Repasando las canciones japonesas más influyentes de la década de 2010

A veces parecía que la década de 2010 era solo una larga mirada nostálgica al pasado, sobre todo en lo que respecta a las tendencias musicales.

Los servicios de streaming permiten a la gente indagar en los catálogos anteriores de la obra de un artista en cuestión de segundos, mientras que las subidas a YouTube rellenan cualquier hueco. Así, cuando el icono de la música David Bowie murió en 2016, los hijos de sus fans pudieron ponerse al día con una carrera de varias décadas en un fin de semana lleno de atracones.

Los músicos japoneses no fueron inmunes a este giro nostálgico, tomando influencia en particular de los años 80 y 90. A nivel mundial, la música pop japonesa no recibió mucha atención del extranjero. Sin embargo, los fans descubrieron y celebraron todo lo antiguo y oscuro de la música japonesa, convirtiendo los discos menores de la época de la burbuja en oro moderno online.

Dado que la música japonesa tarda en recibir un reconocimiento generalizado, imaginemos que llegamos a finales de la década de 2040. Los años 2010 están ahora tan de moda y son tan influyentes para los jóvenes del futuro como los años 80 lo han sido para nosotros. En el Japón de 2040, ¿qué joyas crees que volverán a ser desenterradas y atesoradas?

Bienvenidos a 2049

Al llegar al ecuador del siglo XXI, una celebración de lo antiguo y oscuro ha destacado como uno de los desarrollos más interesantes de la década de 2040. Todas las generaciones extraen un ayer que nunca conocieron, y los chicos de esta década pusieron su mirada en los últimos años de la Era Heisei (1989-2019).

Japón parecía no tener apenas influencia en la escena musical mundial durante la década de 2010. Pocas personas fuera del país se documentaban sobre la música que disfrutábamos entonces porque parecía totalmente desfasada de las tendencias más amplias en todo el mundo. El nuevo entusiasmo que la rodeaba en la década de los 40 se debía en parte a la emoción de descubrir lo oscuro, aunque algunos de nosotros simplemente buscábamos un buen ritmo de una época que no conocíamos de primera mano. Durante la década de 2010, Japón se definía por la cultura kawaii y las redes sociales, y, tras la devastación del Gran Terremoto del Este de Japón, era, en su mayor parte, un lugar bastante tranquilo para vivir – especialmente teniendo en cuenta la agitación que tenía lugar en el resto del mundo.

La década de 2010 vio una fascinación similar por la música japonesa más antigua. Los aficionados a la música no japonesa se adentraron en todo tipo de música, desde el pop resplandeciente hasta los discos de ambiente experimental y las versiones japonesas de la música hawaiana. Aunque nunca robó los titulares, el J-pop de la década tuvo un impacto mucho más profundo en los oyentes y creadores. Subsecciones enteras de la música electrónica trataron de recrear el sonido de Yasutaka Nakata y de los grupos que produjo, como Perfume, y microgéneros enteros de Internet evolucionaron en torno a muestras desvaídas de clásicos del pop japonés. La década de 2010 fue un apogeo para la música japonesa de la década de 1980, y la década de 2040 ha arrojado un foco similar sobre la música japonesa de la década de 2010.

Aunque muchas canciones han disfrutado de un reconocimiento renovado, los temas que siguen se encuentran entre los mayores éxitos de nostalgia de la década de 2040:

Izumi Makura: «balloon» (2012)

Los creadores de gustos y las ya extintas hypebeasts que vagaban por el paisaje de la década de 2010 buscaron sin cesar el rap japonés más cool para presentarlo al mundo. Prácticamente todos los esfuerzos en ese sentido acabaron en Kohh, un artista con talento pero tímido en los medios de comunicación cuyo punto álgido fue participar como invitado en una canción de Frank Ocean disponible sólo en forma de revista. La mayor parte del hip-hop japonés se limitó a imitar a los raperos estadounidenses del sur, muy superiores, con resultados decrecientes.

Las mujeres, en cambio, abordaron el género desde distintos ángulos en la década de 2010, e hicieron el trabajo que aún conecta con la juventud actual. Creadoras de corte pop como Chelmico encontraron espacio en el mainstream, mientras que MCs más feroces como Chanmina y Awich viajaron en espacios largamente dominados por hombres. Luego estaban las «raperas susurrantes» como Daoko, Bonjour Suzuki e Izumi Makura, cuya entrega más suave y enfoque en la vida cotidiana en sus letras ofrecían canciones como breves historias que capturaban los altibajos de la juventud de la década. Una canción como «Balloon» aborda temas intemporales como el hastío de los pueblos pequeños y la depresión, con pequeños detalles que aumentan su profundidad. El tema destacaba entonces por cómo abordaba el rap desde un nuevo ángulo, pero es relatable años después por el estado de ánimo que conjura.

Mondo Grosso: «Laberinto» (2017)

«Laberinto» sonaba fuera de lugar en la década de 2010. Ninguna de las corrientes dominantes de la música pop de la década aparece a lo largo de sus cinco minutos de duración. El productor Shinichi Osawa, más conocido por su nombre artístico, Mondo Grosso, fusionó los estruendos del deep house con el piano centelleante y las marejadas de cuerda para crear un tema a la vez cinematográfico y físico. Sobre ella, la actriz convertida en cantante Hikari Mitsushima canta sobre el intento de saborear un momento que no puede durar para siempre, pero que lo intentará igualmente. Junto con un vídeo musical ambientado en Hong Kong, que estaba a punto de impulsar su eventual independencia, «Labyrinth» sigue siendo uno de los lanzamientos más impresionantes de la década en el país, y uno que todavía puede encantar a los nuevos oídos.

BiS: «STUPiG» (2014)

Los grupos de idol pop alegres dominaron las listas de música japonesas en la década de 2010, con proyectos particularmente alegres como AKB48 y sus grupos hermanos que lo hicieron muy bien. Estos gigantes optimistas fueron lo suficientemente grandes como para inspirar a una comunidad reaccionaria de «ídolos alternativos» que, aunque operaban con un modelo de negocio similar, producían música mucho más interesante, que iba desde la teatralidad hiperactiva de Dempagumi.inc hasta los retrocesos autoconscientes de Negicco y los Necronomidol, que hacían referencia a lo oculto.

Ninguno demostró ser más importante que BiS, un grupo que llevó deliberadamente la idea del pop de ídolos a sus márgenes exteriores. «STUPiG» impactó entonces y sigue haciéndolo ahora. Es difícil imaginar que un tema de J-pop -y mucho menos que llegue a estar en el Top 10 en el momento de su lanzamiento- se construya sobre la base de pisotones y chillidos. «STUPiG» es claustrofóbica y caótica, pero tiene un gancho que revela cierta calidez. Sería un total atípico en cualquier lugar y en cualquier momento, pero eso es parte del encanto, mostrando lo atrevido que puede llegar a ser el J-pop si te aventuras a los bordes.

Foodman: «Ez Minzoku» (2016)

Pocos rincones de la música japonesa siguen deleitando como las comunidades experimentales de la nación, y el tiempo ha sido especialmente amable con ese tipo de producción de la década de 2010. Muchas de las rarezas más célebres ofrecían un reflejo en alta definición de la vida saturada por la cultura pop y las redes sociales, gracias a los locos collages de samples de DJWWW, woopheadclrms y las docenas de lanzamientos difíciles de localizar (y, hoy en día, muy valorados) publicados por el sello Wasabi Tapes. Otros ofrecieron coloridas mutaciones, desde el Technicolor sugar rush de Toiret Status hasta las más íntimas canciones denpa de emamouse. Sin embargo, ningún álbum derrite mejor los cerebros que «Ez Minzoku». Ese fue el lanzamiento del sabio más difícil de localizar, Foodman, que ahora está clasificado junto a Keiji Haino y Phew. Tomó sonidos aparentemente dispares y adivinó ritmos extraños a partir de puñados de guitarra, sintetizadores, voces gritonas y cualquier otra cosa que estuviera a mano.

Soutaiseiriron: «Miss Mundo Paralelo» (2010)

Ninguna banda japonesa ha sido más influyente en la década de 2010 que Soutaiseiriron. El grupo, que irrumpió con fuerza a finales de la década de 2000, tiene el mérito de haberse adelantado al giro nostálgico de la década, construyendo sus canciones en torno a las melodías de guitarra de la era Showa, que pronto serían recogidas por imitadores (Passepied), por loqueros del alt-rock (Frederic) y por sorpresas virales (Gesu no Kiwame Otome). La vocalista principal, Etsuko Yakushimaru, dejó una huella igual de grande con su forma de cantar y sus letras centradas en la dicción. Intentar encontrar demasiado significado en sus palabras resultó inútil: jugaba con juegos de palabras y giros de frases, poniendo todo el énfasis en cómo sonaba todo más que en lo que significaba. De las bandas de rock a los raperos susurrantes siguieron esta fórmula, y todos los caminos conducen a Soutaiseiriron cuando se intenta escarbar en todo ello.

Mariya Takeuchi: «Plastic Love» (1984/2018)

Prueba esto con tus amigos frikis de la música la próxima vez que salgas: pregúntales cuándo salió originalmente «Plastic Love» de Mariya Takeuchi, y apuesto a que la mayoría dirá «en algún momento de la década de 2010». Los dejarás boquiabiertos cuando les reveles que salió por primera vez en 1984. Sin embargo, este trozo de disco-pop melancólico suena tan apropiado para la década de 2010 como para la de 1980, si no más. Es la canción definitiva del «renacimiento del pop urbano» de ese período, una época en la que los niños occidentales almacenaban sonidos japoneses antiguos como si fueran agua embotellada antes de un tifón, mientras que los grupos occidentales y coreanos de moda tomaban prestado el sonido funk hasta bien entrada la década de 2020.

Sin embargo, «Plastic Love» también fue una canción que se hizo «famosa en Internet» gracias a un algoritmo de YouTube, con el giro añadido de que una versión de casi ocho minutos de duración que se hizo viral era una mutación del corte original de cinco minutos. Sin embargo, es el núcleo emocional de «Plastic Love» lo que realmente resulta entrañable. Takeuchi nunca experimentó en persona los despojos de la era de la burbuja mientras sucedían, y esta era su imaginación de cómo podría ser la vida en la burbuja en todos sus altibajos, que es como innumerables oyentes de todo el mundo se acercaron a la canción en la década de 2010 y en las décadas posteriores a que se convirtiera en un estándar pop global.

Grupo_inou: «Terapia» (2010)

Preguntad a vuestros abuelos qué era un «género», niños, y asombraos al saber que hubo una época en la que la gente se alegraba de cercar ideas musicales entre sí. El dúo group_inou encajaría muy bien en el mundo libre de 2049, pero surgió en la primera parte de la década de 2010, cuando mezclar rap, palabra hablada, dance-pop y trozos de comedia en una melodía era todavía un concepto bastante extraño. Salvo en el caso de artistas centrados en Internet como tofubeats y Mikeneko Homeless, que se desarrollaron de forma paralela a grou_inou, el enfoque destartalado del sonido que la pareja perfeccionó en «Therapy» no se haría patente en la música japonesa hasta más adelante en la década de 2010, cuando artistas más jóvenes como Haru Nemuri, Mom y (especialmente) Wednesday Campanella canalizaron el espíritu fluido de la pareja en su música.

Dean Fujioka: «History Maker» (2016)

El anime y los videojuegos también se han visto envueltos en el actual auge de la retromanía, aunque a diferencia de la mayoría de las canciones japonesas de esa época los lanzamientos que reciben amor en la década de 2040 fueron bastante grandes a nivel global en la década de 2010. Las bandas sonoras de estas creaciones también se han vuelto codiciadas. En los últimos cinco años han surgido docenas de sellos de reedición para ofrecer a los fans ediciones especiales de música de juegos difíciles de encontrar, lo que ha contribuido a elevar las alegres melodías de «Persona 5» y los melancólicos fondos de «Nier: Automata» al mismo nivel que las bandas sonoras de Studio Ghibli.

Lo mismo ocurre con el anime de la década de 2010, que ha pasado de ser una obsesión de nicho a ser algo digno de alabanza y estudio casi 30 años después. ¡¡¡La serie de 2017 «Yuri!!! On Ice» goza ahora de los elogios de la crítica, gracias a una de las mejores historias surgidas del mundo de la animación japonesa durante este periodo y por ser un ejemplo temprano de los medios de comunicación japoneses que destacan el amor entre personas del mismo sexo de una manera no estereotipada. Naturalmente, el tema de Dean Fujioka también ha alcanzado nuevos fans, y no sólo por lo que les hace pensar en dicho drama de patinaje artístico. Consigue piernas extra al fusionar el sonido de moda en 2010 de la EDM con el estilo de la orquesta, pero recuerda lo interconectados que estaban realmente muchos medios japoneses de la época.

Famm’in: «circle» (2016)

La belleza de mirar hacia atrás es poder celebrar adecuadamente ideas realmente originales que fueron ignoradas en su momento. Llamar al proyecto de 2016 Famm’in un supergrupo sería darle demasiado crédito. Estaba formado por un grupo de J-pop que se había pasado la década intentando sacar provecho de la efervescencia que rodeaba al K-pop (Faky), un dúo que experimentó cierta fama viral gracias a una canción que celebraba lo mucho que sus miembros amaban el dinero (Femm) y un cantautor de nivel medio (Yup’in).

De alguna manera, el proyecto de duración limitada dio como resultado «circle», una canción que reflexionaba sobre la naturaleza circular de la existencia, ambientada con elementos de la música tradicional de la corte japonesa y la percusión entonces moderna. No tuvo ninguna oportunidad cuando se lanzó, pero 30 años después su originalidad puede apreciarse como es debido.

mus.hiba: «Slow Snow» (2014)

Muchas tecnologías revolucionarias acabaron siendo un fracaso durante la fiebre tecnológica de la década de 2010. Las gafas inteligentes sirven sobre todo como atrezzo en las películas para mostrar lo equivocada que estaba la gente en ese momento, mientras que SoftBank utilizó todas esas oficinas abandonadas de WeWork para esconder los robots Pepper que les quedaban. Añade cantantes virtuales a esa lista.

Mientras Hatsune Miku y sus amigos se burlaban de un mundo mejor a través del software Vocaloid -y aparecían en algunas canciones legítimas apropiadas para la década-, la tecnología mutó en la década de 2020 y se convirtió en una forma de sacar provecho de las celebridades muertas y de que las estrellas virtuales del pop, como Kizuna AI, actuaran igual que sus predecesores de carne y hueso. Muchos, entonces, optaron por imaginar el mundo que podría haber sido.

El tema «Slow Snow» del artista electrónico de Tokio mus.hiba utiliza la voz digital del personaje Yufu Sekka como una capa más en un sueño febril sónico, sin preocuparse demasiado por convertir un programa informático en una persona, sino por ver lo que es posible artísticamente con este nuevo instrumento. Un montón de fantásticos productores autodidactas hicieron cosas parecidas, y aunque ese sueño se convirtiera en novedad, su música puede seguir calando.

HNC: «I Dream I Dead» (2010)

La «espeluznancia» en la cultura japonesa de la década de 2010 estaba estrechamente ligada a la reputación «kawaii» del país, mejor representada por espectáculos como el «Shibuya Halloween» (al menos hasta que se prohibió en 2024 tras el gran incendio de octubre que acabó con el Megaplex Don Quijote). Sin embargo, si se escarba bajo el colorido exterior, se descubre que hay mucho miedo. Grupos indie como Jesse Ruins, Sapphire Slows y Hotel México (en un momento dado todos juntos) ofrecieron destellos de éxtasis envuelto en sombras, mientras que el trabajo del pionero del dubstep japonés Goth-Trad se basó en la inquietante realidad de la vida en Japón tras el terremoto y el tsunami del 11 de marzo de 2011, y Eadonmm, de Osaka, aprovechó el mismo estado de ánimo inquietante para su debut, «Aqonis». Incluso un importante acto de J-pop como AKB48 encontró tiempo para ponerse algo pesado en «Uza» de 2012.

«I Dream I Dead» inquieta más que cualquiera de ellos, sin embargo. Viene de un artista que fácilmente podría haber ayudado a definir la imagen más suave que viene. HNC solía llamarse Hazel Nuts Chocolate y hacía un adorable pop de salón que celebraba temas como el helado y los gatos. Se centró en la preocupación eterna de la muerte y el malestar que la rodea, creando uno de los fondos musicales más espeluznantes a base de campanadas y notas de batería tartamudas. «I Dream I Dead» nos recuerda que la gente en Japón no estaba toda llena de pensamientos fluidos, y añade un buen contrapeso a la imagen por la que se recuerda al país en aquella época.

Kyary Pamyu Pamyu: «PonPonPon» (2011)

Ningún artista definió la imagen de Japón ante el mundo en la década de 2010 como Kyary Pamyu Pamyu.

Si se enciende una película de la época en la que se menciona a Japón, es muy probable que se escuche una de sus canciones de fondo cuando el director intenta transmitir la idea del país a los oyentes. Sus canciones aparecieron en livestreams de videojuegos y en memes a partes iguales, mientras que su sentido de la moda desordenado marcaba el ritmo de cómo la gente se imaginaba a los chicos de Harajuku vestidos a diario. Japón en ese momento era visto como un país de las maravillas en Technicolor con un toque ligeramente extraño, y Kyary Pamyu Pamyu puso esa imagen, no más claramente que en su single de debut, «PonPonPon».

Había algo más en el pop de sala de juegos de la pista: un clip kawaii-gone-sinister que muchos llegaron a amar después de que se hizo viral a principios de la década. Surgió meses después del Gran Terremoto del Este de Japón de 2011, un trauma nacional que definió la década. La gente quería escapar, y «PonPonPon» ofrecía exactamente eso con un rebote implacable y una letra que celebraba que la gente fuera ella misma. Su idea hipercolorida sigue dominando la estética japonesa hoy en día.

La música llegó por cortesía del productor Yasutaka Nakata, cuyo electro-pop centrado en el bajo ya se estaba filtrando en el entonces floreciente mundo de la música electrónica de baile, pero aquí encontró una nueva paleta sónica con la que jugar. Countless artists all over the world tried to imitate it, but none have had the lasting impact of this slice of pure pop perfection.