El 6 de julio de 2019 se cumplen 25 años del estreno de Forrest Gump. En su momento fue la cuarta película más taquillera de la historia, vendiendo 78 millones de entradas en la taquilla nacional. Fue nominada a trece Oscars y ganó seis. La cinta VHS y la banda sonora de dos discos se convirtieron en elementos básicos de los hogares estadounidenses.
Ya es hora de que se analice la influencia de la película. Para bien o para mal, la película es el lugar donde muchos de nosotros aprendimos lo que no llegamos a aprender en clase de historia, desde la desegregación hasta Vietnam y la epidemia del SIDA. Es una película que nos enseñó a muchos de nosotros lo que significa tener una historia, e inspiró a algunos a convertirse en historiadores. La película fue y sigue siendo una poderosa pieza de narración histórica.
Contingente ha reunido a seis historiadores para que reflexionen sobre lo que Gump significa para ellos.
Casey Green
A petición de mis alumnos de secundaria, recientemente vi Forrest Gump con mi clase de Historia de la Discapacidad. Aunque la película se estrenó seis años antes de que ellos nacieran, estaban deseando verla, pero yo tenía mis dudas. Por lo que recordaba de mi último visionado, diez años antes, la película era un cuento moralista de mano dura en el que el personaje principal, con discapacidad intelectual, se presenta como un éxito a pesar de sí mismo y de su discapacidad. Sin embargo, cuando la volví a ver con mis alumnos, descubrí que la película tenía una representación más compleja de la discapacidad de lo que recordaba.
Por supuesto, mi memoria no era completamente defectuosa: hay muchos aspectos problemáticos en la representación de la discapacidad en la película. Mis alumnos observaron que casi todas las bromas se hacen a costa de Forrest. Es su incomprensión la que le sitúa de forma hilarante en el primer plano de varios momentos históricos. Su historia también personifica la narrativa del porno inspirador. Supera su discapacidad para convertirse en un héroe de guerra, un capitán de barco camaronero y un padre. El teniente Dan, en cambio, es el cojo enfadado por excelencia.
Sin embargo, mis alumnos profundizaron en la película y encontraron varios aspectos positivos. Se dieron cuenta de que Forrest Gump muestra una variedad de discapacidades. Forrest tiene claramente una discapacidad intelectual, pero también tiene un impedimento físico -sus piernas ortopédicas- cuando era niño. La falta de piernas del teniente Dan es la discapacidad física más evidente de la película, pero el sida de Jenny también es discapacitante. De hecho, a principios de la década de 1990, los enfermos de sida luchaban por obtener protecciones en el marco de la recién aprobada Ley de Estadounidenses con Discapacidades.
Además, la película tiene representaciones positivas de los discapacitados y sus familias. Por ejemplo, la Sra. Gump hace todo lo posible para que Forrest sea integrado en las escuelas locales, reflejando la lucha por la integración educativa llevada a cabo por los padres de niños discapacitados en la década de 1950. El momento triunfal del teniente Dan, cuando maldice el huracán y luego nada en el océano, complica la narración de la cripta indefensa. La complejidad de la discapacidad me sorprendió y me hizo apreciar más la película. Teniendo en cuenta esto, y el debate que fomentó entre mis alumnos, pienso volver a utilizarla en clase.
Casey Green es candidata al doctorado en historia en la Universidad de Connecticut, donde estudia la discapacidad y el género en la Nueva Inglaterra colonial. También es profesora asociada en la Escuela de Matemáticas, Ciencias y Artes de Luisiana, donde imparte cursos de historia y gobierno americanos.
Don Polite Jr.
«El camarón es el fruto del mar»
Así lo afirma Benjamin Buford «Bubba» Blue en una de las escenas más memorables de Forrest Gump. Cuando Forrest sube al autobús que le lleva al entrenamiento básico del ejército, sólo encuentra un alma dispuesta a compartir su asiento: Bubba. A partir de ahí, Forrest y Bubba se hacen amigos, y su amistad sirve como uno de los arcos emocionales clave de la película.
Después de la muerte de Bubba en la guerra de Vietnam, Forrest mantuvo vivo su recuerdo y su amistad con la eventual fundación de la Bubba Gump Shrimp Company, que ha inspirado una cadena de restaurantes en la vida real. La génesis de Bubba Gump Shrimp es la lista de Bubba de veintiún formas diferentes de preparar las gambas.
Ya se llame «comida del alma» o «cocina sureña», gran parte de la cocina de Estados Unidos puede remontarse a los cocineros negros. La película aborda brevemente esta historia con un flashback que muestra a la abuela y a la bisabuela de Bubba sirviendo platos de gambas a hombres blancos de aspecto adinerado. Se da a entender que su bisabuela era esclava, y que el hombre blanco que come su plato era su esclavizador.
Aunque los esclavizados eran entrenados para preparar elaborados festines para sus dueños, les daban restos para su propia alimentación, como raciones de maíz mezclado con semillas de algodón. El resultado fue un ingenio culinario forzado. Muchos de los platos «sureños» contemporáneos, desde el bog de pollo hasta el hash, son el resultado de los esfuerzos de los esclavizados por hacer comidas con las sobras.
Después de enumerar las veintiuna recetas de camarones, Bubba termina diciendo: «eso es todo». Pero lo que describió no fue sencillo. Las gambas se convirtieron en un elemento básico de la familia Blue de la película porque eran un recurso barato y accesible. La familia de Bubba hizo lo mismo que muchas generaciones de familias negras en Estados Unidos: aprovechar al máximo un recurso limitado. En el proceso, Bubba y la familia Blue ofrecieron una demostración de arte culinario negro, por medio de los camarones – «el fruto del mar».
Don Polite Jr. (@Polite_DPJ) es candidato a doctor en historia en la Universidad de Carolina del Sur, donde estudia los sistemas superpuestos y que se refuerzan mutuamente de Jim Crow y el imperio estadounidense en Puerto Rico.
Zachary Lechner
Al igual que las otras décadas que retrata, Forrest Gump ofrece una versión de la década de los sesenta que avanza una visión archiconservadora de la política radical de la época. Una escena que encarna estos dos elementos problemáticos tiene lugar cerca de la mitad de la película, después de que Jenny y Forrest se reúnan en una manifestación contra la guerra en Washington, D.C.
En una reunión de Panteras Negras, los dos se reúnen con el novio de Jenny, Wesley. Es una caricatura del radicalismo político: presidente de la sección de Berkeley de los Estudiantes por una Sociedad Democrática, ataviado con gafas de abuelita y un excedente de abrigo del ejército y pronunciando los eslóganes apócrifos habituales en las imaginaciones populares de los años sesenta. «¿Quién es el asesino de bebés?», pregunta al ver al uniformado Forrest. En apenas unos segundos, la película ha caracterizado a Wesley -y a la Nueva Izquierda que representa- como grosero, arrogante y privilegiado.
El tratamiento que la escena da a las Panteras es aún más simplista; al igual que Wesley, son completamente unidimensionales, y aún más estridentes. Una Pantera sin nombre, interpretada por Michael Jace, expresa los mensajes antirracistas y antiimperialistas de su organización de forma convincente, pero en la escena, su mensaje es tratado como ruido de fondo. Mientras grita cosas como: «Estamos en contra de cualquier guerra en la que los soldados negros vayan a luchar y vengan a ser maltratados y asesinados en sus propias comunidades mientras duermen en sus camas por la noche», la cámara se aleja rápidamente para centrarse en la preocupación de Forrest por la creciente discusión de Wesley y Jenny.
Estos revolucionarios negros no son más que un escaparate que ayuda a ilustrar la creciente pérdida de inocencia de Jenny (la inocencia de Forrest, en cambio, parece invulnerable). Sin un contexto histórico para los Panthers o su militancia, el público de la película no puede evaluar los méritos de las posiciones del grupo, un encuadre que recuerda a la cobertura de la prensa de los años 60 que se fijaba en la belicosidad de la retórica de los Panthers pero prestaba poca atención a su sustancia.
En caso de que el mensaje de la película de que los miembros de la izquierda de los 60 estaban demasiado enfadados -y posiblemente fuera de control- no quede claro para nadie que lo esté viendo, Wesley abofetea a Jenny, provocando una paliza de Forrest mientras la interpretación de «Hey Joe» de Jimi Hendrix Experience suena en la banda sonora. (Más tarde, ocultando su misoginia con una fingida frustración política, Wesley culpará de sus abusos a «esta guerra y a ese mentiroso hijo de puta de Johnson»)
Para dejar claro que la izquierda -negra o blanca- no debe ser tomada en serio, al final de la escena, justo antes de que él y Jenny abandonen a los Panthers con cara de piedra y armados, la película se ríe. «Siento haberme peleado», dice Forrest, «en medio de tu fiesta de las Panteras Negras».
Zachary J. Lechner (@ZacharyLechner) es profesor asistente de historia en el Thomas Nelson Community College y autor de The South of the Mind: American Imaginings of White Southernness, 1960-1980.
Joe George
Imagina que eres un soldado en Vietnam. Kilómetros de espesa selva; tus botas chapoteando en el barro; el olor a gasoil quemado. Ahora, ¿cuáles son los sonidos que acompañan a tu patrulla? ¿Oyes «Fortunate Son» de Creedence Clearwater Revival? ¿Qué tal la versión de Jimi Hendrix de «All Along the Watchtower»?
Debido a su uso en películas como Forrest Gump, canciones como éstas se han convertido en parte de la memoria cultural de los estadounidenses sobre la guerra de Vietnam. Hasta el estreno de Gump, Vietnam sonaba a menudo como «Ride of the Valkyries» de Wagner, gracias a su papel en Apocalypse Now. La banda sonora de Forrest Gump, sin embargo, incorporó Vietnam a una oda musical más amplia a la nostalgia del Baby Boomer.
En Forrest Gump, experimentamos la historia como una lista de reproducción. La película nos transporta desde el éxito de la era Eisenhower de Elvis Presley «Hound Dog» hasta el himno contracultural de The Mamas and the Papas «California Dreamin» y el soft rock de finales de los 70 de «Go Your Own Way» de Fleetwood Mac. Los malos momentos se calman con un buen ritmo, y los buenos momentos están a un salto de pista.
La banda sonora de la película ayuda incluso a los efectos visuales. El director Robert Zemeckis alteró famosamente imágenes históricas para crear escenas en las que Forrest interactúa con personajes como Lyndon Johnson, Richard Nixon y John Lennon. Mientras que la presencia de Hanks como estrella de cine y la inconsistente sincronización de los labios nos recuerdan lo que realmente estamos viendo, la música nos ayuda sutilmente a suspender nuestra incredulidad. Mientras Gump le da la mano a LBJ, suena de fondo «Mrs. Robinson», animándonos a fusionar elementos dispares de nuestra memoria colectiva.
La música nos adormece para que aceptemos la realidad de la película. Con cada visionado (y escucha), nos adentramos en un pasado imaginario en el que la guerra y Forrest Gump y la contracultura y Jenny y el ping-pong conviven entre sí.
Joe George (@JAGeorgeII) es profesor de literatura en la Universidad Estatal Técnica de Agricultura de Carolina del Norte & y miembro de la Asociación de Críticos de Cine de Carolina del Norte. Puedes encontrar más de su trabajo aquí.
Jazmin Benton
A pesar de los esfuerzos de algunos grandes profesores, nunca fui una estudiante especialmente buena de historia. Sin embargo, algo sucedió en Estudios Sociales de 8º grado que más tarde daría forma a mi relación con el pasado. Mi profesor proyectó Forrest Gump en clase.
Aunque no estaba prestando mucha atención, adelantó cada escena de sexo y fue capaz de pulsar MUTE justo antes de cada mala palabra. ¿Cuántas veces había visto la película? ¿Qué otras fábulas históricas había disfrutado?
Esto es lo que me enseñó Forrest Gump: toda la historia blanca es fanfiction.
Algunos fanfic, por supuesto, se basan más en los hechos que otros. Pero cualquier comprensión que tengamos del pasado ha sido interpretada y formada por testigos, archiveros y estudiosos, incluso por nuestros propios viajes personales. Pensemos en cuánto tiempo creímos que George Washington tenía dientes de madera porque fuimos incapaces de contar con la podredumbre en la fundación de nuestra nación.
Forrest Gump no existió. No vivió la integración forzada de la Universidad de Alabama. Pero Vivian Malone sí, al igual que tantos otros cuyas historias de integración no se registraron en la medida de la de Malone. Eso no significa que debamos ignorarlos. Al fin y al cabo, la tarea de la historia negra es tomar una migaja de información y convertirla en alimento. Extrapolamos, teorizamos, proyectamos. Este trabajo es válido.
Forrest Gump me enseñó que toda la historia blanca es fanfiction. Y yo también puedo hacerlo.
Jazmin Benton es estudiante de doctorado en estudios visuales en la Universidad de California, Santa Cruz.
David Parsons
Forrest Gump no sabe qué hacer con los años 70. Para ser justos, los historiadores tampoco, pero es especialmente obvio en una película que funciona como una especie de «grandes éxitos» de la experiencia histórica de la generación Boomer. En los 50, tenemos a Elvis y los derechos civiles; en los 60, Vietnam y los hippies enfadados. ¿Y luego qué?
¡Qué tal un montaje! En algún momento de mediados de los 70, tras soportar una serie de tragedias personales, Gump decide levantarse de su porche y correr. A continuación, tenemos una secuencia en la que corre de un lado a otro de los Estados Unidos durante años, alcanzando el estatus de héroe popular y un seguimiento de culto a pesar de no dar ninguna explicación para su aparentemente interminable carrera.
¿Por qué corre Forrest? Por qué le siguen tantos estadounidenses? La película se hace eco de una narrativa central de los Boomers, expuesta con mayor claridad en el artículo de Tom Wolfe de 1976 «The Me Decade and the Third Great Awakening» (La década del yo y el tercer gran despertar): que el cataclismo de los años sesenta había dejado a los estadounidenses sintiéndose perdidos, incapaces de aceptar los acontecimientos traumáticos que habían conformado su juventud. Según Wolfe, cuando los Boomers entraron en la treintena se replegaron sobre sí mismos, buscando respuestas no en la acción colectiva sino en la transformación personal. Descubrieron el yoga, la meditación, el vegetarianismo y otras formas de superación personal. El footing al aire libre se convirtió en un fenómeno nacional. Tanto Tom Wolfe como Forrest Gump intentan retratar esta búsqueda de sentido como algo bondadoso, aunque un poco tonto; pero esto desmiente el conservadurismo en el corazón del retiro de los Boomer.
Forrest nos dice, reflexionando sobre su carrera a campo traviesa años más tarde, «Pensaba mucho en mamá y en Bubba y en el teniente Dan. Pero, sobre todo, pensaba en Jenny. Pensaba mucho en ella». Atribulado por los recuerdos de mamá (la generación anterior), de Bubba (el racismo y los derechos civiles) y del teniente Dan (la guerra de Vietnam), Gump se centra, en cambio, en una imagen de monogamia heterosexual como camino hacia el futuro.
El conservadurismo de la búsqueda de Gump queda aún más claro cuando finalmente deja de correr y explica a sus seguidores: «Estoy bastante cansado. Creo que ahora me iré a casa». Es una apología de la retirada de la generación Boomer de los ideales comunitarios de los años 60: lo intentamos, fracasamos, nos cansamos y nos fuimos a casa. Monument Valley, el icono cinematográfico del Oeste, aparece de fondo, como si dijera que la vuelta a casa de Gump es un reconocimiento de que ya no hay fronteras.
La película termina con Gump subiendo a su hijo al mismo autobús escolar en el que viajaba de niño, devolviéndonos a una segura imagen nostálgica de los años 50, antes de que Vietnam y los derechos civiles y la liberación de la mujer nos destrozaran a todos. Ronald Reagan es presidente. Vuelve a ser de día en América. Tras años de huida, por fin hemos vuelto al punto de partida.
David Parsons (@davidlparsons) es profesor adjunto en el sur de California, autor de Dangerous Grounds: Antiwar Coffeehouses and Military Dissent in the Vietnam Era, y anfitrión del podcast The Nostalgia Trap.
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