De los compositores que encabezaron el modernismo en la música a principios del siglo XX, ha sido Igor Stravinsky (1882-1971) cuya influencia ha resultado ser la más duradera y penetrante. Aunque la propia música de Stravinsky cambió radicalmente de dirección en dos ocasiones a lo largo de sus 70 años de carrera -tan radicalmente, de hecho, que sus obras de cada fase podrían haber sido escritas fácilmente por diferentes compositores-, sin él la música del siglo XX podría haber seguido un curso muy diferente.
La música que podría reconocer
Para muchos, su primer encuentro con la música de Stravinsky es en la célebre película de animación de Walt Disney de 1940, Fantasía, en la que su obra más famosa, La Consagración de la Primavera, acompaña la secuencia más larga de la película, que representa la creación de la Tierra, y los dinosaurios. Al parecer, Stravinsky odiaba la forma en que Disney había utilizado su música. Más recientemente, músicos desde Charlie Parker y Ornette Coleman hasta Joni Mitchell y los Pet Shop Boys han hecho referencias al Rito en particular, mientras que innumerables partituras de películas -desde la de Bernard Hermann para Psicosis, la de Jerry Goldsmith para El planeta de los simios hasta la de John Williams para Tiburón y La guerra de las galaxias- tienen una deuda auditiva con él.
Su vida…
Stravinsky creció en San Petersburgo, Rusia, donde su padre era un destacado bajo de la Ópera Imperial. Sus padres le desaconsejaron la carrera musical e insistieron en que estudiara derecho en la universidad de San Petersburgo. Allí entabló amistad con Vladimir, el hijo menor del compositor Nikolai Rimsky-Korsakov, y a través de él pudo concertar clases con su padre, que continuaron hasta la muerte del compositor mayor en 1908.
Además de un Chant Funèbre, en memoria de su maestro y redescubierto recientemente, las obras que Stravinsky escribió durante este periodo incluyeron una Sinfonía en mi bemol. Pero fueron dos piezas orquestales de brillante colorido, Scherzo Fantastique y Fireworks, las que llamaron la atención del empresario Serge Diaghilev, que buscaba a un ruso para componer un ballet sobre la leyenda del Pájaro de Fuego para su temporada de los Ballets Rusos en París. El Pájaro de Fuego se estrenó en 1910 y tuvo un éxito inmediato.
Para entonces Stravinsky tenía una esposa y dos hijos, y la familia dividía su tiempo entre Francia y Suiza, donde se escribió su segunda partitura de ballet para Diaghilev, Petrushka. Estrenada en 1911, no fue tan bien recibida como El pájaro de fuego, pero su tercera obra para los Ballets Rusos fue La consagración de la primavera, y su estreno en París, en mayo de 1913, fue uno de los más sensacionales de la historia de la música, si bien no llegó a ser el alboroto que a veces se afirma. El primitivismo del escenario, en el que una joven es elegida como víctima de sacrificio y baila hasta la muerte, fue igualado por la violencia sin precedentes de la partitura de Stravinsky, con sus altos niveles de disonancia, su métrica irregular y su feroz impulso rítmico. El encanto de cuento de hadas de El pájaro de fuego y el mundo de la Rusia zarista habían quedado muy atrás.
Y los tiempos…
Los tres grandes acontecimientos que cambiaron el mundo en vida de Stravinsky, las dos guerras mundiales y la revolución rusa, influyeron directamente en su carrera, determinando el lugar en el que se estableció y la forma en que se desarrolló su música. Tras el estreno de El rito, regresó brevemente a Rusia, donde comenzó su primera ópera, El ruiseñor, pero tras otra breve visita en 1914, no volvió allí durante 48 años. La familia Stravinsky pasó los años de la primera guerra mundial en Suiza, donde las escasas oportunidades de actuación hicieron que las obras orquestales a gran escala quedaran descartadas. Stravinsky se decantó por el teatro musical a pequeña escala, con Renard y La historia del soldado, piezas que hoy se consideran precursoras del teatro musical de finales del siglo XX.
Después de la guerra, las Sinfonías de instrumentos de viento, un homenaje a Debussy, resultaron ser uno de sus logros más notables, con su construcción en forma de mosaico, mientras que otra partitura totalmente original, el ballet Les Noces (Las Bodas) para solistas, coro, cuatro pianos y percusión, junto con la ópera cómica en un acto Mavra, fue efectivamente una despedida del mundo de la cultura popular rusa que había sustentado la música de Stravinsky durante casi dos décadas.
Mavra fue también una de las primeras obras en revelar el notable cambio estilístico que se produjo en su música en la década de 1920. Una vez más, Diaghilev proporcionó el catalizador, sugiriendo a Stravinsky que compusiera un ballet para un escenario de commedia dell’arte del siglo XVIII, utilizando la música de Giovanni Pergolesi como punto de partida. El resultado fue Pulcinella, en el que Stravinsky tomó prestadas formas y temas barrocos; fue, según dijo más tarde, «Mi descubrimiento del pasado, la epifanía a través de la cual toda mi obra tardía se hizo posible.»
En el periodo de entreguerras, Stravinsky se instaló en Francia. Además de componer, estaba construyendo una carrera como director de orquesta de su música, y las obras que producía seguían mostrando la claridad formal y la contención del estilo neoclásico que había descubierto con Pulcinella. Hubo más ballets -Apolo, El beso del hada (basado en música de Tchaikovsky) y Jeu de Cartes-, conciertos para piano y violín, y una de sus obras más populares del periodo medio, la Sinfonía coral de los Salmos (1930). Y a medida que aumentaba su fama internacional, también se producían colaboraciones con algunos de los escritores y artistas más célebres de la época. Pablo Picasso, el dramaturgo y cineasta Jean Cocteau (en la ópera-oratorio de 1927, Edipo Rey), y el escritor André Gide, entre ellos.
Stravinsky se trasladó a Estados Unidos en 1939. Su primera esposa, Katya, había muerto a principios de ese mismo año, lo que le dejaba libre para casarse con la bailarina y artista Vera de Bosset, con la que mantenía una relación desde 1921. La pareja se instaló en Los Ángeles, donde se encontraron formando parte de una comunidad artística de expatriados que incluía a músicos y escritores como Otto Klemperer y Arthur Rubinstein, Thomas Mann y Aldous Huxley, mientras que otros -Wh Auden y Dylan Thomas- le visitaban regularmente allí.
Las principales obras de los primeros años en Estados Unidos fueron dos sinfonías, la Sinfonía en Do y la Sinfonía en Tres Movimientos. Él y Vera obtuvieron la nacionalidad estadounidense en 1945, y Stravinsky se dedicó a restablecer los derechos de autor de su obra, reorquestando varias de sus principales partituras y firmando un lucrativo contrato de edición. Una visita a una exposición de grabados de William Hogarth fue el punto de partida de la obra culminante de su periodo neoclásico, la ópera The Rake’s Progress, estrenada en Venecia en 1951. Auden y Chester Kallman escribieron un libreto basado en los grabados de Hogarth, que describe la historia de un joven tentado por el libertinaje y la ruina, mientras que Stravinsky modeló su partitura sobre la «ópera numérica» clásica, formada por una cadena de arias escenificadas intercaladas con pasajes de recitativos.
Después de El Rastrillo, la música de Stravinsky volvió a cambiar de rumbo. Su música representaba una vertiente del modernismo separada de la de Arnold Schoenberg y la Segunda Escuela de Viena, y aunque ambos compositores vivían en Beverly Hills, se evitaban mutuamente. Pero tras la muerte de Schoenberg en 1951, Stravinsky comenzó a explorar las posibilidades de la técnica serial de 12 notas que Schoenberg había inventado. Para entonces, también, Stravinsky había adquirido un asistente musical, el director de orquesta Robert Craft, que permanecería al lado del compositor hasta su muerte en 1971, y con quien colaboró en una serie de libros de conversaciones.
Con la excepción, quizá, del ballet Agon de 1957, ninguna de las piezas sobrias y angulosas de las dos últimas décadas de Stravinsky ha alcanzado la popularidad de su música anterior, pero, sin embargo, obras como Canticum Sacrum, The Flood y Threni siguen siendo ejemplos fascinantes del modo en que fue capaz de adquirir una nueva voz compositiva.
¿Por qué Stravinsky sigue siendo importante?
Es difícil pensar en un compositor significativo de los últimos 100 años que no haya sido influenciado por Stravinsky. Su estética neoclásica fue recogida por varias generaciones de compositores a ambos lados del Atlántico, mientras que la vanguardia de los años 50, liderada por Pierre Boulez y Karlheinz Stockhausen, le aclamó por la forma en que había emancipado el ritmo y la métrica. Las texturas palpitantes en las que se basa el minimalismo también habrían sido impensables sin él; el hecho de que compositores británicos de los últimos tiempos tan dispares como John Tavener y Harrison Birtwistle hayan declarado su deuda con Stravinsky demuestra hasta qué punto su influencia ha sido omnipresente.
Grandes intérpretes
En los años 50 y 60, el propio compositor dirigió casi todas sus obras orquestales para Columbia, grabaciones que han sido reempaquetadas varias veces en cajas de oferta. But many conductors have put their own imprint on this repertoire, from Ernest Ansermet, who conducted a number of Stravinsky premieres including Les Noces and Pulcinella and recorded extensively for Decca, through Boulez, whose recordings for CBS/Sony and Deutsche Grammophon include all the early masterpieces, to Riccardo Chailly, whose Decca recordings include perhaps the finest of all versions of The Rake’s Progress. And Robert Craft also made a series of recordings for Naxos of the music of the composer he assisted for so long.
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