das Seltsamste und zugleich Beste, was in diesem Jahr passiert ist.“ Und, in Anspielung auf den Refrain ihres größten Hits: „The Band Perry haben ihre Country-Karriere in Satin mit einem Bett aus Rosen begraben und dann im Morgengrauen im Fluss versenkt.“
Variety sprach mit Kimberly, Reid und Neil über ihren Glauben, dass ein Kern von Fans für die Fahrt mitkommen wird. Sie erklärten auch, wie sie sich wieder mit dem ausführenden Produzenten Rick Rubin zusammengetan haben, sechs Jahre nachdem ihr ehemaliges Label Big Machine ein mögliches zweites Album, das er für sie produziert hatte, abgelehnt hatte.
In den letzten paar Jahren war es eines der großen Rätsel unserer Zeit, herauszufinden, was mit der Band Perry los ist…
KIMBERLY: Ja. Es ist wie bei The Band Perry und Bigfoot – existieren sie?
Vor einiger Zeit habt ihr angekündigt, dass ihr in Richtung Pop gehen wollt, aber diese EP fühlt sich an, als ob sie sich sogar von dem, was ihr mit den Pop-Singles gemacht habt, zu etwas anderem bewegt.
KIMBERLY: Wir lieben die Idee der Genre-Fluidität. Wenn ich eine Sache zurücknehmen könnte, dann war es während des Übergangs, als „Stay in the Dark“ herauskam, als ich sagte: „Das ist unser erster Pop-Song und unser erstes Pop-Album, mit ‚Bad Imagination‘.“ In diesem Moment hatte ich das Bedürfnis, Dinge zu definieren, weil ich immer in einem Country-Musik-Konstrukt gelebt hatte. Und ich glaube, ich hatte das Bedürfnis, das zu sehr zu definieren und die Flagge in den Sand zu stecken. Aber im Nachhinein habe ich festgestellt, dass es wirklich schwer ist, Klänge und Musik zu quantifizieren, vor allem, wenn man viele verschiedene Einflüsse und Erfahrungen einfließen lässt. Es geht wirklich nur darum, Musik zu machen, die man liebt. Um ehrlich zu sein, würde ich sagen, dass es in diesen Songs sowohl Country- als auch Pop-Elemente gibt… aber auch Kanye-Elemente und „Yeezus“-Elemente. Da sind Maschinensounds drin. Es fühlt sich wirklich so an, als ob es transzendiert. … An diesem gelehrteren Ort würde ich sagen, dass Musik für jeden ist. Es gibt so viel, was uns als Menschen jeden Tag trennt, und Musik sollte diese fließende Sache sein, die uns alle zusammenbringt.
Es gab eine Zeit, in der ihr bei Interscope im Pop-Bereich unterschrieben habt, und die Nashville-Abteilung von Universal glaubte, dass sie die Band Perry noch im Country-Bereich einsetzen könnten. Jetzt seid ihr aus diesem Vertrag raus und unabhängig, und ihr habt auch ein anderes Management – Philymack anstelle von Red Light. Was war mit diesen Übergängen verbunden?
REID: Labels bewegen sich zu langsam. Eine Sache, die wir erkannt haben, ist, dass es für uns darum geht, die Leute wissen zu lassen, wo wir gerade stehen. Und so wie das alles aufgebaut ist, brauchen die Plattenfirmen einfach zu lange, um Musik zu veröffentlichen.
KIMBERLY: Wir brauchten definitiv Leute, die uns glauben, wenn wir sagen: „Hey, hier geht es um die Zukunft. Es geht nicht nur um die Vergangenheit.“ Man kann stolz auf seine Vergangenheit sein, aber auch davon besessen sein, wohin man sich entwickelt. Und nicht jeder hat uns zugestimmt, wenn ich ehrlich bin, oder sich auf die gleiche Art und Weise eingekauft, weil ich glaube, dass die Versuchung groß war, mit der Band zu arbeiten, aufgrund dessen, was wir bereits getan hatten.
Ein Label ist im Allgemeinen zurückhaltend, wenn es darum geht, etwas zu tun, was als Entfremdung des Publikums ausgelegt werden kann, das mit dem Act zum Tanz gekommen ist, und vielleicht nur eine Beziehung zu ihnen hat, die in Zeit und Raum und Genre festgelegt ist, aber es gibt auch Fans, die in einen Künstler investiert haben und offen dafür sind, mitzumachen…
KIMBERLY: Auf jeden Fall. Und ich war ein Fan von anderen Künstlern aus beiden Kategorien, also verstehe ich dieses Gefühl. Eine Sache, auf die wir uns alle einigen können, ist, dass die Band Perry nie ein durchschnittlicher, vorhersehbarer Country-Künstler war. Fans, die in unsere Musik eingetaucht sind und sie geliebt und verfolgt haben, wissen das. Ehrlich gesagt, ist es diese Perspektive, die uns zu etwas Besonderem im Country macht. … Und so wissen die Fans – entweder Fans von uns oder Fans unserer Songs im Radio oder einfach Fans des Genres – ich denke, sie wissen ganz genau, was wir bringen. Und ich hoffe, dass, selbst wenn einige von ihnen den Sound dieser neuen Ära nicht lieben, sie zumindest die Perspektive zu schätzen wissen, die wir beibehalten haben, was das ist, was wir am meisten an diesem Genre geliebt haben – seine Ehrlichkeit und Transparenz. Und wir haben wirklich hart gearbeitet und gekämpft, um nicht nur das zu erhalten, was wir mitgebracht haben, sondern auch, um das mitzunehmen, wenn wir uns weiterentwickeln. Und das war es wert, die Kufen anzuziehen. Denn wir wollten nicht rückgängig machen, was wir in dieses Genre eingebracht hatten.
Kannst du ein Beispiel für einen Moment nennen, in dem sich das für dich herauskristallisiert hat?
KIMBERLY: Ein großer Wendepunkt für uns war ein Song von „Pioneer“ namens „Chainsaw“. Ich habe großen Respekt vor den Schreibern dieses Songs, aber das war kein Song, der von der Stimme von The Band Perry kommen musste. Das war einer dieser Kompromisse, die wir eingegangen sind. Es gab diese Hinterzimmer-Diskussion, bei der einige Leute in unserem Team sagten: „Hey, Bro-Country ist groß; wir brauchen euch, um mit Bro-Country zu konkurrieren.“ Und ich weiß noch, wie wir drei sagten: „Wow. Aber die Band Perry, das ist nicht das, was wir tun, selbst innerhalb des Konstrukts dieses wunderbaren Genres. Was wir mitbringen, ist ein Gefühl – es ist wie bei ‚If I Die Young‘ und bei ‚Better Dig Two‘ haben wir einen Hauch von Dunkelheit. Wir bringen etwas sehr Spezielles mit – warum sollten wir unsere Stimme abschwächen, selbst bei Country, um mit etwas zu konkurrieren, was wir nicht machen?“ Und am Ende sind wir diesen Kompromiss eingegangen, weil uns sozusagen eine Nicht-Entscheidung vorgegeben wurde, wenn man so will. Das war also der Moment, in dem wir sagten: „Na gut. Wir müssen unsere Stimme behalten, denn alles, was wir aufgebaut haben, wird jetzt wieder abgebaut.“
Vor dieser EP hattet ihr drei Crossover-Singles, eine mit Big Machine und zwei mit Interscope, die, ehrlich gesagt, nicht annähernd so interessant klingen wie die Musik, die ihr jetzt macht. Es klang so, als würdet ihr die große Hit-Single anstreben, nur in einem anderen Format.
KIMBERLY: Die „Live Forevers“ dieser Welt, sogar „Stay in the Dark“, obwohl wir diese Songs mochten, gab es eine Menge anderer Einflüsse um sie herum, ob es nun Produzenten, Co-Songwriter oder, ehrlich gesagt, Labels waren. Jeder hatte sozusagen eine Stimme, wie sie klingen sollten und wo sie in der Welt leben sollten. Und das war die andere Sache, die uns dazu brachte, zu sagen: „Wir müssen sicherstellen, dass das, was wir herausbringen, Kimberly, Reid und Neil ist.“
Wir hatten letzten Herbst einige sehr coole Gespräche mit Produzenten, die wir respektierten. Einer von ihnen war No ID. Wir waren in seinem Studio in L.A. und er hatte diese Räume mit Stapeln von Gitarrenverstärkern und all diesen Keyboards, von denen wir einige seit unseren frühesten Tagen als Band hatten. Wir sprachen mit ihm viel über die Ausrüstung und warum er die Dinge auf diese Art und Weise macht, was sehr interessant ist. Am nächsten Abend gingen wir zu Mike Dean, vor dem wir großen Respekt haben. In seinem Studio stand eine ganze Wand voller modularer Synthesizer, und es gab eine Milliarde Kabel, und es fühlte sich an, als wären wir in dieser seltsamen Raumschiff-Sound-Maschine. Diese Jungs waren so freundlich, uns reinzulassen und uns zu unterrichten, zuzuhören und Fragen zu stellen.
Zwischen eurem ersten und zweiten Album habt ihr ein unveröffentlichtes Album mit Rick Rubin für Big Machine gemacht, und er hat eure neue Musik produziert. Wie habt ihr euch wiedergetroffen?
KIMBERLY: Um einen Überblick über die Menge der Songs zu bekommen, setzen Reid und Neil und ich uns ins Auto und fahren einfach los. An einem Samstag im letzten Herbst waren wir zufällig auf dem Pacific Coast Highway unterwegs und fragten uns: „Lieben wir die? Sind das unsere? Wie können sie besser sein?“ Und Shangri-La – Ricks Studio, das ursprünglich der Band gehörte und ein sehr spiritueller Ort ist – liegt dort direkt an der Autobahn. Diese Glühbirne ging auf. Ich dachte: „Wir müssen mit Rick reden.“ Denn er war immer ein Kompass für uns. Er lebt sein Leben als Minimalist, und er produziert und kuratiert auch Musik mit Künstlern, die diesen Sinn für Minimalismus haben und die größte Wirkung erzielen. Also haben wir ihn angerufen und waren in der nächsten Woche wieder im Shangri-La und haben ihm etwa 10 Songs vorgespielt. Wir sagten: „Hey, Rick, du weißt, wer wir sind. Hör dir diese Songs an und hilf uns herauszufinden, worauf wir uns konzentrieren müssen. Denn verschiedene Seiten von ihnen repräsentieren, wer wir sind.“ Und so zeigte er auf einen der 20 Songs und sagte: „Ich glaube, ihr könnt diesen Song schlagen, aber das ist der Sound.“ Und er sagte: „Ihr müsst alle aus eurem Ethos herausholen, außer euch dreien, und ihr müsst euch auf diesen Sound konzentrieren, über den ihr gestolpert seid, und ihr müsst ihn einfach aus dem Boden stampfen und mit ihm als Leitfaden ein ganzes Werk schreiben.“ Es war so wunderbar, zu Rick zurückzukommen, denn alles, worum wir uns kümmern, ist, wahrhaftig zu sein und so wahrgenommen zu werden, wie wir tatsächlich sind, genau. Und er war ein wirklich guter Herausforderer dafür.
Was passierte 2012?
KIMBERLY: Es war Zeit, ein zweites Projekt zu machen. Und um ehrlich zu sein, man hat Angst. Man hört all diese Geschichten über den zweiten Durchhänger. Wir riefen Rick an und er lud uns ins Shangri-La ein, wo wir ihm alles vorspielten, woran wir für das zweite Projekt arbeiteten. Er sagte: „Erstens, ich würde dieses Projekt gerne mit euch machen. Zweitens, ihr braucht keine Angst zu haben. Denken Sie nicht an das Radio. Denkt nicht an das, was ihr schon gemacht habt. Es liegt in eurer Verantwortung als Künstler, ihr selbst zu sein.“
So verbrachten wir zwei oder drei Monate in Shangri-La, und wir fuhren nach Hause nach Nashville und meldeten uns bei allen. Wir sagten: „Hey Leute. Das ist das, was wir machen. Ist jeder damit einverstanden? Hört ihr die Singles?“ Wir stellten also fünf Songs mit Rick fertig und brachten sie zu einem Treffen mit unserem damaligen Label mit, und alle waren einfach verliebt – ich meine, obsessiv verliebt. Es gab eine Party im Bus, weil uns gesagt wurde, dass wir unsere erste und zweite Single in diesem Stapel hatten, und sie haben uns wirklich ermutigt, zurückzugehen und fertig zu machen. Sie sagten: „Geht und habt Spaß mit der zweiten Hälfte. Genießt es! Wir haben, was wir brauchen.“ Wir waren ekstatisch. Und dann, einen Monat später, kamen wir zurück nach Nashville zu einer 23-Uhr-Hörsession im Konferenzraum des Labels. Uns fiel auf, dass immer, wenn ein Song zu Ende war, niemand etwas sagte. Es war eine sehr unangenehme Stille. Wir hörten uns 10 Titel an, und die Sitzung wurde sehr abrupt beendet. Sie fragten uns, „was zum Teufel“ sie da hörten. Ich antwortete: „Das ist das Rick Rubin-Projekt, das ihr vor einem Monat so geliebt habt!“ Und ich muss sagen, wenn ich in unserer Geschichte auf den Moment zurückblicken kann, in dem sich alles änderte, dann war es diese Nacht und dieser Moment.
REID: Die Dinge, die wir von Rick gelernt hatten, waren wie Öl und Wasser, als wir es nach Hause brachten.
KIMBERLY: Also wurde es sofort auf Eis gelegt, und dann gingen wir einfach in den Überlebensmodus. Es war an der Zeit, das Album einzureichen und sie sagten: „Wir brauchen sofort eine Single.“ Also brachten wir die Songs, die wir in Shangri-LA geschrieben hatten, mit und fanden einen anderen Produzenten dafür.
REID: Wir haben diese Rick Rubin-Songs tatsächlich bei uns. Als wir uns von dem Label losgekauft haben, haben wir in den Vertrag geschrieben, dass wir sie mitnehmen dürfen. Im Moment wollen wir vor allem Musik veröffentlichen, die sehr präsent ist, wo wir gerade sind. Aber wir haben sie und würden sie gerne irgendwann veröffentlichen.
War diese EP so stark DIY, wie es behauptet wurde?
REID: Wir vier – Kimberly, Neil, Owen (Thomas) und ich – waren diejenigen, die im Studio waren. Wir haben einen Haufen analoges Equipment, ein paar alte Synthesizer und Drum-Maschinen besorgt und uns einfach über mehrere Monate hinweg verkrochen.
NEIL: Eines der Dinge, die wir von Anfang an wollten, war die Verwendung von analogem Equipment, was den elektronischen Instrumenten das Gefühl von Echtheit gab, das wir trotzdem beibehalten wollten.
KIMBERLY: Ein roter Faden, der sich wirklich durchzieht, ist unsere Vorliebe für Sprache. Wir lieben Poesie. Wir sind mit Southern Gothic Literatur aufgewachsen, wir lieben diese kleinen Zutaten der Dunkelheit. Und so hat sich die Stimmung unseres Songwritings nicht wirklich verändert. Eine Sache, auf die ich stolz bin, ist, dass trotz all der verrückten Sounds – wie das Einbringen eines Moogs, einiger 808er und Drum-Programming – der Song erhalten bleibt. Das war ein ständiger Ratschlag von Rick, wenn wir verschiedene Teile des Songs in Frage stellen, um sie besser zu machen: Hält der Song auch mit Gitarre und Klavier? Da wir als Kinder eine Indie-Rock-Band waren und dann unsere Zeit auf dem Land verbrachten, waren die Songs immer das Wichtigste. … Unsere größte Priorität als Künstler war es immer, Musik zu machen, die wir lieben. Wenn das bedeutet, dass ein Banjo darauf zu hören ist, dann lass uns ein Banjo darauf spielen.
John Taylor, Co-Präsident von Philymack Management, sagt: „Wenn sie in der Country-Szene bleiben und weiterhin Platten machen wollten, um Tickets in diesem Markt zu verkaufen, hätten sie das einfach weiter tun können. Aber es hat in ihnen eine kreative Leere hinterlassen. Und das ist inspirierend für mich – wow, diese Jungs sind bereit, Geld auf den Tisch zu legen und Geld zu zahlen, um alles hinter sich zu lassen und das zu tun, was sie wirklich künstlerisch machen wollen.“ (Er sagt, dass die Gruppe bezahlt hat, um aus ihrem Big-Machine-Vertrag herauszukommen und ihre Original-Rubin-Master zurückzubekommen. Big Machine lehnte eine Stellungnahme ab.) „Davon hört man in der Welt des Aufbaus von Marken und Partnerschaften nicht so oft, dass sie sagten: ‚Die Kunst ist uns wirklich, wirklich, wirklich wichtig. Das hat uns also erleuchtet… Es ist einfach, die Sache oberflächlich zu betrachten und zu sagen, naja, hier sind diese Jungs, die sich von ihrer Country-Fangemeinde abwenden. Wir sind ziemlich zuversichtlich, dass ein guter Teil dieser Country-Fans, die keine passiven Country-Hörer sind, mit dabei sind.“
Zu den Erwartungen sagt Taylor: „Wir sind keine Fremden, was die Neuerfindung hier bei Philymack angeht. Es braucht eine gewisse Zeit“, fügt er hinzu, und sie wollen die Band allmählich wieder bekannt machen, bevor sie die großen Radioplatzierungen anstreben. „Es gibt hier keine exakte Parallele, aber wenn man sich einige der Teenie-Pop-Acts anschaut, die wir bei Philymack hatten, und die jetzt zu echten Radio-Pop-Acts geworden sind, dann würde ich als erstes Nick (Jonas) erwähnen. Es war eine ähnliche Situation, und durch ein Jahr, in dem er die Geschichte richtig erzählte, sich nicht beirren ließ und die Musik machte, die er machen wollte, mit den Leuten, mit denen er zusammenarbeiten wollte, wurde er von ‚Oh, das ist der Typ von den Jonas Borthers‘ zu Nick Jonas mit einem Nummer-eins-Radiohit. Wir haben eine kleine Geschichte zu erzählen, und wir müssen die Wahrnehmung verändern, und da sieht man die Parallelen: Die Welt sieht dich so, und du möchtest so gesehen werden, weil du wirklich so bist. Auf keinen Fall hieß es: „Hey Leute, reißt das Pflaster ab. Verabschiedet euch von allem, was ihr einmal kanntet, um euch neu zu erfinden und neu anzufangen“. Es ist eher so, dass sie langsam aus ihrem Schneckenhaus herausgekommen sind.“