15 Danseurs noirs qui ont changé la danse américaine

Février est reconnu comme le Mois de l’histoire des Noirs aux États-Unis. Depuis le bicentenaire du pays en 1976, le Mois de l’histoire des Noirs est une désignation officielle pour honorer et se souvenir de l’impact significatif et incommensurable que les Afro-Américains ont eu sur la nation. Le président Gerald Ford a déclaré que cette célébration annuelle visait à « honorer les réalisations trop souvent négligées des Noirs américains. »

Ici, Dance Informa se penche sur les danseurs noirs qui ont eu un impact significatif sur la scène de la danse américaine, ainsi que sur les grandes compagnies qui ont ouvert la voie à un nouveau monde où les danseurs noirs pouvaient être considérés comme des artistes égaux.

Master Juba (1825-1852)

Il est probable que de nombreux danseurs n’aient jamais entendu parler de Master Juba en raison du fait que ses importantes contributions à la danse vont malheureusement de pair avec des spectacles qui réitèrent les stéréotypes racistes. Il s’est produit dans des minstrel shows, un divertissement américain du 19ème siècle qui consistait en des sketchs comiques et des danses en blackface.

Pour autant, ce que la plupart des gens considèrent avec scepticisme – un freeman noir se produisant dans des minstrel shows qui caricaturent les Noirs comme étant des imbéciles, des paresseux et des gens trop heureux – était en fait un exploit pour un homme noir à son époque. À l’époque de l’antebellum, lorsque les Noirs n’étaient pas autorisés à se produire avec les Blancs, Master Juba a été le premier à être accepté et reconnu en tant qu’artiste. Au cours de sa carrière, il s’est produit avec quatre compagnies de ménestrels anciennes bien connues et est devenu plus tard le premier danseur noir expatrié, partant en Europe et ne revenant jamais aux États-Unis – un énorme accomplissement.

Pourtant, et c’est peut-être le plus significatif, Master Juba (qui s’appelait légalement William Henry Lane) a été le premier danseur connu à combiner un jeu de jambes rapide avec des rythmes africains traditionnels, ce qui a conduit à la création des claquettes et même à des éléments de la danse à claquettes.

Bill « Bojangles » Robinson (1878-1949)

Bien que beaucoup ne connaissaient probablement pas le Master Juba, je suis presque certain que la plupart ont entendu parler de Bill « Bojangles » Robinson. Connu comme le père des claquettes, Robinson est surtout célèbre pour son apparition dans les films très populaires avec l’actrice enfant Shirley Temple. Au cours de sa carrière, Robinson est apparu dans un total de 14 films et six spectacles de Broadway, parfois dans des rôles de premier plan – un triomphe énorme pour un acteur noir à son époque.

En outre, Robinson a été le premier artiste solo noir à se produire sur les circuits de vaudeville blancs, où il a été une tête d’affiche pendant quatre décennies.

Robinson était connu pour ses mouvements doux et intentionnels combinés à une musicalité austère.

Asadata Dafora (1890-1965)

Asadata Dafora a été un pionnier de la danse en apportant une authentique culture ouest-africaine aux publics des États-Unis. Une forme de danse pratiquement inconnue à l’époque, la danse africaine a ouvert une porte à une nouvelle étude de la danse culturelle et de la performance.
Originalement de la Sierra Leone, Dafora est venu pour la première fois aux États-Unis en 1929. Peu après, il a formé Shogola Oloba, une troupe de danse et de chanteurs, pour présenter des drames basés sur le mouvement et fondés sur les mythes et les traditions de l’Afrique de l’Ouest. Dafora est le premier artiste connu à s’être efforcé de présenter des formes africaines authentiques en dehors d’un cadre tribal. Il a influencé des artistes comme Pearl Primus qui a ensuite incorporé des éléments africains dans ses chorégraphies.

John Bubbles, intronisé en 2002 au Temple de la renommée international de la claquette de l’American Tap Dance Foundation. Photo gracieusement fournie par l’ATDF.

John W. Bubbles (1902-1986)

Comme Robinson, le chanteur et danseur John W. Bubbles a fait des pas importants dans la progression et la commercialisation des claquettes. Débutant sa carrière à l’âge de 10 ans, Bubbles s’est associé à un danseur de six ans, « Buck » Washington, pour créer un numéro de chant-danse-comédie. Avec Buck, Bubbles devient très populaire. Les deux ont présenté un numéro dans les Ziegfeld Follies de 1931 et sont devenus les premiers artistes noirs à se produire dans le célèbre Radio City Music Hall de New York.

Bubbles, qui est peut-être plus connu pour avoir joué le rôle de Sportin’ Life dans la production Porgy and Bess de George Gershwin en 1935, s’est ensuite produit dans le célèbre Hoofers Club de Harlem, ce qui l’a conduit à des concerts à Broadway, qui ont débouché sur des opportunités à Hollywood.

Bubbles serait le premier danseur à fusionner la danse jazz avec les claquettes, un précurseur pour de nombreuses compagnies de jazz-tap qui existent aujourd’hui. Il créa des contretemps et modifia à son tour les accents, le phrasé et le timing.

Josephine Baker (1906-1975)

L’une des premières femmes noires à laisser son empreinte dans le monde de la danse, l’héritage de Joséphine Baker est synonyme de sensualité, de bravoure et de passion décomplexée. Née à Saint-Louis, dans le Missouri, Baker a grandi avec peu de moyens et a rapidement développé un esprit indépendant, apprenant à subvenir à ses besoins et à tracer sa propre voie. Ce comportement libre et audacieux l’a amenée à se produire dans tout le pays avec le Jones Family Band et le Dixie Steppers en 1919. Lorsqu’elle monte sur une scène parisienne dans les années 1920, elle a confiance en ses capacités et se produit avec un attrait comique mais sensuel qui prend l’Europe d’assaut.

Célèbre pour ses robes à peine moulantes et ses mouvements modernisés, Baker s’est ensuite produite et a été chorégraphe pendant 50 ans en Europe. Bien que le racisme aux États-Unis l’ait souvent empêchée d’acquérir la même renommée dans son pays qu’à l’étranger, Baker a combattu la ségrégation par le biais d’organisations comme la National Association for the Advancement of Colored People (NAACP). L’organisation a d’ailleurs nommé le 20 mai « Josephine Baker Day » en l’honneur de ses efforts.

De son vivant, on dit qu’elle a reçu environ 1 500 demandes en mariage et d’innombrables cadeaux d’admirateurs, y compris des voitures de luxe. Le jour de ses funérailles, plus de 20 000 personnes se sont pressées dans les rues de Paris pour assister au cortège qui se rendait à l’église. Baker fut la première femme américaine enterrée en France avec les honneurs militaires.

Katherine Dunham (1909-2006)

Certains historiens de la danse ont désigné Katherine Dunham comme la femme la plus importante de la danse afro-américaine. Dunham était l’une des premières pionnières de la danse moderne à part entière, combinant des mouvements de danse culturels et ancrés dans le sol avec des éléments de ballet.

Dunham, qui est née dans l’Illinois, a commencé son étude formelle de la danse à Chicago où elle s’est entraînée avec les pionniers du ballet moderne et contemporain tout en étudiant simultanément l’anthropologie. Dans les années 1930, elle a effectué une enquête de 10 mois sur les cultures de danse des Caraïbes. Elle a ramené ce qu’elle a appris en Amérique, développant une nouvelle esthétique révolutionnaire qui fusionnait les rythmes des danses culturelles avec certaines composantes du ballet.

Pendant deux décennies, des années 1940 aux années 1960, la compagnie de danse de Dunham a fait des tournées dans le monde entier – des États-Unis à l’Europe, en passant par l’Amérique latine, l’Asie et l’Australie. Elle a également fondé une école pour enseigner sa technique à New York.
Honi Coles (1911-1992) et Charles « Cholly » Atkins (1913-2003)

Les interprètes Honi Coles et Charles « Cholly » Atkins sont associés en raison de leur contribution à la danse en tant que partenaires de longue date pour les claquettes. Après avoir servi pendant la Seconde Guerre mondiale, Cholly, qui avait déjà une expérience significative en tant que danseur de claquettes, a formé son partenariat le plus célèbre à ce jour avec le danseur de claquettes rythmiques à grande vitesse et autodidacte, Charles « Honi » Coles.

Avec leur complicité, le duo a considérablement fait progresser et promu l’art des claquettes rythmiques. Ils ont fait des tournées avec les big bands de Duke Ellington, Count Basie et Cab Calloway, ainsi que des courts métrages pour la télévision. Le couple était particulièrement connu pour son numéro de claquettes lentes Taking a Chance on Love. En 1965, ils ont même été présentés dans une émission de CBS-TV Camera Three.

De cette notoriété, Cholly finit par devenir chorégraphe personnel pour Motown Records de 1965 à 1971. Il crée un nouveau genre de danse, la chorégraphie vocale, qui finit par lui valoir la reconnaissance du National Endowment for the Arts en 1993. D’autre part, Coles a réussi à Broadway, remportant un Tony Award en 1983 pour son rôle dans My One and Only et, plus tard, une National Medal of Arts pour sa contribution à la danse.

Fayard Nicholas (1914-2006) et Harold Nicholas (1921-2000)

Plus connus sous le nom de « The Nicholas Brothers », Fayard et Harold Nicholas ont tous deux eu des carrières uniques en tant que danseurs de claquettes et de « flash ». Ils ont obtenu leur premier grand concert au Cotton Club en 1932, Fayard à 18 ans et Harold à seulement 11 ans. Après des apparitions avec des big bands, ils ont connu un grand succès à Hollywood.

Les frères Nicholas ont illuminé l’écran dans des films comme Kid Millions (1934), Down Argentine Way (1940), Stormy Weather (1943) et St Louis Woman (1946). Ils se sont même produits dans les Ziegfeld Follies de 1936 et Babes in Arms.
Avant de prendre leur retraite, Fayard a contribué à la chorégraphie de la production de 1989 de Black and Blue et Harold s’est produit dans le cadre de la tournée nationale Sophisticated Ladies de 1982 et dans The Tap Dance Kid à Broadway en 1986.

Les frères ont reçu les Kennedy Center Honors et ont eu le documentaire The Nicholas Brothers : We Dance and Sing réalisé en leur honneur.

Une biographie sur la vie de Janet Collins a été publiée il y a quelques années par l’historienne de la danse Yael Tamar Lewin. Image gracieusement fournie par la New York Public Library.

Janet Collins (1917-2003)

Janet Collins, décédée il y a quelques années à Fort Worth, au Texas, a été un précurseur pour les danseuses de ballet noires. Elle était l’une des très rares femmes noires à s’imposer dans le ballet classique américain dans les années 1950, inspirant une génération et donnant l’espoir d’une société plus égalitaire.

Collins a commencé à danser à Los Angeles et a finalement déménagé à New York. Elle fait ses grands débuts sur sa propre chorégraphie en 1949 dans un programme partagé au 92nd Street Y. Elle est bien accueillie, étant louée pour sa précision technique pointue. Après s’être produite à Broadway dans la comédie musicale Out of This World de Cole Porter, elle est engagée comme première danseuse au Metropolitan Opera House au début des années 1950.

Pendant toute sa carrière, Collins a également dansé aux côtés de Katherine Dunham et s’est produite avec la compagnie de Dunham dans la comédie musicale du film Stormy Weather en 1943.

Elle a dansé un solo chorégraphié par Jack Cole dans le film The Thrill of Brazil en 1946, et a même fait une tournée avec Talley Beatty dans un numéro en boîte de nuit.

En reconnaissance du grand travail de Collins, sa célèbre cousine Carmen De Lavallade a créé la Janet Collins Fellowship.

Pearl Primus (1919-1994)

Si quelqu’un pouvait contester à Dunham le titre de « grande dame de la danse afro-américaine », ce serait la danseuse, chorégraphe, réalisatrice et activiste Pearl Primus. Primus est tout aussi importante, car elle est connue pour avoir facilité une appréciation et une compréhension plus profondes de la danse africaine traditionnelle.

Avec l’aide d’une subvention, Primus a passé plus d’un an en Afrique en 1948, rassemblant des matériaux et détaillant des danses tribales qui glissaient rapidement dans l’obscurité. À son retour aux États-Unis, elle a créé la Pearl Primus School of Primal Dance. Par son enseignement et ses spectacles, elle a non seulement contribué à promouvoir la danse africaine comme une forme d’art digne d’être étudiée et exécutée, mais aussi à réfuter les mythes de la sauvagerie.

En plus de nombreuses autres réalisations, elle est devenue la directrice de l’African Performing Arts Center au Liberia en 1961, la première organisation de ce type sur le continent africain.

Alvin Ailey (1931-1989)/ Alvin Ailey American Dance Theater (1958-maintenant)

Alvin Ailey a été initié à la danse à Los Angeles par les spectacles du Ballet Russe de Monte Carlo et de la Katherine Dunham Dance Company. Il a commencé sa formation formelle en danse en suivant les cours de Lester Horton. Horton, le fondateur de l’une des premières compagnies de danse à intégration raciale du pays, devient un mentor pour Ailey alors qu’il se lance dans sa carrière professionnelle.

Après la mort de Horton en 1953, Ailey devient directeur du Lester Horton Dance Theater et commence à chorégraphier ses propres œuvres.

En 1958, il fonde l’Alvin Ailey American Dance Theater, aujourd’hui une compagnie de danse de classe mondiale et de renommée internationale. Il crée l’Alvin Ailey American Dance Center (aujourd’hui The Ailey School) en 1969 et forme l’Alvin Ailey Repertory Ensemble (aujourd’hui Ailey II) en 1974.

En plus de son énorme contribution à l’avancement de la danse moderne, Ailey a été un pionnier des programmes de promotion des arts dans l’éducation, en particulier ceux qui bénéficient aux communautés mal desservies.

Dance Theatre of Harlem (1969-maintenant)

Fondé en 1969 peu après l’assassinat de Martin Luther King, Jr, le Dance Theatre of Harlem a été dirigé par le premier danseur noir du New York City Ballet, l’ancien principal Arthur Mitchell. Le Dance Theatre of Harlem, connu comme la plus ancienne compagnie classique noire en existence continue, a permis et encouragé davantage de danseurs de ballet noirs à danser professionnellement.

A l’origine, le répertoire était d’orientation néoclassique avec plusieurs ballets de George Balanchine. Dans les années 1980, des œuvres plus contemporaines et des classiques ont été ajoutés. La compagnie a également présenté diverses œuvres de chorégraphes noirs, dont Geoffrey Holder, Louis Johnson, Alvin Ailey, Alonzo King, Robert Garland, ainsi que Mitchell lui-même.

Avec nombre de ses danseurs qui se produisent ensuite dans de plus grandes compagnies nationales, le Dance Theatre of Harlem a contribué à abaisser la barre de couleur dans le ballet. L’école de la compagnie, que Mitchell a initialement dirigée avec Shook, est devenue une force internationale ainsi qu’une institution majeure de Harlem.

*Note : Il existe de nombreux autres danseurs et compagnies noirs remarquables et historiques qui ont eu un impact sur la danse américaine. Ce n’est qu’une liste partielle.

Sources:
Dance Heritage Coalition. « America’s Irreplaceable Dance Treasures ». www.danceheritage.org/treasures.html.
American Tap Dance Foundation. « Tap Dance Hall of Fame – Bill ‘Bojangles’ Robinson. » atdf.org/awards/bojangles.html
Site officiel de Joséphine Baker. « Biographie » www.cmgww.com.
« Janet Collins, 86 ans ; la ballerine était la première artiste noire au Met Opera ». Dunning, Jennifer. New York Times. 31 mai 2003. www.nytimes.com.
Alvin Ailey American Dance Theater. « The Ailey Legacy ». www.alvinailey.org.
Dance Theatre of Harlem. « Who We Are. » www.dancetheatreofharlem.org.

La danse de Harlem.