10 der größten Tom Waits-Songs aller Zeiten

„Ich mag schöne Melodien, die mir schreckliche Dinge erzählen“ – Tom Waits

Tom Waits‘ kiesiges Timbre hat die Menschen in einen nachdenklichen und meditativen Zustand versetzt, seine Feder ist so mächtig, dass sie Worte in die Herzen und Köpfe der Menschen eingraviert, und ein Geist, der wie ein überfließender Fluss ausströmt, der sowohl die Grenzen als auch seine Ufer sprengt, hat uns genau das gegeben, was in dem obigen Zitat steht. Einfach ausgedrückt, fasst es Tom Waits‘ wilde Persönlichkeit und seinen unvergleichlichen Beitrag zusammen.

Der so genannte „Anti-Held“ der Folk-Musik bahnte sich seinen eigenen Weg und glitt mit inspirierender Zuversicht hindurch, selbst als die Musikszene in Amerika noch nicht bereit war, seine Arbeit zu würdigen. Aber er blieb nicht in einer Einbahnstraße stecken. Er kreuzte andere Wege und schuf Nebenwege, die die Essenz der verschiedenen Musikgenres, mit denen er experimentierte, in sich trugen.

Am meisten im Rampenlicht steht jedoch sein Schreibstil, der vor allem von den Beat-Poeten inspiriert wurde. Waits sagte einmal: „Ich war schon immer ein Wort-Typ, ich mag schräge Wörter und ich mag amerikanischen Slang und all das und Wörter, die nicht mehr verwendet werden… Ich mag es, sie aus der Schublade zu ziehen und mit ihnen herumzufuchteln… das ist interessant, es ist erstaunlich, wie zusätzlich zur Interpunktion nur eine kleine Pause an der falschen Stelle die Bedeutung von etwas völlig verändern kann.“

Die Aufgabe, nur zehn Songs aus der Karriere einer Legende auszuwählen, lässt einen verwirrt zurück. Es ist ein ständiger Kreislauf des Aufschreibens und Durchstreichens von Optionen auf einer Seite des Tagebuchs und des anschließenden Umschreibens. Die hier aufgelisteten zehn Songs sind nur ein paar Beispiele für seine Meilenstein-Kreationen. Wir würden uns freuen, wenn Sie auf den Zug aufspringen und uns Ihre Favoriten im Kommentarbereich unten mitteilen.

10 beste Songs von Tom Waits:

‚(Looking For) The Heart of Saturday Night‘

Nach dem ersten vergeblichen Versuch, sich mit seinem Debütalbum Closing Time von 1973 einen Namen zu machen, war es Waits‘ zweites Album The Heart of the Night von 1974, das seinen unverwechselbaren Stil etablierte und für Aufsehen sorgte. Das Jazz-Ambiente wird durch einen sauberen Soundtrack mit nur einer Akustikgitarre, einem Kontrabass und einer der ungekünsteltsten Gesangsdarbietungen von Waits unterstrichen.

Es ist eine liebevolle Ode an die Samstagnacht, den einzigen Tag, der nach den langen und müden Arbeitsstunden unter der Woche zählt. Der Song, der aus der Perspektive eines Trinkers erzählt wird, legt auch den Grundstein für Waits‘ Beziehung zu seiner Flasche, ein Thema, das er in späteren Songs weiter ausbauen wird.

‚Tom Traubert’s Blues (Four Sheets to the Wind in Copenhagen)‘

Das Album aus dem Jahr 1976 war ein Wendepunkt, denn es bot dem Publikum eine neue Sichtweise auf Waits. Wieder einmal bewies er, dass er ein geschickter Songwriter ist, der die Zügel nicht schleifen lässt und sicherstellt, dass er immer die Kontrolle behält, selbst im Chaos.

Das Motiv des durstigen Mannes setzt sich hier unvermindert fort. Geschrieben in London, erzählt es von einem Spaziergang durch die dänische Hauptstadt mit einem Mädchen namens Matilda. Die Einbindung des australischen Volksliedes „Waltzing Matilda“ im Refrain hebt das Lied auf eine andere Ebene. Mit einer großartigen Streichergruppe ist der Song definitiv einer der besten von Waits.

‚The Piano has been Drinking‘

Waits‘ typischer absurder Text kommt in diesem Lied voll zur Geltung. Waits imitiert einen Betrunkenen, der unsinnige Phrasen von sich gibt, die an ein „etwas missbrauchtes, leicht verstimmtes Klavier erinnern, das man in der Ecke einer Bar im Regen stehen lassen würde.“

Der vollständige Titel des Songs „The Piano Has Been Drinking (Not Me) (An evening with Pete King)“ bezieht sich auf den Direktor des berühmten Londoner Jazzclubs Ronnie Scott’s in Soho. Waits schrieb den Song nach einem Aufenthalt in diesem Lokal, und alle rauchig-jazzigen Töne, die von ihm ausgehen, lassen sich auf diesen legendären Club zurückführen.

‚Christmas Card from a Hooker in Minneapolis‘

Dieser Song aus dem Jahr 1976 hat eine starke Jazz-Würze, die auch nach dem Ende des Liedes noch anhält. Die bittersüße Melodie des Liedes erinnert sofort an Ray Charles Song ‚Georgia on My Mind‘

Der selbsterklärende Text erzählt von einem Brief, den eine Prostituierte an einen Mann namens Charlie schreibt. Sie lügt durch und durch und erzählt ihm, wie glücklich sie ist, bis sich der Schriftsteller einmischt und Charlie mitteilt, dass das alles nicht stimmt und dass sie am Valentinstag auf Bewährung entlassen wird.

Die Texte, die als „lakonische Ego-Skizze“ beschrieben wurden, sind sicher, dass sie einen zu Tränen rühren und dennoch ein leichtes Lächeln im Mundwinkel hinterlassen. Es ist die perfekte Kombination aus dem, was Waits zu einer so verlockenden Figur in der Musik macht.

‚Heartattack and Vine‘

Im Vergleich zu den oben genannten herzzerreißenden Songs, ist der Titelsong des gleichnamigen Albums von 1980 ein ziemlicher Kracher. Er zeugt von Waits‘ neuem Interessensgebiet, den Whiskey-getränkten Jams, und lässt den Sänger im Blues schwelgen und über sich hinauswachsen, so wie es Picasso vor ihm getan hatte.

Das Stück gewann eine neue Fangemeinde durch seine Verwendung in verschiedenen Werbespots und TV-Shows. Zum Beispiel im Jahr 2002 in der kultigen Fernsehserie The Wire und machte Waits einem ganz neuen Publikum bekannt. Allerdings hatte Waits ein Problem damit, dass Firmen seinen Song verwendeten und reichte Klage ein.

Er sagte einmal: „Es ist kein Wunder, dass ein Unternehmen den Zauber, den diese Songs ausüben, für sich nutzen will und dich dazu bringt, Softdrinks, Unterwäsche oder Autos zu kaufen, während du in Trance bist…“ Eine von Waits‘ besten Nummern sollte niemals mit solcher Werbung verbunden werden, sie sollten laut und unbekümmert gespielt werden.

‚Johnsburg, Illinois‘

Waits‘ Karriere kann in zwei Hälften geteilt werden: vor den Schwertfischposaunen und nach den Schwertfischposen. Das Album von 1983 war ein entscheidender Moment für seine Karriere. Die Musik entfernte sich von den Klavier- und Streichorchesterarrangements der 1970er Jahre, und auch das Tempomuster änderte sich.

Das Stück ist eine Hommage an Waits‘ Frau Kathleen Brennan. Das Lied handelt von der Heimatstadt seiner Frau und schwelgt in einer nostalgischen und herzerwärmenden Erinnerung an die goldenen Tage von einst. Obwohl die Zeilen „She’s my only true love / She’s all that I think of….look here in my wallet, that’s her“ wie eine öffentliche Liebeserklärung Toms an Brennan klingen mögen, war er in Wirklichkeit ein sehr privater Mensch, der eine strikte Trennung zwischen persönlichem und öffentlichem Leben pflegte.

Es besteht kein Zweifel, dass dieses Stück zu den besten von Waits gehört.

‚Rain Dogs‘

Elvis Costello sagte Patrick Humphries in seinem Buch The Many Lives of Tom Waits, „Ich glaube, ich war neidisch auf seine Fähigkeit, sich aus der Ecke herauszuschreiben, in die er sich scheinbar selbst hineinmanövriert hatte.“ Genau das geschah auf Rain Dogs, dem Album von 1985. Waits glänzte heller als in Swordfishtrombones.

Während ‚Cemetery Polka‘, ‚Hang Down Your Head‘, ‚Time‘, ‚Downtown Train‘ und ‚Singapore‘ allesamt Klassiker sind, ist es der Opener der zweiten Seite und der Titeltrack, der als einer seiner besten heraussticht.

Der Song wurde von Martin Bells Streetwise inspiriert, einer Dokumentation über neun obdachlose Jugendliche in Seattle. Er kuratierte den Begriff Waitsian-Sound, der im Collins-Wörterbuch als „heiserer, kiesiger Gesang, unharmonische Klänge und der Einsatz ungewöhnlicher Instrumente“ beschrieben wird.

‚Temptation‘

Das Album von 1987 hat lateinamerikanische Anklänge, die tief in Waits‘ Musik verwurzelt sind, da er in Kalifornien aufwuchs und häufig nach Mexiko reiste. Die langsam durchsickernden Rhythmen und die kaputten Jukebox-Hörner des Songs tragen zu einer der besten Gesangsleistungen bei, die Waits je abgeliefert hat.

Was das Album so besonders macht, ist die Art, wie er seine Stimme einsetzt. Er bewegt sich weg vom rauen und heiseren Gesangsstil hin zu einem kontrollierteren und sanfteren. Er verwendet ein Falsett, das er als seine „Prinzenstimme“ bezeichnet, und es ist einfach entzückend als perfekter Refrain von Waits‘ sonst nicht königlichen Tönen.

‚Hoist That Rag‘

Im Jahr 2004 vollzog Waits einen weiteren fließenden Übergang, indem er den Hip-Hop-Stil adaptierte. Er nutzte vor allem die Beats des Hip-Hop zusammen mit Beatboxing, um seinen einzigartigen Gesang zu unterstützen und dies zu einem der moderneren Klassiker des Sängers zu machen.

Der Track wirkt wie eine dystopische Hymne und spiegelt den kühnen Geist wider, den Waits verkörpert. Mit jeder Wiederholung des Satzes wird er immer freigeistiger. Der Text hat im Vergleich zu seinen früheren Songs einen direkteren und politischeren Ansatz.

‚Hell Broke Luce‘

Der Titel stammt von einem Graffiti, das bei einem Gefängnisausbruch in die Wände von Alcatraz geritzt wurde, In ‚Hell Broke Luce‘ vom 2011er-Album setzt sich Waits für die belagerten Army-Knechte ein. ‚Day After Tomorrow‘ auf ‚Real Gone‘, ‚Road to Peace‘ auf ‚Orphans‘ und ‚Hell Broke Luce‘ sind eine Reihe von Protestsongs, die Waits über den Irakkrieg geschrieben hat, und er hält sich nicht zurück.

Der Song beschwört das traumatisierende Gefühl, im Krieg zu sein, und ist der wütendste und lauteste der drei. Es ist ein apokalyptischer Feldgesang, der Visionen von einer staubigen, demoralisierten Wüste heraufbeschwört.

Waits kritisiert die Regierung und schleudert die Zeilen: „How is the only ones responsible for making this mess / Got their sorry asses stapled to a goddamn desk?“ auf sie. Es ist eine der stärksten Nummern des Sängers.