Le 6 juillet 2019 marque le 25e anniversaire de la sortie de Forrest Gump. À l’époque, il s’agissait du 4e film le plus rentable jamais réalisé, avec 78 millions de billets vendus au box-office national. Il a été nommé pour treize Oscars et en a remporté six. La cassette VHS et la bande sonore à deux disques sont devenues des éléments de base du foyer américain.
Il est plus que temps de se saisir de l’influence du film. Pour le meilleur ou pour le pire, le film est l’endroit où beaucoup d’entre nous ont appris ce qu’ils n’ont pas eu en cours d’histoire, de la déségrégation au Vietnam en passant par l’épidémie de sida. C’est un film qui a appris à beaucoup d’entre nous ce que signifie avoir une histoire, et qui a inspiré certains à devenir eux-mêmes des historiens. Le film était et reste une pièce puissante de la narration historique.
Contingent a réuni six historiens pour réfléchir à ce que Gump signifie pour eux.
Casey Green
À la demande de mes élèves du secondaire, j’ai récemment regardé Forrest Gump avec mon cours d’histoire du handicap. Bien que le film soit sorti six ans avant leur naissance, ils étaient impatients de le voir – mais je me méfiais. Pour autant que je me souvienne de mon dernier visionnage, dix ans auparavant, le film était un conte moralisateur lourd de sens dans lequel le personnage principal, atteint d’une déficience intellectuelle, est présenté comme ayant réussi malgré lui et ses handicaps. En le regardant à nouveau avec mes élèves, cependant, j’ai découvert que le film avait une représentation plus complexe du handicap que dans mon souvenir.
Bien sûr, ma mémoire n’était pas complètement défaillante – il y a de nombreux aspects troublants dans la représentation du handicap dans le film. Mes élèves ont remarqué que presque toutes les blagues sont aux dépens de Forrest. C’est son manque de compréhension qui le place de façon hilarante au premier plan de divers moments historiques. Son histoire incarne également le récit pornographique inspirant. Il « surmonte » son handicap pour devenir un héros de guerre, un capitaine de crevettier et un père. Le lieutenant Dan, quant à lui, est la quintessence de l’infirme en colère.
Pour autant, mes élèves se sont penchés plus en profondeur sur le film et ont trouvé divers points positifs. Ils ont remarqué que Forrest Gump montre une variété de handicaps. Forrest a clairement une déficience intellectuelle, mais il a également une déficience physique – son appareil orthopédique pour les jambes – dans son enfance. Les jambes manquantes du lieutenant Dan sont le handicap physique le plus évident du film, mais le sida de Jenny est également handicapant. En effet, au début des années 1990, les personnes atteintes du sida se battaient pour obtenir des protections dans le cadre de l’Americans with Disabilities Act qui venait d’être adopté.
De plus, le film présente des représentations positives des personnes handicapées et de leurs familles. Par exemple, Mme Gump se donne beaucoup de mal pour que Forrest soit intégré dans les écoles locales, reflétant ainsi la lutte pour l’intégration scolaire menée par les parents d’enfants handicapés dans les années 1950. Le moment de triomphe du lieutenant Dan, lorsqu’il maudit l’ouragan puis nage dans l’océan, complique le récit de l’infirme impuissant. La complexité du handicap m’a surpris et m’a fait apprécier davantage le film. Compte tenu de cela, et de la discussion qu’il a suscitée parmi mes étudiants, je prévois de l’utiliser à nouveau en classe.
Casey Green est candidate au doctorat en histoire à l’Université du Connecticut, où elle étudie le handicap et le genre en Nouvelle-Angleterre coloniale. Elle est également conférencière associée à l’école de Louisiane pour les mathématiques, les sciences et les arts, où elle donne des cours d’histoire américaine et de gouvernement..
Don Polite Jr.
« La crevette est le fruit de la mer. »
C’est ce qu’affirme Benjamin Buford « Bubba » Blue dans l’une des scènes les plus mémorables de Forrest Gump. Lorsque Forrest monte dans le bus qui l’emmène à l’entraînement de base de l’armée, il ne trouve qu’une seule âme prête à partager son siège : Bubba. À partir de là, Forrest et Bubba sont amis, et leur amitié sert d’un des arcs émotionnels clés du film.
Après la mort de Bubba pendant la guerre du Vietnam, Forrest a gardé sa mémoire et leur amitié vivante avec la fondation éventuelle de la Bubba Gump Shrimp Company, qui a inspiré une chaîne de restaurants dans la vie réelle. La genèse de Bubba Gump Shrimp est la liste des vingt-et-une façons différentes de préparer les crevettes établie par Bubba.
Qu’on l’appelle « soul food » ou « cuisine du Sud », une grande partie de la cuisine des États-Unis peut faire remonter sa lignée aux cuisiniers noirs. Le film exploite brièvement cette histoire avec un flash-back, montrant la grand-mère et l’arrière-grand-mère de Bubba en train de servir des plats de crevettes à des hommes blancs à l’air riche. Il est sous-entendu que son arrière-grand-mère était esclave, et que l’homme blanc qui mange son plat était son esclavagiste.
Bien que les esclaves aient été formés pour préparer des festins élaborés pour leurs propriétaires, on leur donnait des restes pour leur propre alimentation, comme des rations de maïs mélangé à des graines de coton. Il en résultait une ingéniosité culinaire forcée. De nombreux plats « sudistes » contemporains, du poulet bog au hachis, sont le résultat des efforts des esclaves pour faire des repas à partir de restes.
Après avoir énuméré les vingt et une recettes de crevettes, Bubba termine : « c’est à peu près tout. » Mais ce qu’il a décrit n’était pas simple. La crevette est devenue un aliment de base de la famille Blue du film parce que c’était une ressource bon marché et accessible. La famille de Bubba a fait ce que de nombreuses générations de familles noires américaines ont fait : tirer le meilleur parti d’une ressource limitée. Dans le processus, Bubba et la famille Blue ont fourni une démonstration de l’art culinaire noir, par le biais des crevettes – « le fruit de la mer ».
Don Polite Jr. (@Polite_DPJ) est un candidat au doctorat en histoire à l’Université de Caroline du Sud, où il étudie les systèmes qui se chevauchent et se renforcent mutuellement de Jim Crow et de l’empire américain à Porto Rico.
Zachary Lechner
Comme les autres décennies qu’il dépeint, Forrest Gump offre une version » paint-by-numbers » des années 1960, qui avance une vision archi-conservatrice des politiques radicales de l’époque. Une scène qui incarne ces deux éléments problématiques se produit vers le milieu du film, après que Jenny et Forrest se soient réunis lors d’un rassemblement anti-guerre à Washington, D. C.
Lors d’un rassemblement de Black Panthers, les deux sont rejoints par le petit ami vivant de Jenny, Wesley. C’est une caricature de radicalisme politique : président de la section de Berkeley des Étudiants pour une société démocratique, affublé de lunettes de grand-mère et d’un surplus de manteau de l’armée, il prononce les slogans apocryphes courants dans l’imaginaire populaire des années 1960. « Qui est le tueur de bébés ? » demande-t-il en voyant le Forrest en uniforme. En quelques secondes, le film a caractérisé Wesley – et la Nouvelle Gauche qu’il représente – comme grossier, arrogant et privilégié.
Le traitement des Panthères dans la scène est encore plus simpliste ; comme Wesley, elles sont complètement unidimensionnelles, et encore plus stridentes. Un Panthère anonyme, joué par Michael Jace, exprime les messages antiracistes et anti-impérialistes de son organisation de manière convaincante, mais dans la scène, son message est traité comme un bruit de fond. Alors qu’il hurle des choses comme « Nous sommes contre toute guerre où les soldats noirs partent se battre et viennent se faire brutaliser et tuer dans leur propre communauté alors qu’ils dorment dans leur lit le soir », la caméra s’éloigne rapidement pour se concentrer sur l’inquiétude de Forrest face à l’escalade de la dispute entre Wesley et Jenny.
Ces révolutionnaires noirs ne sont que de la poudre aux yeux, aidant à illustrer la perte croissante d’innocence de Jenny (l’innocence de Forrest, en revanche, semble invulnérable). Sans contexte historique pour les Panthers ou leur militantisme, le public du film ne peut pas évaluer les mérites des positions du groupe, un cadrage qui rappelle la couverture de presse des années 1960 qui faisait une fixation sur la bellicosité de la rhétorique des Panthers mais ne prêtait guère attention à sa substance.
Au cas où le message du film selon lequel les membres de la gauche des années 1960 étaient excessivement en colère – et sans doute hors de contrôle – ne serait pas clair pour quiconque regarde le film, Wesley gifle Jenny, ce qui provoque un passage à tabac de Forrest alors que l’interprétation de « Hey Joe » par le Jimi Hendrix Experience retentit sur la bande sonore. (Plus tard, dissimulant sa misogynie sous une frustration politique feinte, Wesley mettra sa violence sur le compte de « cette guerre et de ce fils de pute menteur de Johnson »)
Pour faire comprendre que la gauche – noire ou blanche – ne doit pas être prise au sérieux, à la fin de la scène, juste avant que lui et Jenny ne quittent les Panthers au visage de pierre et armés, le film part à la rigolade. « Désolé de m’être battu », dit Forrest, « au milieu de votre fête des Black Panthers ».
Zachary J. Lechner (@ZacharyLechner) est professeur adjoint d’histoire au Thomas Nelson Community College et auteur de The South of the Mind : American Imaginings of White Southernness, 1960-1980.
Joe George
Imaginez que vous êtes un soldat au Vietnam. Des kilomètres de jungle épaisse ; vos bottes qui claquent dans la boue ; l’odeur du carburant diesel brûlé. Quels sont les sons qui accompagnent votre patrouille ? Entendez-vous « Fortunate Son » de Creedence Clearwater Revival ? Et la reprise de « All Along the Watchtower » de Jimi Hendrix ?
En raison de leur utilisation dans des films comme Forrest Gump, des chansons comme celles-ci sont devenues une partie de la mémoire culturelle des Américains sur la guerre du Vietnam. Jusqu’à la sortie de Gump, le Vietnam ressemblait souvent à la « Chevauchée des Valkyries » de Wagner, grâce à son rôle dans Apocalypse Now. La bande-son de Forrest Gump, cependant, a incorporé le Vietnam dans une plus grande ode musicale à la nostalgie des baby-boomers.
Dans Forrest Gump, nous vivons l’histoire comme une playlist. Le film nous transporte du tube d’Elvis Presley de l’ère Eisenhower, « Hound Dog », à l’hymne de la contre-culture des Mamas and the Papas, « California Dreamin », en passant par le soft rock de la fin des années 70, « Go Your Own Way » de Fleetwood Mac. Les mauvais moments sont apaisés par un bon rythme, et les bons moments sont juste à un saut de piste.
La bande-son du film aide même les effets visuels. Le réalisateur Robert Zemeckis a modifié de façon célèbre des séquences historiques pour créer des scènes où Forrest interagit avec des personnes comme Lyndon Johnson, Richard Nixon et John Lennon. Alors que la présence de Hanks en tant que star de cinéma et le synchronisme labial incohérent nous rappellent ce que nous regardons réellement, la musique nous aide subtilement à suspendre notre incrédulité. Alors que Gump serre la main de LBJ, « Mrs. Robinson » joue en fond sonore, nous encourageant à fusionner des éléments disparates de notre mémoire collective.
La musique nous berce en acceptant la réalité du film. À chaque visionnage (et écoute), nous nous enfonçons davantage dans un passé imaginé où la guerre et Forrest Gump et la contre-culture et Jenny et le ping-pong existent juste à côté les uns des autres.
Joe George (@JAGeorgeII) est professeur de littérature à l’Université d’État de Caroline du Nord agricole & technique et membre de l’Association des critiques de cinéma de Caroline du Nord. Vous pouvez trouver plus de son travail ici.
Jazmin Benton
Malgré les efforts de certains grands professeurs, je n’ai jamais été un particulièrement bon étudiant en histoire. Quelque chose s’est produit, cependant, en 8e année d’études sociales qui façonnerait plus tard ma relation au passé. Mon professeur a projeté Forrest Gump en classe.
Même s’il n’était pas très attentif, il a fait une avance rapide à chaque scène de sexe et a été capable d’appuyer sur MUTE juste avant chaque mauvais mot. Combien de fois avait-il vu ce film ? Quelles autres fables historiques avait-il appréciées ?
C’est ce que Forrest Gump m’a appris : toute l’histoire des Blancs est une fanfiction.
Certaines fanfictions, bien sûr, sont plus fondées sur des faits que d’autres. Mais toute compréhension que nous avons du passé a été interprétée et façonnée par des témoins, des archivistes et des universitaires, voire par nos propres parcours personnels. Considérez combien de temps nous avons cru que George Washington avait des dents en bois parce que nous étions incapables de compter avec la pourriture à la fondation de notre nation.
Forrest Gump n’a pas existé. Il n’a pas vécu l’intégration forcée de l’université d’Alabama. Mais Vivian Malone l’a fait, comme tant d’autres dont les histoires d’intégration n’ont pas été enregistrées dans la mesure de celle de Malone. Cela ne signifie pas que nous devons les ignorer. Après tout, la tâche de l’histoire des Noirs consiste à prendre une miette d’information et à la transformer en nourriture. Nous extrapolons, nous théorisons, nous projetons. Ce travail est valable.
Forrest Gump m’a appris que toute histoire blanche est une fanfiction. Et je peux faire ça aussi.
Jazmin Benton est doctorante en études visuelles à l’université de Californie, à Santa Cruz.
David Parsons
Forrest Gump ne sait pas quoi faire des années 1970. Pour être juste, les historiens non plus, mais c’est particulièrement évident dans un film qui fonctionne comme une sorte de « greatest hits » de l’expérience historique de la génération Boomer. Dans les années 1950, nous avons Elvis et les droits civiques ; dans les années 1960, le Vietnam et les hippies en colère. Et puis quoi encore ?
Et si on faisait un montage ? À un moment donné, au milieu des années 1970, après avoir enduré une série de tragédies personnelles, Gump décide de se lever de son porche et de courir. Nous obtenons alors une séquence où il fait des allers-retours en jogging à travers les États-Unis pendant des années, atteignant le statut de héros folklorique et un culte malgré le fait qu’il ne donne aucune explication pour sa course apparemment sans fin.
Pourquoi Forrest court-il ? Pourquoi tant d’Américains le suivent-ils ? Le film se fait l’écho d’un récit central des Boomers, énoncé le plus clairement dans l’article de Tom Wolfe de 1976 intitulé « The Me Decade and the Third Great Awakening » : le cataclysme des années 1960 avait laissé les Américains se sentir perdus, incapables d’assumer les événements traumatisants qui avaient façonné leur jeunesse. Selon Wolfe, lorsque les baby-boomers ont atteint la trentaine, ils se sont repliés sur eux-mêmes, cherchant des réponses non pas dans l’action collective mais dans la transformation personnelle. Ils ont découvert le yoga, la méditation, le végétarisme et d’autres formes d’amélioration de soi. Le jogging en plein air devient un phénomène national. Tom Wolfe et Forrest Gump tentent tous deux de dépeindre cette quête de sens comme bon enfant, voire un peu gaffeuse ; mais cela dément le conservatisme au cœur de la retraite des Boomers.
Forrest nous dit, en réfléchissant à sa course de fond des années plus tard : » Je pensais beaucoup à Mama et Bubba et au lieutenant Dan. Mais surtout, je pensais à Jenny. J’ai beaucoup pensé à elle. » Troublé par les souvenirs de Mama (l’ancienne génération), de Bubba (le racisme et les droits civiques) et du lieutenant Dan (la guerre du Vietnam), Gump se concentre plutôt sur une image de monogamie hétérosexuelle comme voie d’avenir.
Le conservatisme de la recherche de Gump devient encore plus clair lorsqu’il s’arrête finalement de courir et explique à ses adeptes : « Je suis assez fatigué. Je pense que je vais rentrer chez moi maintenant. » C’est une apologie du recul de la génération Boomer par rapport aux idéaux communautaires des années 1960 : nous avons essayé, nous avons échoué, nous nous sommes fatigués et nous sommes rentrés chez nous. Monument Valley, l’icône cinématographique de l’Ouest, est en arrière-plan, comme pour dire que le retour de Gump à la maison est une reconnaissance qu’il n’y a plus de frontières.
Le film se termine avec Gump chargeant son fils dans le même bus scolaire qu’il a emprunté enfant, nous ramenant à une image nostalgique sûre des années 1950, avant que le Vietnam et les droits civils et la libération des femmes ne nous déchirent tous. Ronald Reagan est président. C’est à nouveau le matin en Amérique. Après des années de fuite, nous sommes enfin revenus à notre point de départ.
David Parsons (@davidlparsons) est un instructeur adjoint dans le sud de la Californie, auteur de Dangerous Grounds : Antiwar Coffeehouses and Military Dissent in the Vietnam Era, et hôte du podcast The Nostalgia Trap.
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