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Lee cómics en el iPad
Un guion de cómic es un conjunto de instrucciones para el artista y el rotulista. Su objetivo es presentar la mecánica de su historia con la mayor claridad posible. No es necesario atenerse a un formato preciso, como en la escritura de guiones. Cuando se escribe un guión de cómic, no hay que preocuparse por utilizar un software especial como Final Draft. Cualquier procesador de textos básico, como Microsoft Word o Google Docs, será suficiente.
En muchos sentidos, escribir un guion para un cómic es más difícil que escribir para el cine. Con un guión, el escritor deja muchos detalles en manos del director, los actores y el equipo. Es una forma de escribir muy reducida. Menos es más, dicen algunos expertos. El cine es una forma de arte muy colaborativa. Las huellas dactilares de mucha gente acaban en el producto final que ve el público.
No es el caso de los cómics, donde sólo el escritor y el artista ven el guión. El escritor le dice al artista lo que tiene que dibujar, normalmente con mucho más detalle que un guión. El artista tiene margen para cambiar cosas y añadir sus propias ideas, pero su trabajo consiste principalmente en dibujar e intensificar lo que el escritor ha decidido mostrar. Tienes que pensar tanto en imágenes como en palabras.
Una imagen vale más que mil palabras
Para perfeccionar tu pensamiento visual, te sugiero que leas varios cómics populares con un ojo crítico, pensando en las decisiones visuales tomadas por los escritores y los artistas: qué se muestra y qué no, y cómo se representa. Intenta imaginar cómo describió el escritor cada imagen en su guión antes de dársela al artista. Como ejercicio de práctica, escribir tus propias descripciones de los personajes y las escenas que ves en un cómic publicado también te ayudará.
Para pensar como un dibujante de cómics y comunicar tu visión de la historia, tienes que dividir tus escenas en paneles, que son una serie de planos de cámara secuenciales. Tú le dices al dibujante qué debe dibujar en cada panel y decides en qué plano tu personaje va a decir una determinada línea de diálogo o voz en off. Esto, en esencia, te convierte en el director de la película, y podrías pensar en el artista como el director de fotografía que da vida a tu visión.
La cantidad de detalles y descripción de escenas en la página varía enormemente de un escritor a otro. Algunos creadores, como Alan Moore (Watchmen, V de Vendetta), escriben largos párrafos de descripción al estilo de las novelas, en los que describen la ropa que lleva cada personaje, los vehículos, la escenografía e incluso los ángulos de la cámara, porque quieren tener más control sobre el resultado final, independientemente del artista que se contrate para dibujarlo.
Otros escritores escriben muy escasamente, no mucho más de lo que cabría en un mensaje de texto, porque no saben exactamente lo que quieren o no les importa. Dejan que el artista rellene los detalles e interprete la escena como él la imagina.
Ambos métodos, y todo lo que hay entre ellos, pueden funcionar dependiendo de la relación que tengas con el artista. Ten en cuenta que a algunos artistas, especialmente a los que tienen mucho talento o mucha experiencia con muchos créditos publicados, no les gusta ser microdirigidos por un escritor, especialmente por un escritor novato del que nunca han oído hablar antes.
Cualquier artista profesional con el que merezca la pena trabajar conocer el arte de la narración secuencial y tendrá una visión artística que podría ser mejor que algo que se te ocurra. Por lo tanto, es mejor que dejes que tu colega haga su magia. Se trata de manipular al artista. Sé que suena siniestro, pero el truco está en conseguir que el artista le guste. Enamóralos con tus palabras y tu personalidad. Inspíralos para que hagan su mejor trabajo.
Un artista aburrido o sin inspiración entregará páginas que parecen zurullos. Es tu culpa o la del artista? Para reflexionar.
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