Ohlédnutí za nejvlivnějšími japonskými písněmi roku 2010

Někdy se zdálo, že rok 2010 je jen jedním dlouhým zamyšleným pohledem do minulosti, zejména pokud jde o hudební trendy.

Streamingové služby umožňují lidem během několika vteřin projít zpětné katalogy tvorby umělců, zatímco nahrávky na YouTube vyplňují případné mezery. Když tedy v roce 2016 zemřela hudební ikona David Bowie, mohly děti jeho fanoušků dohnat několik desetiletí trvající kariéru během jednoho binge-heavy víkendu.

Japonští hudebníci nebyli vůči tomuto nostalgickému obratu imunní a čerpali vliv zejména z 80. a 90. let. V celosvětovém měřítku si japonská popová hudba příliš pozornosti ze zahraničí nevysloužila. Fanoušci však v japonské hudbě objevovali a oslavovali vše staré a obskurní a z drobných nahrávek z éry bublin se stalo moderní online zlato.

Vzhledem k tomu, jak japonské hudbě trvá, než se jí dostane všeobecného uznání, představme si, že se blíží konec 40. let 20. století. Léta 2010 jsou nyní pro budoucí mládež stejně módní a vlivná, jako byla 80. léta pro nás. Jaké skvosty budou podle vás v Japonsku roku 2040 znovu objevovány a ceněny?“

Vítejte v roce 2049

Jakmile se dostaneme do poloviny 21. století, vynikne jako jeden z nejzajímavějších vývojových trendů roku 2040 oslava starého a neznámého. Každá generace si zminuje minulost, kterou nikdy nepoznala, a děti této dekády se zaměřily na poslední roky éry Heisei (1989-2019).

Japonsko jako by v roce 2010 nemělo na světovou hudební scénu téměř žádný vliv. Málokdo mimo zemi dokumentoval hudbu, která nás tehdy bavila, protože se zdála být zcela mimo širší světové trendy. Nově objevené vzrušení kolem ní ve 40. letech bylo částečně způsobeno vzrušením z objevování obskurního, přesto někteří z nás prostě hledali dobrý beat z doby, kterou jsme nikdy nepoznali na vlastní kůži. V roce 2010 Japonsko definovala kultura kawaii a sociální média a po ničivém Velkém východojaponském zemětřesení bylo z větší části poměrně pohodovým místem k životu – zejména s ohledem na otřesy, které se odehrávaly ve zbytku světa.

V roce 2010 se projevila podobná fascinace starší japonskou hudbou. Nejaponští hudební fanoušci se ponořili do všeho, od třpytivého popu po experimentální ambientní desky a japonská pojetí havajské hudby. Ačkoli si nikdy neukradl titulní stránky novin, měl j-pop této dekády na posluchače i tvůrce mnohem hlubší dopad. Celé podsekce elektronické hudby se snažily znovu vytvořit zvuk Yasutaky Nakaty a skupin, které produkoval, jako například Perfume, a celé internetové mikrožánry se vyvíjely kolem vybledlých samplů z japonských popových klasik. Léta 2010 byla pro japonskou hudbu 80. let obdobím rozkvětu a léta 2040 vrhla podobnou pozornost na japonskou hudbu let 2010.

Ačkoli se mnoho skladeb těší obnovenému uznání, následující skladby patřily k větším nostalgickým hitům let 2040:

Izumi Makura: „balloon“ (2012)

Tastemakeři a dnes již zaniklé hypebeasty, které se toulaly krajinou v roce 2010, donekonečna hledali cool japonský rap, který by představili světu. V podstatě všechny snahy na této frontě skončily u Kohha, talentovaného, ale mediálně plachého umělce, jehož vrcholem bylo hostování v písni Franka Oceana dostupné pouze v časopisecké podobě. Většina japonského hip-hopu se zaměřovala na prosté napodobování mnohem lepších amerických rapperů z jihu, a to s mizivým výsledkem.

Ženy naopak v roce 2010 přistupovaly k žánru z jiných úhlů a vytvářely díla, která dodnes oslovují dnešní mládež. Popové tvůrkyně jako Chelmico našly prostor v mainstreamu, zatímco divočejší MCs jako Chanmina a Awich se pohybovaly v prostoru, kterému dlouho dominovali muži. Pak tu byli „šeptající rappeři“ jako Daoko, Bonjour Suzuki a Izumi Makura, jejichž jemnější projev a zaměření na každodenní život v textech nabízely písně jako krátké příběhy zachycující vzestupy a pády mládeže tohoto desetiletí. Píseň jako „balón“ se potýká s nadčasovými tématy, jako je maloměstská ennui a deprese, a je prošpikována drobnými detaily, které jí dodávají hloubku. Skladba tehdy vynikala tím, jak přistupovala k rapu z nového úhlu, ale i po letech je relativní díky náladě, kterou vykouzlila.

Mondo Grosso: „Labyrinth“ (2017)

„Labyrinth“ zněl v roce 2010 nepatřičně. V průběhu pěti minut se neobjeví žádný z dominantních kmenů pop music této dekády. Producent Shinichi Osawa, známější pod svým uměleckým jménem Mondo Grosso, spojil deep houseové dunění s mihotavým klavírem a smyčcovými vlnami a vytvořil skladbu, která je zároveň filmová i fyzická. Nad ním zpívá herečka a zpěvačka Hikari Mitsushima o snaze vychutnat si okamžik, který nemůže trvat věčně, ale ona se o to přesto pokusí. Ve spojení s videoklipem odehrávajícím se v Hongkongu, který byl na pokraji úsilí o svou případnou nezávislost, zůstává „Labyrinth“ jednou z nejúchvatnějších nahrávek desetiletí v zemi, která stále dokáže okouzlit nové uši.

BiS: „STUPiG“ (2014)

Popové skupiny idolů dominovaly japonským hudebním žebříčkům v roce 2010, přičemž zvláště veselé projekty jako AKB48 a její sesterské skupiny si vedly velmi dobře. Tyto optimistické hvězdy byly dostatečně velké na to, aby inspirovaly reakční komunitu „alternativních idolů“, která sice fungovala na podobném obchodním modelu, ale produkovala mnohem zajímavější hudbu, od hyperaktivního divadla Dempagumi.inc až po sebeuvědomělé odrhovačky Negicco a na okultismus odkazující Necronomidol.

Nikdo se neukázal být důležitější než BiS, skupina, která záměrně posunula myšlenku idol popu na její okraj. „STUPiG“ šokovali tehdy a šokují i dnes. Těžko si představit, že by nějaká j-popová skladba – natož taková, která by se při svém vydání skutečně umístila v Top 10 – byla postavena na gabberových dupácích a uječených vokálech. „STUPiG“ je klaustrofobická a chaotická, ale přesto nese uchu lahodící háček, který pod ním odhaluje vřelost. Bylo by to naprosté vybočení kdekoli a kdykoli, ale to všechno je součástí kouzla, které ukazuje, jak odvážný může být J-pop, pokud se odvážíte na okraj.

Foodman: „Ez Minzoku“ (2016)

Málokteré zákoutí japonské hudby nepřestává těšit tak jako experimentální komunity tohoto národa a čas byl k tomuto typu tvorby z roku 2010 obzvlášť laskavý. Spousta nejslavnějších podivností nabízela ve vysokém rozlišení reflexi života nasyceného popkulturou a sociálními médii, a to díky šíleným samplovým kolážím DJWWW, woopheadclrms a desítkám těžko dostupných (a dnes vysoce ceněných) releasů, které vydával label Wasabi Tapes. Jiní nabízeli pestré mutace, od technicolorové cukrové smršti Toiret Status po intimnější denpa songy emamouse. Žádné album však nerozpouští mozky lépe než „Ez Minzoku“. Bylo to průlomové album nejhůře odhadnutelného divocha tohoto období, Foodmana, který je nyní řazen po bok Keiji Haina a Phew. Vzal zdánlivě nesourodé zvuky a z hrstí kytar, syntezátorů, křičících hlasů a čehokoli dalšího, co bylo po ruce, vykouzlil mimoběžné beaty.

Soutaiseiriron: „Miss Parallel World“ (2010)

Žádná japonská kapela neměla v roce 2010 větší vliv než Soutaiseiriron. Skupina, která prorazila ve velkém na konci roku 2000, si zaslouží uznání za to, že daleko předběhla nostalgický obrat dekády a postavila své písně na kytarových melodiích odkazujících na éru Showa, které brzy převzali napodobitelé (Passepied), loopy alt-rockeři (Frederic) a virální překvapení (Gesu no Kiwame Otome.). Stejně velkou stopu zanechala zpěvačka Etsuko Yakushimaru svým zpěvným projevem a texty zaměřenými na dikci. Snaha najít v jejích slovech příliš mnoho významů se ukázala jako marná – pohrávala si se slovními hříčkami a obraty a veškerý důraz kladla spíše na to, jak vše zní, než co znamená. Tímto vzorcem se řídily od rockových kapel až po šeptající rappery a všechny cesty vedou zpět k Soutaiseiriron, když se snažíte tím vším prokousat.

Mariya Takeuchi: „Plastic Love“ (1984/2018)

Zkuste to se svými kamarády hudebními šprty příště – zeptejte se jich, kdy původně vyšla „Plastic Love“ od Mariyi Takeuchi, a vsadím se, že většina z nich odpoví „někdy v roce 2010“. Když jim prozradíte, že poprvé vyšla v roce 1984, vyrazíte jim dech. Tento kousek melancholického disco-popu však zní stejně dobře pro léta 2010 jako pro léta osmdesátá, ne-li ještě lépe. Je to definitivní píseň tehdejšího „city pop revivalu“, doby, kdy si západní děti dělaly zásoby staršího japonského zvuku, jako by to byla balená voda před tajfunem, zatímco módní západní a korejské kapely si vypůjčovaly z funkového zvuku až do roku 2020.

Však se také „Plastic Love“ stala písní, kterou „proslavil internet“ algoritmus na YouTube, s tím, že téměř osmiminutová verze, která se stala virální, je mutací původního pětiminutového sestřihu. Je to však emocionální jádro „Plastic Love“, které skutečně zaujme. Takeuchi nikdy nezažila zkázu éry bubliny na vlastní kůži, když se odehrávala, a tohle byla její představa, jaký mohl být život v bublině se všemi svými vzestupy a pády – přesně tak k písni přistupoval nespočet posluchačů po celém světě v roce 2010 a v desetiletích poté, co se stala globálním popovým standardem.

group_inou: „Therapy“ (2010)

Děti, zeptejte se svých prarodičů, co je to „žánr“, a s údivem zjistíte, že byly doby, kdy se lidé rádi ohrazovali vůči hudebním nápadům. Duo group_inou by se do free-for-all světa roku 2049 hodilo opravdu dobře, ale vzniklo v první polovině roku 2010, kdy bylo míchání rapu, mluveného slova, dance-popu a komediálních kousků do jedné skladby ještě dost cizí pojem. Zmíněná melodie obsahující také pasáže o delfíní terapii to jen dělala podivnějším.

S výjimkou internetových umělců, jako jsou tofubeats a Mikeneko Homeless, kteří běželi paralelně s grou_inou, se ramshackle přístup ke zvuku, který dvojice na „Therapy“ dovedla k dokonalosti, v japonské hudbě projeví až později v roce 2010, kdy mladší interpreti jako Haru Nemuri, Mom a (zejména) Wednesday Campanella ve své hudbě nasměrovali volně plynoucího ducha této dvojice.

Dean Fujioka: „History Maker“ (2016)

Anime a videohry se také nechaly strhnout současným boomem retrománie, i když na rozdíl od většiny japonských písní z tohoto období byly releasy, které dostávají lásku v roce 2040, v roce 2010 globálně poměrně velké. Vyhledávanými se staly i soundtracky k těmto výtvorům. V posledních pěti letech vznikly desítky butikových reedičních vydavatelství, která fanouškům přinášejí speciální edice těžko dostupné herní hudby a pomáhají pozvednout žoviální melodie, které najdeme v Personě 5, a melancholické kulisy Nier:

To samé platí pro anime z roku 2010, které se po téměř 30 letech posunulo od niky k něčemu, co si zaslouží chválu a studium. Seriál z roku 2017 „Yuri!!! On Ice“ se nyní těší chvále kritiky díky jednomu z nejlepších příběhů, které se ve světě japonské animace v tomto období objevily, a díky tomu, že je raným příkladem japonských médií, která vyzdvihují lásku mezi stejnými pohlavími nestereotypním způsobem. Modrý námět Deana Fudžioky si samozřejmě získal i nové fanoušky, a to nejen proto, že jim připomíná zmíněné krasobruslařské drama. Další nohy mu dodává spojení v roce 2010 módního zvuku EDM s orchestrální atmosférou, ale připomíná, jak moc byla tehdejší japonská média propojená.

Famm’in: „Circle“ (2016)

Krása ohlédnutí zpět spočívá v tom, že můžeme náležitě oslavit skutečně originální nápady, které byly ve své době ignorovány. Nazývat projekt Famm’in z roku 2016 superskupinou by bylo přílišné uznání. Skládal se z j-popové kapely, která se celou dekádu snažila vydělat na jiskření kolem k-popu (Faky), dua, které zažilo jistou virální slávu díky písni oslavující, jak moc jeho členové milují peníze (Femm), a písničkářky střední úrovně (Yup’in).

Nějakým způsobem z tohoto limitovaného projektu vznikl „circle“, píseň zabývající se kruhovou povahou existence na pozadí prvků tradiční japonské dvorní hudby a tehdy moderních bicích. V době vydání neměla šanci, ale o třicet let později lze její originalitu náležitě ocenit.

mus.hiba: „Slow Snow“ (2014)

Spousta technologií, které měnily pravidla hry, skončila během technologické horečky v roce 2010 v propadlišti dějin. Chytré brýle slouží ve filmech hlavně jako rekvizita, která má ukázat, jak byli lidé v té době pomýlení, zatímco SoftBank využila všechny ty opuštěné kanceláře WeWork k ukrytí všech zbylých robotů Pepper, které se podařilo zachránit. K tomuto seznamu přidejte virtuální zpěváky.

Zatímco Hatsune Miku a její přátelé dráždili k lepšímu světu prostřednictvím softwaru Vocaloid – a vystupovali v některých legálních desítkách vhodných jamů -, v roce 2020 tato technologie zmutovala do způsobu, jak lidé vydělávají na mrtvých celebritách a jak se virtuální popové hvězdy jako Kizuna AI chovají stejně jako jejich předchůdci z masa a kostí. Mnozí se tedy rozhodli představit si svět, který by mohl být.

Tokijský elektronický umělec mus.hiba ve skladbě „Slow Snow“ používá digi hlas postavy Yufu Sekka jako další vrstvu v sonickém horečnatém snu, který si nedělá příliš velké starosti s tím, jak z počítačového programu udělat člověka, ale spíše zjišťuje, co je s tímto novým nástrojem umělecky možné. Spousta fantastických self-made producentů dělala podobné věci, a i když se tento sen změnil v novinku, jejich hudba stále dokáže prorazit.

HNC: „I Dream I Dead“ (2010)

„Strašidelnost“ v japonské kultuře roku 2010 úzce souvisela s „kawaii“ pověstí země, kterou nejlépe reprezentovaly podívané jako „Shibuya Halloween“ (alespoň do doby, než byla v roce 2024 zakázána po velkém říjnovém požáru, který zničil megaplex Don Quijote). Pod barevným zevnějškem se však skrývá spousta hrůzy. Nezávislí interpreti jako Jesse Ruins, Sapphire Slows a Hotel Mexico (v jednu chvíli všichni dohromady) nabídli záblesky extáze zahalené stíny, zatímco určující dílo japonského dubstepového průkopníka Goth-Trad čerpalo z děsivé reality života v Japonsku po zemětřesení a tsunami z 11. března 2011 a Eadonmm z Osaky využil stejné znepokojivé nálady pro svůj debut „Aqonis“. Dokonce i tak významná j-popová kapela, jako je AKB48, si našla čas na trochu tíživou atmosféru ve skladbě „Uza“ z roku 2012.

„I Dream I Dead“ však zneklidňuje víc než kterákoli z nich. Pochází od umělce, který mohl snadno pomoci definovat budoucí měkčí image. HNC si dříve říkala Hazel Nuts Chocolate a dělala plyšový hravý pop oslavující témata jako zmrzlina a kočky. Pak se zaměřila na nadčasové obavy ze smrti a neklidu, který ji obklopuje, a ze zvonkohry a koktavých tónů bubnů vytvořila jeden z nejděsivějších hudebních podkresů. „I Dream I Dead“ nám připomíná, že lidé v Japonsku nebyli všichni plní nadýchaných myšlenek, a dodává příjemnou protiváhu image, kterou si země v té době pamatuje.

Kyary Pamyu Pamyu: „PonPonPon“ (2011)

Žádný umělec nedefinoval obraz Japonska ve světě v roce 2010 tak jako Kyary Pamyu Pamyu.

Přepnete-li si film z tohoto období, v němž je zmíněno Japonsko, je dost pravděpodobné, že v pozadí uslyšíte jednu z jejích písní, když se režisér snaží posluchačům zprostředkovat představu o této zemi. Její skladby se stejnou měrou objevovaly v živých videohrách a memech, zatímco její mišmašový smysl pro módu udával tempo tomu, jak si lidé představovali každodenní oblékání dětí v Harajuku. Japonsko bylo v té době vnímáno jako technicolorová zázračná země s lehce podivínským nádechem a Kyary Pamyu Pamyu tuto image prosazovala, a to ne zřetelněji než ve svém průlomovém debutovém singlu „PonPonPon“.

V hravém popu této skladby se skrývalo víc – kawaii-gone-sinister klip, který si mnozí zamilovali poté, co se na začátku desetiletí stal virálním. Objevil se několik měsíců po Velkém východojaponském zemětřesení v roce 2011, národním traumatu, které definovalo desetiletí. Lidé chtěli uniknout a „PonPonPon“ jim přesně to nabídl díky neúnavnému skákání a textům, které oslavovaly lidi, kteří jsou sami sebou. Stejně tak je důležité, že jeho hyperbarevná myšlenka dodnes dominuje japonské estetice.

Hudba vznikla díky producentovi Yasutakovi Nakatovi, jehož basově orientovaný elektropop už tehdy prosakoval do vzkvétajícího světa elektronické taneční hudby, ale zde našel novou zvukovou paletu, se kterou si mohl pohrát. Countless artists all over the world tried to imitate it, but none have had the lasting impact of this slice of pure pop perfection.