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David Black/Cortesía del artista
David Black/Cortesía del artista
Con unos cuantos premios Grammy a sus espaldas, All Things Considered retoma una conversación con Daft Punk. Se emitió originalmente el 16 de mayo de 2013.
El dúo electrónico francés Daft Punk irrumpió en el movimiento dance de finales de los 90 con música que produjeron en un estudio casero. Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo construyeron un seguimiento de culto llevando cascos de robot en el escenario y en la prensa, y trabajando casi siempre solos. Pero han grabado su nuevo álbum, Random Access Memories, en estudios profesionales, con músicos de verdad. Bangalter y de Homem-Christo hablaron con Audie Cornish, de All Things Considered, desde Londres. Puedes escuchar la versión radiofónica en el enlace de audio y leer más de su conversación a continuación.
El single principal de vuestro nuevo álbum se llama «Get Lucky» y el cantante es Pharrell Williams, pero tengo entendido que fue coescrito por ti y por Pharrell Williams y Nile Rodgers, que fue un gran productor de los años 70. ¿Qué nos dice esta canción sobre el álbum?
THOMAS BANGALTER: Esta canción es realmente en cierto sentido – puede ser un resumen de este disco, este álbum, Random Access Memories, que estamos a punto de lanzar. Llevamos haciendo música de baile, Guy-Man y yo, desde hace unos 20 años. Al principio, hacíamos música house y electrónica en nuestra habitación durante mucho tiempo, pero siempre estuvimos muy influenciados por un montón de discos clásicos, incluyendo los discos de Chic y muchos de los discos de música disco que escribió y produjo Nile Rodgers.
Y de alguna manera era tal vez un sueño de niño el poder hacer música algún día con uno de los músicos que realmente amamos. Así que «Get Lucky» trata realmente de este encuentro entre Nile y también Pharrell Williams, del que hemos sido amigos y con el que hemos trabajado en el pasado, pero sobre el hecho de formar un equipo y salir de nuestro estudio en casa y realmente llegar a otros músicos e intérpretes y hacer música y divertirse en el estudio haciendo música juntos. Este disco es realmente sobre la música que queríamos escuchar en este momento y por lo tanto es este tipo de mermelada de discoteca de verano que queríamos hacer con Nile y Pharrell.
Es interesante porque ambos productores, Nile y Pharrell Williams, están muy alineados con el tipo de período del que salieron. Es decir, Pharrell es uno de los productores definitivos de los aughts – una especie de hip-hop moderno – y Rodgers es obviamente una gran voz de la radio de finales de los 70 y de la música disco.
BANGALTER: En ese sentido podríamos decir que salimos de los 90 y de esta nueva escena de música electrónica francesa en los 90 y definiendo un cierto sonido al mismo tiempo. Pero nos pareció interesante decir: «OK, vamos a asociarnos con los diferentes talentos y vamos a tratar de hacer la música de hoy.»
Así que es cierto que no había ningún sentido en este disco para pensar realmente en el futuro de la música o la música del futuro, en lugar de centrarse realmente en, OK, ¿qué nos falta ahora mismo como música y cuál es la música que queremos hacer?
Y parece que esto habla del título del álbum. Random Access Memories. Obviamente la RAM es una referencia a un tipo de almacenamiento de datos informáticos. ¿Qué significa para vosotros aquí?
BANGALTER: Es el paralelismo entre los ordenadores y el disco duro y el cerebro humano, pero realmente también es divertirse con la palabra «memoria», que se ha convertido en un término y una palabra muy técnica y muy estéril. Y, obviamente, cuando se utiliza el plural, que es «memorias», es algo que es totalmente diferente. Es algo que es altamente emocional y siempre estuvimos muy interesados en la diferencia entre la tecnología y la humanidad y la diferencia entre algo que tiene una calidad emocional y algo que no tiene ningún tipo de calidad emocional en el mundo de la tecnología.
Así que nos pareció que pasar de un término muy técnico -es decir, memoria de acceso aleatorio- a memorias de acceso aleatorio cambiaba por completo la percepción de esas tres palabras y las hacía extremadamente humanas en el sentido de que queríamos perseguir el concepto de este disco y el proceso de hacer este disco de la manera más humana posible.
En el álbum, hay una canción llamada «Beyond» y se aleja un poco de lo que la gente espera de vuestra música en el sentido de que se abre con este tipo de introducción orquestal. Poco después, esta canción llega a las voces robóticas alteradas digitalmente que la gente podría reconocer de tu música. Pero hablad un poco sobre el uso de la instrumentación en vivo y los elementos orquestales en este álbum.
BANGALTER: Después de la última gira mundial que hicimos en 2006 y 2007, dejamos de hacer nuestra música durante un año y medio y trabajamos en la partitura de Tron: Legacy, que era una película de Disney. Y fue una oportunidad muy interesante para nosotros. En primer lugar, porque nos encanta hacer películas y nos encanta la puntuación de las películas en general, pero también fue una oportunidad para trabajar con una orquesta – algo que siempre hemos querido explorar y hacer – y realmente detener este proceso propio.
pasar 12 o 14 o 15 meses trabajando con música orquestal realmente nos abrió a la idea de trabajo en equipo y la idea de trabajar con músicos y también una cierta idea de un espectáculo. Es cierto que es algo que hemos tratado de hacer poco a poco, ya sabes, con nuestros personajes y nuestra persona como robots y tratando de construir esta fantasía o ficción de una manera entretenida.
Y después de haber creado una gira y un espectáculo muy ambicioso en torno a la música electrónica con -estábamos de pie como robots en esta gran luz primitiva- pensamos que una manera de mantener ese espectáculo era trabajar con conjuntos orquestales, así como con capas electrónicas y elementos electrónicos.
Realmente nos encantó y nos encantó ese intercambio con los músicos y los intérpretes y decidimos intentar hacer un nuevo disco pero haciéndolo con músicos en directo – no sólo limitado a orquestaciones orquestales sino también a bateristas y bajistas y guitarristas y teclistas en directo. Y hacer de alguna manera un experimento con la música pop de una forma nueva para nosotros.
En cierto modo bromeamos y decimos que este disco, Random Access Memories, es nuestro primer álbum de estudio aunque llevemos 20 años haciendo música. Pero era una oportunidad para trabajar con músicos y glorificar, ya sabes, las actuaciones en directo y la magia de las actuaciones humanas y posiblemente hacer un poco de música de baile al mismo tiempo.
¿Os daba miedo?
BANGALTER: En realidad no da miedo. Quiero decir que no nos da miedo experimentar. Creo que es todo lo contrario. Es un proceso muy emocionante. Es un poco abrumador en cierto sentido, pero normalmente nos gusta tomarnos nuestro tiempo.
Sabes, estamos sacando música cada tres, cuatro, cinco años. El último álbum de estudio -el último que hicimos como Daft Punk- fue en 2005. Lanzamos Tron en 2010, que era una partitura, así que no era un álbum de Daft Punk propiamente dicho.
Pero ser capaces de… tomarnos nuestro tiempo y experimentar es definitivamente una especie de lujo, pero no es realmente aterrador porque nos sentimos muy, muy libres y muy liberados de cualquier restricción. Realmente sentimos que tenemos la libertad de experimentar, y si no nos gusta algo, ya sabes, podemos trabajar unas semanas o a veces unos meses en algunas ideas y lo tiramos todo a la basura y luego empezamos de nuevo.
Nos gusta la idea de no construir el siguiente experimento sobre experiencias pasadas, así que nos gusta la idea de sentirnos como principiantes de nuevo. Nos sentimos como principiantes totales cuando hicimos la partitura de Tron y aquí porque fue ir a un estudio y hacer un disco de la misma manera que la gente haría un disco tal vez hace 30 o 40 años.
Aunque con un cierto – como si también hubiéramos sabido lo que pasó los 30 años siguientes, ya sabes. Así que eso fue interesante. Casi a veces nos metíamos en un estudio sintiendo, vale, podríamos estar en 1978 cuando estamos haciendo eso en el proceso pero al mismo tiempo sabemos exactamente lo que pasó en los siguientes 35 años.
La música de Daft Punk ha estado tan estrechamente alineada – o ha sido la inspiración para la música electrónica de baile como la gente podría reconocerla ahora saliendo de su radio. ¿Habéis hecho un esfuerzo consciente para alejaros de las herramientas de ese sonido, que hoy en día es el ordenador portátil?
BANGALTER: A veces se confunde el ordenador portátil con las herramientas actuales y el origen de la música electrónica. Nosotros venimos de la generación anterior de productores de música electrónica – antes de la era del portátil. Así que mucho – la mayor parte de la música electrónica que hemos hecho se hizo en un estudio casero que era una especie de colección de componentes de hardware de cajas de ritmos, sintetizadores, samplers, pequeños pedales de guitarra y en una especie de proceso de bricolaje.
Pero donde estábamos recogiendo diferentes piezas de hardware y haciendo las conexiones entre ellos para crear nuestro propio ecosistema creativo en cierto sentido, un ordenador portátil de hoy es una bestia completamente diferente. Es de alguna manera, la mayoría de las veces, una especie de solución de código de tiempo con una pieza de software y un montón de diferentes instrumentos virtuales en el interior. Es un proceso muy diferente. Es casi como comparar a alguien que hace efectos especiales prácticos utilizando miniaturas y maquetas y fotografía de lapso de tiempo con alguien que ha estado trabajando en un ordenador haciendo efectos CGI. Es sintético, es una síntesis. Pero hacer música con un ordenador hoy en día es lo que se puede llamar síntesis virtual, que es casi algo diferente.
Realmente queríamos decir que, en nuestra búsqueda de experimentar con la electrónica y experimentar con lo que podría ser el futuro, podríamos haber olvidado algunas técnicas que están desapareciendo gradualmente. Así que definitivamente usamos ordenadores en este disco, pero intentamos usar la tecnología de forma invisible. Lo decíamos antes de la misma manera que Peter Jackson puede utilizar la tecnología para contar la historia de El Señor de los Anillos, para llevarla a la pantalla. Este disco que estamos haciendo aquí no es un disco tecnológico en el sentido de que pongas la tecnología encima. La escondes debajo.
¿Hay alguna canción en el álbum que sea un buen ejemplo de ese tipo de tecnología invisible?
BANGALTER: Sí, la canción «Touch» que grabamos y escribimos con Paul Williams es un ejemplo interesante porque es una canción que tiene una cierta calidad atemporal. Definitivamente hay una parte de Dixieland en ella y algunos sintetizadores más psicodélicos y un coro de niños y un montón de efectos. Tiene unas 250 pistas en la canción y no podríamos haber manejado tantas pistas hace 30 o 40 años.
Las multipistas estaban limitadas a 24 pistas. Podías sincronizar dos grabadoras de cinta multipistas y eso te daba unas 48 pistas, aunque si cogías una tercera era… pero usar 250 pistas para hacer esta grabación demostró que estábamos intentando crear algo intemporal pero al mismo tiempo usando la potencia moderna actualizada de los ordenadores de hoy en día que ni siquiera era posible hace 10 años.
Este disco definitivamente usa los ordenadores y la tecnología de muchas maneras, sólo que no usa realmente los ordenadores como instrumentos musicales. Son para manejar activos y piezas de audio y también para editar la música y juntarla.
No nos sentíamos realmente cómodos como músicos para poder interpretar y capturar ciertas emociones sólo con ordenadores como instrumentos musicales en lugar de utilizar una guitarra o sintetizadores analógicos o un piano, un trombón, un bajo, una batería en vivo.
En la canción que cuenta con la participación de Giorgio Moroder, «Giorgio by Moroder», se le escucha describir cómo empezó a utilizar sintetizadores. Se trata de un productor italiano que ayudó a crear algunos de los discos de baile más importantes de finales de los 70: es sinónimo del trabajo de Donna Summer, «I Feel Love» y de la música electrónica que realmente es precursora de lo que escuchamos hoy. ¿Puedes decirme qué tipo de influencia tuvo en vuestra música?
BANGALTER: Giorgio Moroder es una influencia importante para nosotros porque es un pionero de algún tipo y tiene esta increíble carrera y trayectoria vital. Empezó en un pequeño pueblo de Italia y pasó a tocar en salones de hoteles a principios de los 60. Luego hizo carrera en la música pop alemana a finales de los 60 y terminó casi inventando o formando parte de los fundadores de la música disco y electrónica y, de alguna manera, del techno a mediados de los 70. Después se trasladó a Hollywood. Ganó premios de la Academia por la música de Midnight Express y Top Gun, pero hizo música para Flashdance.
Es realmente interesante sólo mirar la carrera de un músico y un productor que entró en muchos géneros diferentes y muchos estilos diferentes y muchos lugares diferentes, pero siempre rompiendo las barreras entre los géneros y en algún momento reinventándose a sí mismo a lo largo del camino, pero también inventando cosas al mismo tiempo.
Vivimos hoy en día en un momento en el que hay un enfoque en la música electrónica y un enfoque en cómo la música electrónica podría ser esta nueva tendencia o nueva música, y fue divertido para nosotros hacer una pista en torno a la vida de Giorgio, este hombre que está en sus 70 años y habla de su conexión con el techno y la música electrónica que ocurrió hace 40 años.
También la idea de hacer una pista que es casi como una autobiografía o como un documental era algo interesante para nosotros porque se sentía en la forma que era original. Y cuando tenemos una idea que sentimos que es original y que no se ha hecho, normalmente, ya sabes, la escribimos en un pequeño bloc de notas y tratamos de ver si podemos hacer algo con ella.
¿Crees que los actos de finales de los 70, principios de los 80 -algunos de los grandes actos pop- se arriesgaron más que la gente de hoy?
BANGALTER: Cuando se observa lo que podemos llamar la era dorada de los álbumes conceptuales, que comienza a mediados o finales de los 60 y termina quizás a principios de los 80, es una época interesante para la música. Vemos a todos estos grupos y bandas muy populares y establecidos que, de alguna manera, estaban en la cima de su juego, pero que realmente trataban de experimentar. Hacer estos discos realmente ambiciosos y tomar muchos riesgos y reinventar su sonido en cierto sentido y realmente experimentar con las técnicas de grabación y experimentar con la composición.
El mejor ejemplo es probablemente el más famoso, que son los Beatles, que en ese momento eran los mayores artistas y la mayor banda del planeta. Y la serie de discos y álbumes en los que trabajaron y produjeron con George Martin a finales de los 60 son realmente, en cada momento, una completa reinvención y realmente una idea de empujar el límite y sentirse bien. Hubo un tiempo en el que estos artistas establecidos eran los que más experimentaban.
La experimentación ha estado ahora en manos de la escena underground – de lo alternativo, de las escenas independientes. La escena alternativa e independiente de bandas que realmente están experimentando pero que quizás no tienen muchos medios para hacerlo. Es lo que podemos llamar en francés algo llamado bricolage – lo que significa que tratas de experimentar con lo que tienes, incluso si tienes algunos medios limitados.
Pero el tiempo de la experimentación ambiciosa con algunos medios en esta idea de una superproducción experimental en la música parece haber pasado hace mucho tiempo. Y definitivamente no somos el – no hemos sido el artista que más vende pero sentimos que lo somos hoy. Hemos sido artistas establecidos, y queríamos aprovechar la oportunidad de intentar experimentar – o devolver el sentido de la ambición, de la ambición artística al intentar experimentar y hacer algo que no existe en un momento determinado. Nos gustaba la idea de hacer algo que nunca habíamos hecho y que nadie estaba haciendo ahora.
Suena como si, con la canción «Doin’ It Right», que cuenta con la participación de Panda Bear, os estuvierais planteando la cuestión, esencialmente, de que si lo estáis haciendo bien, la gente seguirá bailando. ¿Pero es con cierta aprensión? ¿Estáis nerviosos por cómo será recibido el álbum?
GUY-MANUEL DE HOMEM-CHRISTO: No creo que estemos realmente preocupados por… quiero decir, no podemos… estamos preocupados, pero desde el principio hicimos música sólo Thomas y yo en un pequeño dormitorio y simplemente nos divertimos y todavía nos divertimos. Y eso es lo principal – eso es lo que nos gusta hacer y eso es lo que ha sido durante 20 años.
La magia – podemos tratar de capturar la magia – la música que sale de los altavoces. Esa chispa de magia que podemos conseguir a veces es justo lo que buscamos y si funciona mientras estamos en el estudio los dos, entonces pensamos que tal vez podamos compartirlo con el público. Y así ha sido desde el principio.
Así que la principal prioridad para nosotros es estar contentos con lo que hacemos, ¿sabes? Y nos aseguramos de que el resultado, con una prueba de tiempo, que las canciones que estamos haciendo siguen siendo relevantes después de unos meses o unas semanas para nosotros, y si seguimos siendo felices después de ese tiempo entonces lo compartimos con la gente.
Pero nunca hemos – lo peor para nosotros sería sacar una música que no validamos totalmente. Por eso desde el principio trabajamos con una compañía importante, pero al mismo tiempo hemos sido productores de nuestra música e independientes.
La gran diferencia con Random Access Memories y quizá con Tron es que decidimos compartir la experiencia de hacer música con un equipo más grande. No somos músicos realmente hábiles. Quiero decir, yo puedo tocar un poco la guitarra. Thomas puede tocar el piano. Por una vez decidimos salir de esta habitación y no tocar los pocos loops que podíamos tocar como pobres músicos. Estamos muy contentos de ver que nuestra visión se ha mantenido y que hemos sido capaces de conseguir un montón de gente a bordo y de compartir este álbum con toda esta gente. Ver todo el entusiasmo es quizás una de las cosas que más – que más nos alegra.
Guy-Man, antes Thomas dijo que ustedes estaban tratando de hacer la música de hoy – que algo faltaba, en cierto modo. ¿Qué crees que es eso? ¿Qué es la música de hoy?
DE HOMEM-CHRISTO: La música de hoy es un montón de estilos diferentes, un montón de géneros diferentes. Como señalaba Tomás, es mucha la generada por los ordenadores, y todo está en la caja, en el portátil. Desde el principio, con nuestro primer álbum, queríamos hacer la música que quizás faltaba a nuestro alrededor – la música que queríamos escuchar.
Y es cierto que durante los últimos años, con esta música generada por ordenadores portátiles a nuestro alrededor, ya sea e-pop, EDM, incluso música pop – todos los géneros se han hecho con estos ordenadores – lo que realmente nos faltaba es el alma que puede aportar un músico. Tomamos una dirección totalmente diferente a lo que hay ahora, creo, y simplemente volvimos a trabajar con músicos. Y algunos músicos realmente buenos que han experimentado toda la gran era de los álbumes de los 70 y 80, todas las grandes obras maestras que conocemos. Creo que logramos – espero que logremos traer de vuelta algo de alma y emoción.
Así que no es la música de hoy o la música del futuro o del pasado. Algunas personas pensarían que es una especie de retro para trabajar con estos chicos y tener este tipo de, como, disco o funk, pero para mí es sólo poner de nuevo un poco de alma o un poco de vida en la música.
BANGALTER: No he dicho realmente la música de hoy, más bien la música que queríamos escuchar hoy. Es una posición muy humilde, y no estamos haciendo esto en ningún tipo de juicio basado en lo que escucharíamos, ¿sabes?
Es un enfoque muy subjetivo, personal e instintivo como músicos de decir: «No queremos reemplazar lo que hay; sólo queremos ampliar las posibilidades.» Hay una cierta artesanía en la grabación de música en estudios que está desapareciendo poco a poco y pensamos que tal vez era algo triste que esta artesanía desapareciera.
Estas técnicas que se han desarrollado a lo largo de – tal vez desde el comienzo del audio grabado a finales del siglo XIX durante 60, 70, 80 años, hasta la cúspide de la calidad de los archivos de audio tal vez a mediados de los años 70, principios de los 80 – estas técnicas no deberían desaparecer por completo. Era realmente un homenaje a una cierta artesanía que sentíamos que estaba desapareciendo.
¿Escuchamos algo de esto en una canción como «Lose Yourself to Dance»? Tiene esa cualidad que buscabais? ¿Una especie de calidez y una especie de principio de placer?
BANGALTER: «Lose Yourself to Dance» es probablemente el tema más sencillo desde el punto de vista de la producción en el disco, donde tiene la menor cantidad de elementos. Pero al mismo tiempo, sentimos que tiene esta calidad que buscamos porque no hay instrumentos electrónicos en ella o baterías electrónicas. El único elemento electrónico es la voz del robot, que es un vocoder.
Pero toda la fantasía que teníamos, y todo el sueño que teníamos, era si podríamos seguir haciendo, o podemos seguir haciendo, hoy en día, música de baile sin una caja de ritmos?
No sabíamos realmente si era posible. Sólo la idea de tener a John JR Robinson, que es uno de los mejores jugadores, bateristas en el mundo – el baterista más grabado, creo, en la historia de la música pop – tenerlo con su groove sólido y con Nathan East, este increíble bajista y luego Nile en su guitarra haciendo magia y Pharrell cantando y nosotros con los vocoders cantando con él – es un diseño muy simple, pero es extremadamente humano.
Eso es lo que estábamos tratando de crear – música de baile casi creada de una manera acústica. Guy-Man dijo que se trata de divertirse; la música trata de hacerte sentir bien. También se trata de tener un punto de vista fuerte y tal vez hacer algún tipo de declaración, cualquiera que sea la declaración puede ser o será.
Nos pareció que, al seguir este camino y trabajar con músicos y hacer esto acústicamente y tomarse el tiempo de grabar todo desde cero -sin usar ningún banco de sonidos, ningún preajuste, ningún instrumento virtual, usando capas de palmas y tomándose el tiempo de grabar las palmas durante cuatro minutos, o usando un shaker y grabando el shaker durante cuatro minutos y sin depender de la tecnología de usar estos bancos de sonidos- parecía que era una declaración que estamos tratando de hacer de una manera muy genuina con mucho entusiasmo y divirtiéndonos.
Los ordenadores quizás nos ayuden y puedan hacer la música en lugar de nosotros y podamos convertirnos en estos sobre-escritores, pero realmente no sentimos que ahí esté la diversión. La diversión es hacer la música real y no depender totalmente o depender principalmente o fuertemente de la tecnología. No tiene nada – de nuevo – nada de juicio, pero para nosotros era más divertido y más desafiante hacerlo de esta manera porque en realidad es mucho más difícil.
Estáis hablando mucho de devolver la humanidad a esta música, y al mismo tiempo una gran parte de vuestra persona es la idea del robot. Siempre estáis en público con los cascos para que la gente no sepa qué aspecto tenéis; el uso de los vocoders y las voces robóticas en las canciones. Parece que es lo contrario, realmente, de lo que estáis intentando hacer aquí.
BANGALTER: Lo es y no lo es. La ficción y la historia, es sobre estos robots. Dirigimos una película experimental hace unos siete u ocho años que se llamaba Electroma y que seguía la historia de estos dos robots que están en el desierto y que de alguna manera intentaban desesperadamente convertirse en humanos. Y eso es tal vez lo que de alguna manera es la historia de este disco, la historia de estos androides o estos robots o estos vocoder, voces robóticas que están tratando de sentir una emoción. O intentando que su lado robótico vaya hacia la humanidad en un mundo en el que los seres humanos van poco a poco hacia la tecnología y hacia esta idea de los robots, ¿sabes?
Es quizá algo que sentimos, que es que somos dos robots que intentan convertirse en humanos. Así que se encuentra a medio camino; tiene esta especie de calidad de cyborg y droide, pero parece que es una historia que tiene algo de emoción con ella. Porque se trata de la inteligencia artificial en cierto sentido, pero de la misma manera que si tienes a HAL, ya sabes, en 2001 – una entidad artificialmente inteligente que es muy elegante y que tal vez sabe – es tan inteligente que sabe que no es un ser humano. Aquí no se trata del lado de la inteligencia, sino del lado emocional. Un robot que está triste porque no puede sentir, o algo así. Así que es casi esta paradoja.
Pero siempre ha sido para nosotros sobre la interacción entre la tecnología y la humanidad, y no podríamos haber hecho nuestro proyecto, definitivamente, sin la tecnología. Como dijo Guy-Man, somos músicos pobres en términos de intérpretes.
Inicialmente creamos la música con cajas de ritmos y samplers y tomando pequeños trozos de discos, pero también usando sintetizadores. Lo que somos es productores y compositores. Siempre intentamos tener un sentido de la melodía y la armonía y cosas que sentimos que somos capaces de manejar. Pero a nivel de producción, es cierto que nos apoyamos totalmente en la tecnología. Eso no significa que no podamos en un momento dado mirar a la tecnología y quizás no decidir glorificarla.
Vivimos y somos totalmente adictos y estamos totalmente conectados a la tecnología nosotros mismos, pero nos interesaba, de nuevo, sostener una cierta artesanía que quizás existía antes de la tecnología y que pensamos que no debe desaparecer del todo y tiene derecho a coexistir con la tecnología actual.
Y esta coexistencia y esta idea de mezclar ambas cosas es lo que nos entusiasma del futuro, de conseguir lo mejor de ambos mundos y combinar los superpoderes de los procesadores informáticos con ideas y cosas reales y reales.