Un aspirante a compositor me hizo recientemente varias preguntas intrigantes: «¿Qué habilidades necesito para escribir canciones? ¿Necesito saber leer y escribir música? ¿Tocar el teclado o la guitarra? ¿Cantar afinadamente?». Siguió preguntando qué habilidades adicionales necesitaría para grabar maquetas y colaborar con éxito con otros compositores.
Echemos un vistazo a las habilidades que se necesitan -y las que no se necesitan- para escribir y grabar canciones con éxito.
¿Necesitas saber tocar la guitarra o el teclado?
Cuando me inscribí en mi primer taller de composición en 1980, mis habilidades como guitarrista no estaban ni de lejos al nivel de mis compañeros. Algunos de ellos eran capaces de tocar licks y riffs que parecían pertenecer al número 1 de los singles. Yo, en cambio, era autodidacta con la guitarra y la mandolina, y sólo sabía tocar los acordes más básicos. Tenía más o menos las mismas probabilidades de dominar los acordes de barra en la guitarra que de que me salieran alas. Incluir en mis canciones originales el «fa», el «fa#», el «si», el «do#» y otros acordes difíciles de tocar estaba descartado. Estaba aún más limitado con los teclados.
Pero incluso con sólo seis o siete acordes a mi alcance, descubrí que era capaz de componer melodías pegadizas. Algunos de los Keith Richards en ciernes de mi clase podían ejecutar increíbles solos de guitarra y tocar grooves increíbles, pero esas habilidades no se traducían necesariamente en melodías memorables para que las cantara un vocalista.
No estoy insinuando que los grooves y las progresiones de acordes convincentes no sean aspectos críticos de muchas composiciones exitosas. Ambos talentos pueden contribuir a convertir una canción en un éxito. Pero la capacidad de tocar un instrumento -y la capacidad de escribir melodías memorables- son habilidades completamente diferentes.
Dominar los teclados o la guitarra puede ser tremendamente útil, pero no es obligatorio para quienes esperan componer melodías memorables. Yo escribí una de mis melodías más exitosas a capella, sin tocar nunca un instrumento. Canté y grabé la melodía en mi teléfono. Mientras puedas grabar las melodías que escuchas en tu cabeza, puedes averiguar los acordes más tarde -o tener a alguien que te ayude a hacerlo.
He trabajado con productores de canciones de éxito que componen pistas de acompañamiento que incluyen múltiples partes de teclado elaboradas, así como bajo y batería programados. Varios de estos talentosos compositores/productores no sabían tocar los teclados. Durante nuestras sesiones de composición, nunca tocaban un instrumento; de hecho, ni siquiera había uno en la sala. Sus composiciones se hacían únicamente dentro de sus ordenadores.
¿Se necesitan conocimientos de las estructuras básicas de las canciones y de los esquemas rítmicos?
La respuesta sencilla es «sí». Cuando empecé mi andadura como compositor no tenía ni idea de que casi todas las canciones que habían pasado a formar parte de la banda sonora de mi vida estaban construidas con versos, estribillos, puentes y, a veces, preestribillos. (Back then post-choruses were not being used.) I was equally oblivious to the fact that most popular songs were constructed by joining those elements in quite specific ways.
For example:
- Verse – Chorus – Verse – Chorus
- Verse – Chorus – Verse – Chorus – Bridge – Chorus
- Verse – Verse – Bridge – Verse
- Verse – Verse – Bridge – Verse – Bridge – Verse
Similarly, I had no clue that rhymes were typically included in prescribed places.
For example:
In a 4-line section there are two places where we typically find rhymes:
- lines 2 and line 4 -or-
- lines 1 & 2 and lines 3 & 4
While there are several popular variations in song forms and rhyme schemes, these are the basics. La mayoría de los oyentes no son conscientes de las formas de las canciones ni de los esquemas de rima, pero se han pasado toda la vida escuchándolas en la radio, así que cuando una canción no se adhiere a las estructuras típicas o a los esquemas de rima, algo parece estar mal.
Ciertamente hay ejemplos de canciones exitosas que varían de las formas esperadas. Pero lo mejor es aprender los fundamentos y luego desviarse de ellos, si así lo decides, basándote en una decisión creativa, no porque no seas consciente de que te estás desviando de lo que los oyentes esperan. La buena noticia es que, con tan pocas estructuras de canciones y esquemas de rima de uso común, estas herramientas pueden dominarse rápidamente.
¿Necesitas ser capaz de cantar afinado?
Los compositores necesitan ser capaces de sacar las melodías vocales que escriben de sus cabezas y llevarlas a una grabación. Con el uso de programas de autoafinación, las voces pueden ser fácilmente afinadas a la perfección. Para aquellos que no pueden cantar a tiempo y ejecutar los ritmos que escuchan en sus cabezas, un ingeniero de grabación experto puede utilizar programas de grabación digital para desplazar las voces (y los instrumentos) para conseguir el ritmo justo.
Aquellos que simplemente son incapaces de cantar, pueden aporrear sus melodías en un teclado u otro instrumento. Recuerda que tu objetivo no es producir una grabación digna de un GRAMMY si no eres cantante. Sólo necesitas capturar la melodía correcta para que un cantante de demostración pueda aprenderla.
¿Necesitas saber leer música?
Los cantautores y compositores no necesitan saber leer o escribir la notación musical. En la década de 1980, cuando me matriculé en el programa de composición para cine y televisión de la UCLA, pasé innumerables noches encorvado sobre el papel de notación musical (también conocido como papel de manuscrito musical o papel de pentagrama musical) hasta el amanecer, escribiendo a mano las partes que tocarían los instrumentos individuales cuando se interpretara mi composición. Ahora, con la llegada de los programas de software de notación musical, sólo tenemos que tocar una composición en un teclado. El ordenador puede hacer el resto, generando partituras -notación musical- que expresan lo que se ha tocado.
En los últimos veinte años, nunca me han pedido una partitura, ni conozco a ningún otro compositor al que se lo hayan pedido. Mi opinión es que pocos de los músicos que tocan en mis maquetas -y aún menos ejecutivos del negocio musical- serían capaces de leerla. A menos que te lo pidan, incluir las partituras al presentar una maqueta a un editor musical, a otro profesional de la música o a un sello discográfico equivale a estampar tu presentación con tinta roja: «AMATEUR». Sencillamente, no se hace.
Sin embargo, es necesario proporcionar tablas que incluyan los acordes y cualquier notación rítmica crucial a los músicos que graben tus canciones. Si no eres capaz de crear una tabla de acordes precisa, tendrás que contratar a alguien para que lo haga por ti. Si conoces los acordes de tu canción, sólo necesitas que alguien los ponga en forma de tabla de acordes. En muchos casos, un músico contratado en tu sesión lo hará por ti, pero es importante programar esto de antemano.
Sin embargo, si has escrito tu canción a capella y no eres capaz de averiguar los acordes, puedes contratar a alguien para que armonice tu melodía vocal, es decir, que te proporcione los acordes. En estos casos, es fundamental determinar por adelantado si se trata de una colaboración. En gran medida, esto vendrá determinado por el género musical y su ubicación.
Antes de preparar una tabla de acordes, pregunte si sus músicos prefieren una tabla estándar que utilice nombres de acordes (como «Do» o «Sib») o el «Sistema numérico de Nashville», que utiliza números en lugar de letras.
¿Qué habilidades se necesitan para grabar una demo?
En el mundo actual, los músicos casi siempre crean sus propias partes en las grabaciones en las que tocan. Por ejemplo, no le decimos al bajista las notas exactas que queremos que toque. Describimos la forma en que queremos que suene y los músicos crean sus partes. Por lo tanto, las habilidades más importantes que se requieren para grabar una maqueta impresionante son la capacidad de expresar lo que quieres y la capacidad de contratar a los músicos e ingenieros de grabación que pueden ofrecer las grabaciones que imaginas.
Los músicos y vocalistas no leen la mente y aprender a transmitir lo que estamos escuchando en nuestra cabeza es una habilidad adquirida que mejora con la práctica. Cuanto más específicos seamos en nuestras descripciones, más posibilidades tendremos de conseguir una grabación que sea todo lo que esperamos y más. Decir a los músicos: «Quiero que suene como una canción country de éxito», no les da suficiente información. La música country abarca todo el espectro, desde los sonidos tradicionales de artistas como Midland y Kacey Musgraves hasta los sonidos con influencia pop de artistas como Keith Urban y Florida Georgia Line.
Será más efectivo especificar una canción que se aproxime a la instrumentación, los sonidos y los surcos que esperas capturar en tu grabación. Al decir: «Quiero que esto esté en el timón de ‘Bitch Better Have My Money’ de Rihanna», y luego tocar esa canción, tus músicos pueden estudiar y emular los sonidos y las partes musicales que se utilizaron en esa grabación, al mismo tiempo que se les ocurre algo que es distintivo y original para tu canción.
¿Qué habilidades se necesitan para colaborar?
Hay una gran variedad de habilidades que una persona puede aportar a una colaboración. Hay espacio para los que escriben sólo letras, sólo melodías, los que producen pistas de acompañamiento, y otros. Puedes ser un colaborador valioso si tu principal habilidad es la creación de licks instrumentales con gancho, la creación de grooves increíbles, la contribución de títulos únicos y frescos, o un sinfín de otras habilidades. Una de las ventajas de colaborar es que no es necesario poder hacerlo todo.
Obviamente, sería difícil para un letrista completar una canción si su coguionista también escribe sólo la letra. Por lo tanto, es importante preguntar qué habilidades aportarán tus potenciales co-escritores, para asegurarte de que escribes con colaboradores que complementan tus habilidades. Si es necesario, puedes traer a un escritor adicional que pueda aportar los elementos que necesitas.
La conclusión
Aunque saber tocar la guitarra o los teclados, y ser capaz de cantar y averiguar los mejores acordes para armonizar tus melodías son todas herramientas valiosas para aquellos que esperan escribir éxitos, no son obligatorias. Suponiendo que tengas una o más de las muchas habilidades que pueden contribuir a una gran canción, los atributos más importantes necesarios para el éxito de la composición son una actitud positiva, la capacidad de recuperarse del rechazo, ser el tipo de persona con la que la gente espera trabajar y una fuerte creencia en tus talentos y habilidades. Estos rasgos, más una buena dosis de persistencia y determinación, pueden ser las herramientas que necesitas.
Jason Blume es el autor de 6 Steps to Songwriting Success, This Business of Songwriting e Inside Songwriting (Billboard Books). Sus canciones están en álbumes nominados a los Grammy y han vendido más de 50.000.000 de copias. Ha sido profesor invitado en el Liverpool Institute for Performing Arts (cofundado por Sir Paul McCartney) y en la Berklee School of Music. Para obtener información sobre sus talleres, artículos adicionales, descargas de audio instructivo y más, visite www.jasonblume.com.