21 Albums hip-hop qui ont reflété la politique de la race, Space And Place In 2017

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Il est impossible d’exagérer à quel point le hip-hop a brillé en 2017 – les records du Billboard ont été pulvérisés, la reconnaissance du genre le plus écouté par Nielsen. Le battage médiatique de l’industrie mis à part, le rap a reflété notre conscience collective, et la crise nationale, comme jamais auparavant. Alors que le pouvoir des listes de lecture (et la possibilité d’augmenter les statistiques de streaming avec des boucles de chansons) a établi de nouvelles normes, l’album long-play reste le format définitif pour les artistes désireux de faire des déclarations créatives intemporelles. Et les artistes sont devenus assez (DAMN.) créatifs dans ces limites.

Jay-Z et Tyler, the Creator ont évité les crises respectives de la quarantaine et du quart de vie avec leurs confessionnaux les plus matures à ce jour. GoldLink et Open Mike Eagle ont érigé des mémoriaux aux cultures effacées, et aux crèches, de leur éducation. Lil Uzi Vert et Future ont évoqué avec hyperémotivité les amours perdus et détestés. Big K.R.I.T. et Cyhi The Prynce ont transcendé les pièges et les clichés du rap sudiste. Kendrick Lamar a exposé son combat prophétique sur un autel de l’abnégation. Et Rapsody a régné en maître sur presque tout le monde.

Dans une année aussi robuste, il serait facile de dresser une liste exhaustive des meilleures sorties. En effet, l’Internet en regorge. Mais le hip-hop ne s’est pas élevé vers de nouveaux sommets dans le vide. Son soulèvement sonore s’est produit au milieu d’une toile de fond nationale de bouleversements politiques, de discorde raciale, de manifestations violentes et d’une prise de conscience révélatrice autour des abus systémiques de pouvoir et de l’inégalité des sexes qui touche de si près ce genre.

Dans le hip-hop, comme ailleurs, le personnel est toujours politique. Où vous vous trouvez, pour ainsi dire, et comment vous choisissez de cultiver et de représenter cet espace – qu’il soit réel ou imaginaire – compte.

C’est aussi vrai aujourd’hui qu’il y a 15 ans, lorsque l’universitaire Murray Forman a publié son livre The Hood Comes First : Race, Space, and Place in Rap and Hip Hop. « La musique que j’écoutais articulait toujours des identités liées à un lieu, qu’il s’agisse de Hollis, dans le Queens, ou de Brooklyn, dans le sud du Bronx », m’a récemment confié M. Forman, se souvenant de son inspiration initiale pour ce livre. Il a choisi de regarder cet « aspect déterminant du son » dans un « sens plus large et plus profond », dit-il, « pas seulement comme une chose hip-hop, mais une chose sur les identités raciales et la façon dont les lieux sont attribués à certaines personnes dans la société. »

Dans le même esprit, le tour d’horizon de NPR Music des 21 meilleurs albums hip-hop de l’année a pour thème la politique de la race, de l’espace et du lieu. Parmi les meilleurs LP de 2017, en voici quelques-uns qui ont contesté ou compliqué le dossier de l’Amérique sur la race, détaillé un fort sens du lieu tout en critiquant l’effacement culturel généralisé, ou brisé les conventions de genre, de genre et d’identité dans l’espace du rap lui-même. – Rodney Carmichael

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Vince Staples, Big Fish Theory

L’essayiste féministe et poète Adrienne Rich a écrit un jour qu' »une relation humaine honorable – c’est-à-dire, celle dans laquelle deux personnes ont le droit d’utiliser le mot « amour » – est un processus, délicat, violent, souvent terrifiant pour les deux personnes impliquées, un processus d’affinage des vérités qu’elles peuvent se dire. » Elle parlait des relations entre femmes, alors j’espère que vous me pardonnerez d’appliquer son idée à toutes les personnes qui ont dû apprendre à mentir comme mécanisme de survie : L’album de club bangers de Vince Staples, qui fait pleurer, est le processus de l’amour en action. C’est un disque qui crée un espace pour les vérités : La façon dont vous parlez du genre, si vous ne faites pas attention, est probablement un mensonge, et l’histoire de la musique électronique et de la house est une histoire noire.

C’est aussi un album de chansons d’amour. Personne ne les appelle des chansons d’amour parce que les paroles de Staples, un peu comme les beats avec lesquels elles sont présentées, ne suivent pas les scripts conventionnels. Mais quand, sur une ligne de basse qui va assez fort pour éclater les haut-parleurs sans méfiance, la chanson « 745 » émet la confession : « Cette chose qu’on appelle l’amour est très difficile pour moi / Cette chose qu’on appelle l’amour est un dieu pour moi », c’est d’un romantisme déchirant. Il ne porte pas de jugement de valeur sur cette lutte contre l’amour. « Je ne pense pas que tout soit bon ou mauvais », a-t-il dit un jour. Au contraire, il dit une vérité. – Jenny Gathright

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Quelle Chris, Being You Is Great, I Should Be You More Often

Quelle Chris n’est pas une violette rétrécie ; en fait, le stéréotype des indie-backpackers-as-schoolmarms ne s’est pas vérifié depuis la vague Dillatroit/Madvillain/Okayplayer du milieu des années 80. Il traite les rappeurs rivaux de « clones » sur « The Prestige » (qui contient également un incroyable soliloque de Jean Grae). Mais il a aussi faim du butin de la guerre lyrique. Sur « I’m That Nigga », il se vante d’arborer les plus mauvaises femmes, « chaque ville, chaque village ». Le nomade originaire de Detroit, qui a brièvement élu domicile dans des villes allant d’Oakland à Brooklyn, n’essaie pas de résoudre ses contradictions intérieures. Il ne s’en cache pas non plus. Certaines des meilleures chansons de Being You Is Great, I Should Be You More Often – la pochette illustrée le dépeint comme une image miroir, l’un fronçant les sourcils et l’autre arborant un sourire carnassier – montrent Quelle en train de passer au crible ses pensées. « Feels like my birthday today, and those are the worst days / If it’s a race for the end, then why come in first place ? » rappe-t-il sur « Birthdaze. »

Pourvu de caméos de diverses sommités de l’underground hip-hop, c’est un bijou idéologiquement désordonné, rendu cohérent par des beats bourrés de samples bizarres, produits par Quelle et d’autres ; et sa performance croustillante et vivement consciente de soi. – Mosi Reeves

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Joey Bada$$, ALL AMERIKKKAN BADA$$

Le deuxième album de Joey Bada$$ gronde d’indignation, de tristesse et de confusion, luttant avec des thèmes politiques (brutalité policière, suprématie blanche et identité noire) dans son projet le plus serré thématiquement à ce jour. Les rappeurs qui explorent la situation critique de la négritude en Amérique ne sont pas nouveaux, mais il y a quelque chose dans ce projet particulier, ayant été publié dans une période qui a vu la résurgence et la normalisation relative du néonazisme et de la suprématie blanche, qui se sent particulièrement résonnant et radical.

Maintenant, lorsque Joey rappe « leave us dead in the street to be organ donors » dans « LAND OF THE FREE », cela se lit comme un gros titre, et « Y U DON’T LOVE ME (MISS AMERIKKKA) » est moins une simple question qu’une tentative désespérée de comprendre les attaques racistes. ALL AMERIKKKAN BADASS est l’un des disques les plus francs de l’année, avec son message planté fièrement au premier plan. Les détracteurs du disque diront qu’il est un peu trop direct, mais c’est peut-être la seule façon de faire passer le message. – Steffanee Wang

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J.I.D., The Never Story

J. Cole a un jour révélé dans une interview qu’il aspirait à signer Kendrick Lamar sur son label Dreamville. Comme Cole le raconte, il a entendu K. Dot cracher en direct pour la première fois lors d’une fête à L.A. en 2010 et a été immédiatement impressionné. Bien sûr, ses espoirs ont été rapidement déçus, Kendrick étant déjà signé chez Top Dawg Entertainment à l’époque. Mais, avancez rapidement de sept ans, et Cole pourrait bien avoir réalisé son souhait d’avoir une star du rap avec J.I.D. Depuis l’annonce de sa signature chez Dreamville en février et la sortie de son slow burn d’un album studio The Never Story en mars, le LP du MC d’Atlanta et membre de Spillage Village s’est avéré être l’un des débuts les plus solides du rap de 2017.

Il y a quelque chose de ludique et pourtant de sévère dans la livraison de J.I.D. Peut-être que c’est son ton, une hauteur de voix nerveuse, presque caricaturale, avec juste le bon poids de basses crédibles. Et la capacité de J.I.D. à plier et déformer sa voix originale dans le but de raconter des histoires différentes est une des raisons pour lesquelles il est comparé à K. Dot et à Cole. Sur « Never », il évoque ses périodes de survie et de conflit sur des rythmes sauvages de Christo et Childish Major. Sur « Hereditary », il parcourt un dialogue sur une relation auto-sabotante accompagné par un piano et une guitare électrique.

Clocking in 40 minutes, The Never Story est agile dans tous les sens du terme. Avec des sujets allant des familles brisées aux problèmes de confiance, les débuts de J.I.D. le cataloguent comme un diamant dans l’ébauche de la scène trap imbibée de sirop d’Atlanta, tout en lui valant les éloges de certains des meilleurs du rap. – Sidney Madden

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Princess Nokia, 1992 Deluxe

Si vous écoutez attentivement 1992 Deluxe de Destiny Frasqueri, vous pourriez remarquer une fine couche de gravier dans le son. C’est une abrasion bienvenue. En fait, c’est ce qui donne à la mixtape de 2016 de Frasqueri – prolongée et rééditée cette année en tant que premier LP – une réalité autobiographique qui me fait imaginer la petite Destiny s’ébattant sur des terrains de basket en grillage, rappant ces morceaux tranquillement pour elle-même.

1992 Deluxe est la célébration par Frasqueri de la ville de New York et de tous ceux qui, en son sein, ne rentrent pas dans le moule de respectabilité de la société. Dans « ABCs of New York », cela inclut les filles du ghetto et les mères célibataires, les modèles de son enfance. « Brujas » rend hommage à la diaspora africaine, en recadrant le traumatisme comme une superpuissance spirituelle. Dans la littérature (vous vous souvenez de la Tituba de The Crucible ?) et dans l’histoire, la sorcellerie était une accusation portée contre les femmes noires qui mettait souvent fin à leur vie. Ce morceau subvertit le récit en adoptant les sorts et les sortilèges, fondés sur la spiritualité traditionnelle yoruba, comme antidote à la suprématie blanche : « Je suis cet Amérindien noir, je vaincs tous les maux. » Étourdissant dans sa puissance et menaçant dans son message, « Brujas » est une thèse soignée pour 1992 Deluxe : « Parlez de merde, nous pouvons jeter des sorts ». – Steffanee Wang

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Smino, blkswn

Il n’y a jamais eu de pénurie de talent parmi les rappeurs de St. Louis. La ville a toujours rayonné de fierté chaque fois qu’un MC du Show-Me State a connu le succès – du pionnier local Sylk Smoov à la superstar internationale Nelly, qui a finalement mis la ville sur la carte, nous avons éternellement défendu ces artistes. Mais contrairement à des villes comme Atlanta, Houston et La Nouvelle-Orléans, les vannes ne se sont jamais ouvertes et le monde entier n’a eu droit à ces perspectives uniques que par intermittence.

Natif de North St. Louis, Chris Smith Jr, alias Smino, a migré à Chicago en 2010 pour obtenir ce que sa ville natale ne pouvait pas lui offrir à l’époque – une solide infrastructure musicale. Mais il n’a jamais cessé de penser à sa maison : Il a sorti son premier album, blkswn, le mardi 14 mars – 3/14 ou 314 Day, un jour férié non officiel à Saint-Louis. L’album personnifie la culture moderne de la ville, abordant les luttes sociales (« Long Run », « Amphetamine »), mais s’épanouissant dans la célébration et le plaisir de la jeunesse sur des morceaux comme « Netflix and Dusse » et son ode aux femmes noires, « Anita ». La nature harmonieuse et les textures de blkswn dépassent de loin ce qu’un rappeur novice serait capable de faire, ce qui témoigne de ses origines religieuses et de sa lignée musicale. Il reste à voir si Smino deviendra le pionnier d’un mouvement STL imminent. Mais son moment est maintenant, alors portons un toast à cela. – Bobby Carter

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Billy Woods, Known Unknowns

Le sixième album solo de Billy Woods – sans compter les projets parallèles comme Armand Hammer, une association avec Elucid qui a produit Rome à l’automne dernier – sonne comme du New York underground vintage, avec des booms de beat sordides et claustrophobes qui ressemblent à des artères de métro bouchées. Woods joue le rôle d’un passionné de rap tellement immergé dans la culture qu’il ne se voit pas faire autre chose. Dans « Groundhogs Day », il décrit de façon fantaisiste une journée passée à se lever, à fumer de l’herbe et à essayer de faire fonctionner sa carrière perpétuellement sous-financée. Des morceaux comme « Snake Oil » et « Everybody Knows » révèlent un esprit qui dissimule des idées politiques dans un langage métaphorique pulpeux. « Ils connaissent les plaques d’immatriculation de la voiture de ta mère / Ils savent où est garée ta voiture « , rappe-t-il sur ce dernier morceau sur un ton conspirateur et paranoïaque, par-dessus les notes de piano impassibles du producteur Blockhead. « Ils savent qui vous êtes. » Un producteur chevronné dont les astuces musicales proviennent de l’école DJ Shadow des instrumentaux baroques et lourds en batterie, Blockhead contribue à soutenir le meilleur travail de Woods à ce jour, notamment sur des morceaux comme « Bush League », qui sonne comme un disque compact afrobeat coincé sur la répétition. – Mosi Reeves

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Big K.R.I.T., 4eva Is A Mighty Long Time

Il y a une chanson sur le double LP de Big K.R.I.T., 4eva Is A Mighty Long Time, qui résume pourquoi ce point dans sa carrière a été si long à venir. Intitulé « Drinking Sessions », il s’agit, comme son nom l’indique, d’une sortie cathartique où K.R.I.T. expose ses blessures mortelles et ses insécurités sans aucune inhibition – des rêves qu’il a trouvés hors de portée dans une industrie bâtie sur l’illusion au tribut émotionnel qu’il a enduré en poursuivant le succès jusqu’au sacrifice. « Everybody tryna die young, but who gon’ talk about life », hurle-t-il, alors que la ligne de basse woozy s’installe comme un chant funèbre ivre.

Après des années de compromis créatifs à l’intérieur du système des majors, Mighty Long Time retrouve K.R.I.T. dans une forme rare, mais aussi meilleur pour l’usure. Les restrictions budgétaires de Def Jam, qui l’ont forcé à abandonner son approche de la production basée sur les échantillons, lui ont permis d’élargir ses compétences grâce à des instruments live et à des producteurs collaboratifs capables de recréer la palette soul qu’il a affichée sur les premières mixtapes autoproduites K.R.I.T. Wuz Here, Return Of 4eva et 4eva N A Day. Comme il le fait sur ces classiques, le représentant du Mississippi est toujours en train de dresser la carte de son parcours personnel et d’accepter les contradictions qui font de lui un être humain unique. Mais le poids de son blues est compensé par une foi inébranlable qui fait que l’éternité ressemble plus à une promesse qu’à une impossibilité. – Rodney Carmichael

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Migos, C U L T U R E

On a l’impression que cela fait des années que Migos a sorti C U L T U R E au début de 2017. Depuis, le trio a efficacement infiltré le champ de vision du mainstream, collaborant avec Katy Perry, Calvin Harris, Frank Ocean et d’innombrables autres. Le single phare de l’album, « Bad and Boujee » avec Lil Uzi Vert (dont vous trouverez le propre Luv Is Rage 2 ci-dessous), était incontournable et est resté sur le Billboard Hot 100 pendant 36 semaines. Donald Glover a remercié le groupe dans son discours d’acceptation des Golden Globes, les comparant aux Beatles. Migos s’est produit sur Ellen, l’un des événements les plus surréalistes de l’année. En repensant à tout cela, il était peut-être prédestiné que le disque nous parvienne au début de l’année, s’affirmant tranquillement comme le game-changer qui modifierait le paysage culturel tel que nous le connaissions.

L’accueil enthousiaste de l’album est logique – les manières ludiques dont les flows individuels de Quavo, Offset et Takeoff s’accentuent et se complimentent les uns les autres sont toujours à leur meilleur niveau. Les productions soignées de Metro Boomin, Zaytoven, G Koop, Murda Beatz et d’autres encore font que l’album tourne en boucle. « Slippery « , l’un des morceaux les plus mélodiques de l’album, aurait pu être l’occasion pour les Migos de tendre vers des styles pop, mais la pop les a plutôt adoptés. – Steffanee Wang

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Jonwayne, Album rap numéro deux

Consultez n’importe quel site web qui centralise la musique de gauche et vous trouverez des dizaines de sorties signées par le rappeur et producteur de Los Angeles Jonwayne. Il y a des EP courts de cinq titres, des disques compacts dédiés à des séances d’entraînement avec un sampler et des cassettes de collection, tous datant de son émergence à la fin des années 80. Mais Rap Album Number Two ressemble à son premier album que même les auditeurs occasionnels, ignorant sa réputation parmi les aficionados du beat, devraient écouter. Il marque consciencieusement une rupture entre son nouvel état d’esprit sobre et des années de tournées internationales, de frasques alcoolisées et « d’être un fardeau pour mon peuple et d’aliéner mes fans », comme il le dit sur « Afraid of Us ».

« J’ai été tellement pris par le manque d’acceptation / Je ne me suis jamais concentré sur l’homme à accepter », rappe-t-il sur le même morceau. Pourtant, c’est le même talent pour la composition de mélodies et d’arrangements qui a initialement poussé sa carrière qui maintient cet album porteur. Le piano sinistre et enjambeur qui anime son morceau le plus fanfaron, « TED Talk », et les cordes aériennes qui planent dans son numéro le plus lancinant et plein de remords, « Paper », rendent Rap Album Number Two plus divertissant et perspicace qu’une simple confession en 12 étapes. – Mosi Reeves

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Ill Camille, Heirloom

En juillet dernier, lors d’un épisode de l’ancien podcast Microphone Check de NPR Music, Ill Camille a confié aux coanimateurs Frannie Kelley et Ali Shaheed Muhammad la clé de son processus de découverte de soi. Il s’agit d’une question qu’elle s’est posée à un moment critique de sa carrière : « ‘Qu’est-ce que j’aime chez moi que je pourrais magnifier et dont je pourrais parler et célébrer ?' »

La réponse est infusée tout au long de Heirloom, un album que la rappeuse originaire de Los Angeles a mis quatre ans à élaborer et à sortir. À l’image de ses voix fumées et aguerries, Heirloom reflète la profondeur de sa force, de sa douleur et de sa croissance personnelle. En 2014, elle a perdu trois piliers de sa famille : sa grand-mère, son père et un oncle. Bien qu’elle soit une figure incontournable de la scène hip-hop de Los Angeles, connue pour avoir collaboré avec divers artistes de Top Dawg Entertainment, contribué à l’album Good Kid, M.A.A.D. City de Kendrick Lamar et fait participer le président de TDE, Terrence « Punch » Henderson, à l’album Heirloom « Sao Paulo », elle a pris du temps après la sortie d’Illustrated en 2013 pour vivre à la vitesse de la vie. Le résultat est un album qui fait écho à son appréciation profondément ancrée de la famille, du respect de la communauté et de l’amour de soi. Avec la production de Battlecat, légende de la côte ouest, et d’autres, c’est une méditation jazzy sur l’authenticité de Los Angeles. – Rodney Carmichael

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Brockhampton, Saturation III

À certains égards, un boys band hip-hop de 12 membres lâchant trois albums en l’espace d’un an relève de la sursaturation textuelle. Mais c’est exactement ce que les membres du groupe texan BROCKHAMPTON veulent vous faire croire. L’éthos vibrant et déclaratif de BROCKHAMPTON est en train d’injecter quelque chose de nouveau dans le hip-hop.

Saturation III, le troisième et plus fort album du groupe dans sa série de 2017, trouve Kevin Abstract, Ameer Vann, Matt Champion et compagnie plus concentrés que jamais ; plus une bande de gamins se relayant pour rimer sur un beat mais des conteurs délibérés et passionnants. « BOOGIE », le morceau d’ouverture de l’album à l’adrénaline élevée, attire l’auditeur, « HOTTIE » offre des accroches pop tout en évoquant le désarroi, et « STAIN » fait participer les détracteurs à la narration. La production de l’album est également assurée par les membres du crew, principalement Romil Hemnani et Jabari Manwa.

La bande de frères inadaptés se déplace comme un seul homme – rappeurs, producteurs, ingénieurs et webmaster inclus – et occupe un espace dans le rap qui, jusqu’à une histoire récente, n’existait pas vraiment. Avec plus de musique de BROCKHAMPTON prévue pour le début de 2018, les gars vont sans aucun doute continuer à briser les frontières et à redéfinir les capacités d’un collectif de rap. – Sidney Madden

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GoldLink, At What Cost

Sur son album And After That, We Didn’t Talk de 2015, GoldLink a parlé de ce moment pour le faire exister. Dans  » Palm Trees « , une chanson sur un personnage qui tente de convaincre une femme de le laisser revenir, il parle d’une évasion :  » Underneath the palm trees / You can leave your worries.  » Mais il parle aussi d’une responsabilité : « Tu sais que je dois ramener ma ville », rappe-t-il mélodieusement, avec conviction.

GoldLink a toujours parlé de chez lui, mais sur At What Cost, il nous emmène vraiment là-bas, dans les idiosyncrasies du DMV, en particulier les zones de D.C. et du comté de Prince George où il a passé le plus de temps à grandir. Il documente la spécificité de sa génération : des enfants dont les parents ont dû faire face à l’ère du crack, des enfants qui ont assisté à la fin de la domination culturelle de la musique go-go, des enfants qui se souviennent encore d’une ancienne itération moins embourgeoisée de la ville et savent intimement ce qui a – et n’a pas – changé. L’album est un récit sur l’engouement et les rivalités destructrices, raconté à travers des références riches et superposées que les étrangers ont à Google. On a l’impression que GoldLink l’a fait pour ceux qui avaient besoin que le hip-hop reconnaisse enfin leur réalité particulière. Le résultat est journalistique, comme un documentaire intemporel. – Jenny Gathright

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Tyler, the Creator, Flower Boy

Soit Tyler, the Creator subit une poussée de croissance drastique, soit il est plus intelligent que ce que nous lui avons accordé. L’approche choc et effrayante de ses premiers travaux lui a valu de nombreux détracteurs, mais aussi une base de fans enragés. Le point commun que nous avons tous partagé est notre envie d’entendre et de voir ce qui allait suivre. Puis, « Treehome95 », extrait de l’album Wolf de 2013, est arrivé et le changement progressif a commencé, avec plus de signes de Tyler le chef d’orchestre sur Cherry Bomb. Sur Flower Boy (promu sous le nom de Scum F*** Flower Boy), il présente le cœur de son ancienne personnalité, jusque-là caché. Sa peau de bâtard est presque entièrement perdue ici, avec seulement quelques restes de l’ancien Tyler sur « Who Dat Boy » et « Ain’t Got Time ». La qualité prime sur la quantité en ce qui concerne les mesures, l’accent étant mis sur une production impeccable. La batterie maniaque et les synthés déformés sont remplacés par des arrangements de cordes et des progressions d’accords délicats. À l’avenir, je vois très bien Tyler suivre la voie de son idole, Pharrell, en écrivant des musiques de films et en faisant appel à Quincy Jones pour d’autres musiciens. Sommes-nous donc en train d’assister au dévoilement de Tyler Okonma ou à une autre intrigue stratégique d’un scénario plus long ? Je dirais beaucoup des deux. – Bobby Carter

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CyHi The Prynce, No Dope On Sundays

Il est facile d’oublier que l’arme secrète derrière la conception lyrique de Kanye West pour ses derniers albums se trouve être originaire d’Atlanta. La ville a été tellement critiquée ces dernières années pour avoir accéléré les faux récits de dope-boy et déprécié l’anglais du roi pour une mélodie chantante d’une manière qui perpétue les stéréotypes sur les hommes noirs inarticulés. Mais c’est la même ville qui a donné naissance à la poésie d’Andre 3K, aux punchlines de Ludacris et à l’ardeur politique de Killer Mike. Et puis il y a CyHi The Prynce de G.O.O.D. Music. La seule raison pour laquelle son nom n’a pas résonné parmi les grands de la ville jusqu’à présent, malgré la sortie de plusieurs mixtapes difficiles, est qu’il n’avait pas d’album studio. Cela a finalement changé avec la sortie tant attendue de No Dope On Sundays. Et c’est là que réside le génie de son projet : il prend le trope du trappage de la drogue dans la ville et le renverse sur sa tête. Car, il était une fois à Atlanta, les vrais dope boys reconnaissaient aussi le sabbat. Si ce n’est pas pour exprimer leur foi en Dieu, c’est par crainte de l’unité de police Red Dog – qui était connue pour faire des ratissages aux heures les plus irrespectueuses. La démonstration lyrique de CyHi, pleine de métaphores acérées et de jeux de mots, est louable en soi. Mais c’est la rédemption qu’il réussit à faire passer, alors même qu’il étoffe sa propre dualité, qui porte No Dope On Sundays à un niveau supérieur. – Rodney Carmichael

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Jay-Z, 4 :44

En tant qu’avatar du capitalisme noir, Jay-Z a longtemps oscillé entre vanter sa propre spécificité et répandre généreusement l’évangile à nous, âmes malchanceuses et décidément plus pauvres. 4:44 s’inscrit dans cette dernière catégorie, puisqu’il présente son entreprise TIDAL, souvent critiquée, comme une participation du pouvoir noir à l’économie musicale numérique, et propose des suggestions du type « Family Feud » : « Qu’est-ce qui est mieux qu’un milliardaire ? » (« Deux », roucoule sa femme Beyoncé Knowles en appréciant.)

Malgré une opposition naturelle à l’accès actuel de la jeunesse américaine au socialisme – ou plutôt, son zèle à s’approprier ce moment aussi minutieusement qu’un candidat à la mairie post-Black Panther de la fin des années 70 – Jay-Z reste un artiste charmant et persuasif. Il nous livre des récits qui approfondissent le mythe qui l’entoure, des confessions d’infidélité conjugale sur la chanson titre aux révélations autobiographiques sur « Marcy Me » et « Smile ». Il a collaboré avec le producteur No I.D. pour la musique de l’album, qui est truffée de samples de Stevie Wonder et de Donny Hathaway. On a l’impression d’écouter un oncle préféré s’exprimer dans son fauteuil en cuir, tandis qu’un feu de cheminée crépite et qu’un tourne-disque vrombit. Et bien que la suggestion de Jay-Z selon laquelle nous pouvons tous être financièrement riches si nous travaillons assez dur semble condescendante et ridicule, nous sommes heureux d’entendre quelques histoires à dormir debout de sa part, de toute façon. – Mosi Reeves

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Future, HNDRXX

Les hommes sont socialisés pour supprimer les émotions. Cela vaut doublement pour les frères opérant dans un genre où la masculinité toxique et la misogynie sont non seulement célébrées, mais récompensées par des royalties. Il n’est donc pas étonnant que Future ait mis si longtemps à échapper aux pièges de son succès. J’ai déjà écrit sur les raisons pour lesquelles ce LP est l’un des meilleurs albums R&B de l’année, il pourrait donc sembler contradictoire de plaider pour son inclusion ici. Mais si un album met en lumière un artiste qui repousse les limites esthétiques, c’est bien HNDRXX de Future. C’est le projet que l’astronaute résident d’Atlanta mourait d’envie de sortir depuis son ascension stratosphérique. Vous vous souvenez de son premier album, Honest ? Future a dû faire marche arrière après sa sortie pour regagner les rues, et pour ce faire, il s’est lancé dans une longue série de mixtape contenant des hymnes trap rachetés. Cette production était beaucoup plus grinçante que les mélodies pop-friendly de l’album de 2014. C’est comme si les fans n’étaient pas prêts à l’embrasser dans toute sa nudité et son honnêteté. Son retour trois ans plus tard dans un état de vulnérabilité similaire – cette fois exacerbé par sa rupture publique avec son ancienne fiancée Ciara – lui a donné encore plus de carburant émotionnel à épuiser. C’est un étalage époustouflant et glorieux d’ego et d’excès masculins, le genre qui ne peut venir que d’un homme méprisé. Mais entre ses lignes amères, Future révèle un cœur victime du même cloaque émotionnel dans lequel il se noie, même s’il gargouille son dernier souffle autotuné. – Rodney Carmichael

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Rapsody, Laila’s Wisdom

Saluer Laila’s Wisdom pour la façon dont il a centré les femmes noires semble être la voie paresseuse, alors qu’en réalité, il se distingue par ses commentaires sur beaucoup d’autres choses : les relations et le pouvoir, l’industrie musicale, un moment politique où l’on a l’impression que tout le monde a une plateforme mais que personne ne sait rien du tout. Les crochets luxueux d’Anderson .Paak, de BJ the Chicago Kid et de la chanteuse canadienne Merna (dont la contribution à « You Should Know » mérite vraiment qu’on s’y attarde) donnent à l’album sa riche texture. Il en va de même pour les autres participations de grands noms : Kendrick Lamar, Busta Rhymes. Mais les meilleures parties de l’album sont les longues portions où Rapsody ne fait que rapper, générant des polyrythmies mieux que presque n’importe qui le faisant aujourd’hui, maniant le genre de jeu de mots dont on nous dit souvent que le peuple ne l’apprécie plus assez.

Je ne féliciterai pas La Sagesse de Laila pour avoir simplement existé. Je l’honorerai pour avoir été l’album auquel j’ai fini par revenir, encore et encore, pour un rappel de ce à quoi cela ressemble de défier quiconque vous dit de n’exister que dans le cadre critique qu’il a fait pour vous. Le texte sur lequel je suis bloqué est dans « Black and Ugly ». C’est une référence au remix de « One More Chance » de Biggie : « Black and ugly and still nobody fine as me ». » – Jenny Gathright

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Lil Uzi Vert, Luv Is Rage 2

« Plus haut qu’Elon Musk », se vante Lil Uzi Vert sur « Neon Guts » alors que Pharrell Williams le soutient avec son mélange inimitable de claviers sales et de mélodie sincère. Ce titre phare n’est pas le seul signe que l’album le plus populaire de Lil Uzi Vert à ce jour est la dernière évolution du pop-rap chantant. Sur « Malfunction », il ressemble à Wiz Khalifa ; sur « Early 20 Rager », il prend le relais de Kid Cudi. Le chanteur de hip-hop de Philadelphie a le mérite d’avoir alimenté une tendance répandue parmi les rappeurs, qui consiste à calquer les syllabes sur les rythmes. « Je suis celui qui a vraiment commencé tout ça », chante-t-il sur « Two ». Il ajoute quelques touches d’émotivité à sa performance, notamment sur l’énorme tube « XO TOUR Llif3 », où une petite amie lui dit, avec nihilisme : « Tous mes amis sont morts / Pousse-moi à bout. » Mais pour chaque court plongeon dans l’obscurité narcotique, comme sur « Feelings Mutual », il y a une plus grande éclaboussure de bravade harmonique réconfortante. Lil Uzi Vert est peut-être conscient de sa mortalité, mais il est trop occupé à s’amuser pour se perdre dans la dépression. – Mosi Reeves

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Kendrick Lamar, DAMN.

Le loquace Kendrick Lamar est une manne pour les chercheurs en anneaux décodeurs, qui pensent que tout acte de créativité peut être décortiqué en parties discrètes et explicables. Pourtant, toutes les thèses, réflexions et analyses approfondies qui entourent le dernier chef-d’œuvre de Lamar – sa foi chrétienne, sa négritude, ses théories sur le karma et sa fascination pour sa propre mort physique – ne parviennent pas à décrire l’air de tristesse obsédante qui plane sur tout cela. S’agit-il simplement d’un produit dérivé d’une époque où la musique pop est devenue thématiquement déprimante, encline à exprimer des abus chimiques et des pensées suicidaires ? Est-ce la grande descente après une saison électorale 2016 traumatisante ? Est-ce le fatalisme sur notre capacité à évoluer vers des êtres aimants et empathiques, résultant dans la voix désincarnée de Bekon chantant sur  » Pride « ,  » Lust’s gonna get you killed / But pride’s gonna be the death of you, and you, and me …  » ?

DAMN. est peut-être le plus désespéré des albums de Lamar, un sentiment que ses affirmations de foi sur  » Loyalty  » et  » Duckworth  » ne peuvent pas tout à fait absoudre. Il est imprégné de la notion que la foi, quelle qu’elle soit, implique des sacrifices, avec pour seul soutien la conviction que vos bonnes œuvres seront appréciées longtemps après votre ascension dans l’au-delà. – Mosi Reeves

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Courtoisie de l’artiste

Courtoisie de l’artiste

Open Mike Eagle, Brick Body Kids Still Daydream

Les projets ont servi de toile de fond à plusieurs des plus grands contes de fées du rap. Jay-Z s’est frayé un chemin dans les Marcy Houses, Prodigy a survécu à LeFrak City, Ol’ Dirty Bastard a qualifié les Whitman Houses de zoo et Nas a utilisé les Queensbridge Houses comme pochette pour illustrer sa lutte. Mais si les images des projets, et de ceux qui y vivent, sont souvent réduites à une seule dimension, l’enclave ethnique distincte née de ces mondes est rarement mise en avant.

Le MC Open Mike Eagle, originaire de Chicago, le fait en donnant vie à The Robert Taylor Homes pour son album Brick Body Kids Still Daydream de 2017. Les Robert Taylor Homes ont été démolis en 2007, mais ils constituaient autrefois le plus grand projet de logements publics du pays. Mike a grandi dans ces projets par l’intermédiaire de parents qui y vivaient. Pour le rappeur, les Homes ont été le théâtre d’expériences et d’histoires qui ont contribué à façonner son identité. Du pragmatique et puissant « Brick Body Complex » à l’apathique « (How Could Anybody) Feel at Home » et au chagrin « My Auntie’s Building », Mike crache depuis un éventail de perspectives différentes, presque comme s’il vivait dans un souvenir de l’endroit où il a grandi.

Brick Body Kids Still Daydream occupe un espace particulier dans le paysage du hip-hop cette année, car il aborde la politique de l’effacement et du déplacement des Noirs de manière personnelle, tout en mettant en avant les joies simples des enfants élevés dans des projets. Nous aurions tous besoin de plus de super-héros du ghetto. – Sidney Madden

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