Dahi trabajó en 3.15.20 de forma intermitente durante más de dos años. Habló con Rolling Stone sobre la importancia de sentarse con las canciones durante mucho tiempo antes de sacarlas a la luz y cómo -en su opinión- 3.15.20 es como un viaje en alfombra mágica.
¿Cómo te atrajo la idea de trabajar con Glover?
Conocía a los chicos, pero no había conocido a Donald. Conocía a su mánager, Fam , desde hace años, y a Ludwig también desde hace cuatro, cinco, incluso seis años. Ludwig y yo habíamos trabajado en algunas cosas para Black Panther y para Creed cuando él estaba componiendo para esa película.
Fam estaba como, ‘Realmente quiero tenerte con Donald y tratar de hacer que algo suceda’. Nos vinculamos hace unos dos años y medio. Cuando finalmente nos metimos en el estudio, fue un encuentro de mentes. Siempre estoy orientado a los proyectos. Quiero estar ahí en el viaje cuando pueda; siempre busco oportunidades para formar parte del álbum de alguien en el sentido de todo el conjunto. Al principio nos encerramos durante unas semanas. Pero luego pasó a ser simplemente estar por ahí. Entonces empiezas a pensar realmente en lo que estamos tratando de lograr y conseguir. Cualquiera que sea el mensaje que se intente hacer, yo estoy ahí para ayudar a que suene bien. Ese era mi papel. Deberíamos probar esto, deberíamos empujar aquello, deberíamos retirar esto.
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¿Cuál era el mensaje que pretendías?
He estado más o menos en el estudio con él de forma intermitente durante los últimos dos años y medio. Ludwig ha venido en diferentes momentos; también está trabajando en algunos proyectos cinematográficos locos. Podemos escribir una canción, dejarla de lado y volver. Probamos algunas cosas, las dejamos de lado y volvemos. Hay algunas canciones que tenemos desde hace mucho tiempo. Hemos vivido con ellas: «Esto parece que puede durar un tiempo, puede ser algo que no puedes marcar el tiempo». Eso es algo que perseguíamos. Una sensación de «he escuchado esto antes», pero no puedes decir «esto es de los 60, de los 70, de los 2000»
Queríamos que el sonido tuviera algo cálido, algo familiar. También queríamos no enfrascarnos en dar éxitos a la gente y hacer esta gran cosa. Una gran parte de esto es la comunidad. Queremos que sea un álbum que puedas compartir con tu abuela y un álbum que puedas compartir con tus hijos. Puedes incluir a tu familia en él. Ese era más el objetivo que «hacer un single».
Varias de estas canciones han estado flotando durante un tiempo.
«Algorhythm» ha estado por ahí. La interpretó en su última gira. Esa fue una que se sintió como el principio o el final de algo. «Time» lleva mucho tiempo rondando – creo que empezamos con esa idea la primera sesión en la que nos metimos y trabajamos juntos.
Estoy tratando de pensar en los títulos pero luego obviamente estas canciones no tienen título. El disco «Summer» es viejo. El disco que es como «¿por qué ir a la fiesta?» a capella , ese es un disco más antiguo, aunque lo modificamos con el tiempo, le añadimos algunas cosas. Así que casi la mitad del disco son discos que hemos tenido y con los que hemos estado sentados.
Para mí es bueno saber que los discos pueden vivir más allá de un momento. A veces te emocionas con algo, suena genial, pero el momento pasa, el tiempo y el espacio en el que vives cambia, y entonces no suena tan bien. He vivido con este material durante mucho tiempo. Pero sigo escuchando el disco.
¿Cómo evolucionaron las canciones a medida que te sentabas con ellas?
Todo el proceso para nosotros fue la mermelada. Para «Time», se me ocurrieron algunas ideas de melodías de acordes. Ludwig vino y empezó a escribir cambios en la progresión de acordes. Donald vino y puso algunas ideas iniciales. El comienzo de ese disco es totalmente diferente al de ahora. Era mucho más sombrío, mucho más pesado. Pero siempre me gustaron las letras, la idea de que las cosas fueran muy definitivas.
Empezamos a dejar que otras personas escucharan el disco, que lo tocaran. Queríamos cambiar el surco de la batería, y mi chico Chukwudi vino y dio algunas ideas locas para la batería. Luego Ludwig reimaginó los acordes, hizo que sonara un poco más brillante. Ely vino y añadió algunas líneas de sintetizador y otro cambio en la progresión de los acordes. Fue como una línea de fábrica: todo el mundo lo tocó en diferentes momentos y le añadió algo hasta que llegó al punto en el que está ahora.
Es probablemente el disco del que estoy más orgulloso. Es la primera canción que hice junto a Donald. No estaba en el álbum, luego estuvo, cambió, volvió – significó algo para el proyecto.
¿Estás acostumbrado a trabajar así?
Trabajar en este álbum fue diferente: la música siguió evolucionando. Y esta fue la primera vez que tuve la oportunidad de trabajar intensamente con un montón de músicos con talento. Tienes una idea inicial, y te sientas con ella durante un tiempo, y había tanta musicalidad en esto que las cosas siguieron evolucionando hasta el punto de que era como si no pudiera haber imaginado que fuera así. Las ideas nunca se terminan hasta que las abandonas. En este caso, seguimos intentándolo.
Algunas de estas canciones cambian de modo: «12:38» pasa del funk seductor a 21 Savage hablando del acoso policial, y «24:19» comienza con un tono bajo y termina como un ataque de ansiedad.
«12:38» también fue algo que evolucionó. Teníamos una idea inicial del ritmo y Ely tenía unos buenos acordes. A mí me pareció que este era un disco sencillo y agradable si lo hacíamos bien. Pero durante un tiempo no supimos para qué servía. Khadja Bonet vino y cantó algunas partes para otro disco, y luego fueron cortadas y puestas en este disco. Acabó teniendo una especie de energía como la de The Love Below: funky, extraña, pero que sienta bien. Se dejó de lado. Pero entonces Donald empezó a averiguar lo que quería decir en el disco. Tuvimos la estrofa 21 durante un tiempo. Ink era un compositor que vino sólo para ayudar a escribir en el disco. Nos tomamos nuestro tiempo. Probamos esto, probamos aquello. Eso está en el rango de año y medio.
Cuando se lo explico a los chicos, al equipo, siempre digo que el disco se siente como un viaje global. Te sientes como si estuvieras en diferentes partes del mundo. En mi imaginación, estás en una alfombra mágica, volando sobre diferentes partes del mundo. Escuchas la conversación de alguien: «Vale, genial, déjame volar a este país». Entonces vas aquí. Luego vuelves atrás en el tiempo. Las cosas de transición son parte de eso. Sólo tienes que seguirlo y llegar a ese punto final.
¿Crees que hay una razón artística para las marcas de tiempo? ¿Para enfocar todo el álbum?
Esa es una pregunta que hay que hacerle a Donald, sin duda. Pero en cuanto a los objetivos, siempre se trata del conjunto. La forma en que interpretamos y escuchamos la música ahora es muy, «Puedo cambiar esto ahora si no me gusta». Es más fácil cambiar algo. Queremos que la gente al menos se sienta con las canciones. No se trata de la separación de las canciones, sino del conjunto.
«32:22» destaca en esto – es más abrasiva que todo lo que la rodea.
La forma en que la describo es si entraras en algún pueblo, una comunidad tribal de gente que nunca habías visto u oído pero que estabas observando. Esa canción se supone que es una visión de una celebración espiritual de algún tipo. Ir a un lugar, experimentar algo, no sólo decir: «No lo entiendo, no lo comprendo». A veces es bueno estar en una situación incómoda. Esa canción, para mí, hace eso. Siempre me encantó porque no suena como algo que alguien está haciendo específicamente. Es una experiencia tribal que no podemos escuchar en nuestro mundo pop de la música. Y sólo hay unos pocos artistas que pueden salirse con la suya. Donald puede hacerlo. Para muchos artistas, hay reglas: no puedes hacer ciertas cosas. Pero él es capaz de aprovechar algo que otros no pueden. Esta es una – no sé dónde nadie más va a intentar esto.
Es probable que la mayoría de la gente tampoco intente la siguiente canción, que comienza con mugidos de vacas.
De nuevo, no sé quién más va a hacer ese disco, con la música de sonido de granero de patio trasero muy feliz, la guitarra agradable, pero luego está hablando de algunas referencias a las drogas. ¿Qué está pasando? Es este espacio incómodo en el que nos metemos. Se siente muy personal, y es él quien lo hace. No puedo pensar en otro artista que pueda ocupar ese espacio y sentirse genuino.
Eso es lo interesante para mí: Trabajar con alguien que puede, muchas veces, hacer lo que quiera. Muchos artistas no tienen esa oportunidad. Tienen que quedarse con la narrativa de «soy esto». Realmente no he trabajado con un artista así: «No tengo que hacer este tipo de disco». Ciertos artistas conocen su pan y mantequilla. Quiero estar en un espacio donde lo amas o lo odias. Las otras etapas de hacer canciones me parecen aburridas. No me gusta quedarme en el medio. Todo el mundo suena seguro. Eso está bien para otras personas, no lo estoy odiando. Simplemente no me gusta sentarme en ese espacio. Y yo y realmente conectar en esa idea. Vamos a probar algunas cosas.
¿Sabías que iba a subir el álbum durante 24 horas y luego quitarlo?
No sabía nada de eso. Con el lanzamiento del álbum de la forma en que se hizo, se confundía la idea de un lanzamiento tradicional. Pero por ahora tiene sentido. El objetivo principal es que la gente se sienta con él, que entienda los sabores. Es difícil conseguir esos momentos de la gente. Este es el único momento en el que nadie puede ir a ninguna parte. Así que siéntate con esto.