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Dans une Q&A révélatrice après un long silence, Kimberly Perry affirme que cela « valait la peine de mettre les patins sur » leur trajectoire de carrière nashvillienne pour préserver leur intégrité.
Le Band Perry est passé de mourir jeune à se sentir jeune à nouveau. Pour le trio de frères et sœurs, il ne s’agit pas tant de « devenir pop » que de devenir indépendant – quelque chose qu’ils ont senti qu’ils devaient faire après avoir acheté leur sortie de leur contrat de pays, mais aussi après qu’une brève période de travail avec des labels pop et des producteurs de grands noms ait senti une impasse créative, aussi. L’EP de cinq chansons qu’ils ont publié vendredi, « Coordinates », leur première œuvre collectée à sortir en cinq ans et demi, les trouve effectivement dans un endroit très différent sur la carte – il est à la fois électroniquement concentré et intime, et il se sent à cent milles du crossover cash-grab dont beaucoup de sceptiques étaient convaincus qu’il s’agissait de leur jeu final.
Mais que vont penser les publics qui ont si récemment rempli les arènes de ce changement ? Au cours des premières heures où « Coordinates » a été mis en ligne vendredi, les réactions ont été fascinantes et divisées presque en deux. Exemples de tweets : « Une bonne chanson est une bonne chanson – moins d’histoires de classification, il suffit de monter le volume ! » « Tout le monde connaît le Band Perry, non ? Vous tous, ils ont craqué. » « Le nouvel EP électronique de The Band Perry est très déroutant pour moi mais je pense que j’aime ça… » « Comment pouvez-vous passer de ‘If I Die Young’ à cet horrible EP ? Ils n’ont plus l’air de connaître leur propre identité. » « Est-ce qu’on peut parler du changement complet de genre du Band Perry qu’ils font ROCKING ? » « Le passage du Band Perry à l’électronique est la chose la plus étrange mais aussi la meilleure qui soit arrivée cette année. » Et, en clin d’œil au refrain de leur plus grand succès, « The Band Perry vient d’enterrer leur carrière de musique country dans le satin avec un lit de roses, puis de la couler dans la rivière à l’aube. »
Variety s’est entretenu avec Kimberly, Reid et Neil pour parler de leur conviction qu’un noyau de fans les accompagnera. Ils ont également expliqué comment ils ont repris contact avec le producteur exécutif Rick Rubin, six ans après que leur ex-label Big Machine ait rejeté un prétendu deuxième album qu’il avait produit pour eux.
Pendant les deux dernières années, essayer de comprendre ce qui se passe avec le Band Perry a été l’un des grands mystères de notre époque…
KIMBERLY : Oui. C’est comme The Band Perry et Bigfoot – est-ce qu’ils existent ?
Vous avez annoncé il y a quelque temps que vous alliez vers la pop, mais cet EP donne l’impression de passer même de ce que vous faisiez avec ces singles pop, à quelque chose de différent.
KIMBERLY : Nous aimons l’idée de la fluidité des genres. si je pouvais revenir en arrière, c’est pendant la transition, quand » Stay in the Dark » est sorti, quand j’ai dit : » C’est notre première chanson pop, et notre premier album pop, avec » Bad Imagination « . » À ce moment-là, j’ai ressenti le besoin de définir les choses, parce que j’avais toujours été à l’intérieur d’une construction de musique country. Et donc je pense que j’ai ressenti le besoin de sur-définir ça et presque planter le drapeau dans le sable. Mais rétrospectivement, en prenant du recul, je me suis rendu compte qu’il est très difficile de quantifier les sons et la musique, surtout quand on puise dans un grand nombre d’influences et d’expériences différentes. Il s’agit simplement de faire de la musique que l’on aime. Pour être honnête avec vous, dans ces chansons, je dirais qu’il y a des éléments country ainsi que des éléments pop… mais aussi des éléments Kanye et des éléments « Yeezus ». Il y a des sons de machines là-dedans. On a vraiment l’impression que ça transcende . … À cet endroit plus savant, je dirais que la musique est pour tout le monde. Nous avons tellement de choses qui nous divisent chaque jour en tant qu’humains, et la musique devrait être cette chose fluide qui nous rassemble tous.
Il y a eu une période où vous aviez signé avec Interscope du côté pop, et la division Nashville d’Universal croyait pouvoir encore travailler le Band Perry du côté country. Aujourd’hui, vous n’êtes plus sous contrat et vous êtes indépendants, et vous avez également un management différent – Philymack à la place de Red Light. Qu’est-ce que ces transitions ont impliqué ?
REID : Les labels vont trop lentement. Une chose que nous réalisions, encore une fois, c’est que pour nous, il s’agit de pouvoir faire savoir aux gens exactement où nous sommes en ce moment. Et de la façon dont tout est assemblé, les maisons de disques prennent juste trop de temps pour sortir de la musique.
KIMBERLY : Nous avions définitivement besoin que les gens nous croient quand nous disions : » Hey, c’est à propos du futur. Il ne s’agit pas seulement du passé. » Vous pouvez être fiers de votre passé mais aussi être obsédés par la direction que vous prenez. Et tout le monde n’était pas vraiment d’accord avec nous, si je suis honnête, ou n’adhérait pas de la même manière, car je pense qu’il y avait cette grande tentation de travailler avec le groupe en raison de ce que nous avions déjà fait.
Un label est généralement réticent à faire quoi que ce soit qui puisse être interprété comme aliénant le public qui est venu avec l’acte à la danse, et peut seulement se rapporter à eux comme quelque chose qui est fixé dans le temps et l’espace et le genre, pourtant il y a aussi des fans qui sont investis dans un artiste et ouverts à aller avec lui pour le tour…
KIMBERLY : Totalement. Et j’ai été fan d’autres artistes dans ces deux catégories, donc je comprends ce sentiment. Une chose sur laquelle nous sommes tous d’accord, c’est que le Band Perry n’a jamais été votre artiste country bas de gamme, l’enfant de l’affiche, prévisible. Les fans qui se sont plongés dans ce que nous faisons, qui l’ont aimé et qui l’ont suivi, le savent. Honnêtement, cette perspective est ce qui nous a rendu spécial dans la country. … Et donc les fans – qu’il s’agisse de nos fans, des fans de nos chansons à la radio ou simplement des fans du genre – je pense qu’ils savent très clairement ce que nous apportons. Et j’espère que même si certains d’entre eux n’aiment pas les sons de cette nouvelle ère, ils apprécieront au moins la perspective que nous avons maintenue, qui est la chose que nous avons le plus aimée dans ce genre – son honnêteté et sa transparence. Et nous avons travaillé très dur et nous nous sommes battus très fort pour maintenir non seulement ce que nous avons apporté là, mais aussi pour garder cela avec nous à mesure que nous avançons. Et cela valait la peine de mettre les patins. Parce que nous ne voulions pas défaire ce que nous avions réussi à apporter à ce genre.
Pouvez-vous donner un exemple d’un moment où cela s’est cristallisé pour vous ?
KIMBERLY : Un grand tournant pour nous a été une chanson de « Pioneer » appelée « Chainsaw ». Je suis intensément respectueuse des auteurs de cette chanson, mais ce n’était pas une chanson qui avait besoin de venir de la voix de The Band Perry. C’est l’un des compromis que nous avons fait. Il y a eu cette discussion en coulisses où certaines personnes de notre équipe ont dit : « Hé, la country des frères est importante ; nous avons besoin que vous rivalisiez avec la country des frères. » Et je me souviens que nous étions tous les trois en train de dire « Whoa ». Mais le Band Perry, ce n’est pas ce que nous faisons, même dans le cadre de ce genre merveilleux. Ce que nous apportons, c’est un sentiment – comme dans « If I Die Young », et dans « Better Dig Two », nous avons une touche d’obscurité. Nous apportons quelque chose de très spécifique – pourquoi adoucir notre voix, même en country, pour rivaliser avec quelque chose que nous ne faisons pas ? ». Et nous avons fini par faire ce compromis parce qu’on nous a donné une sorte de non-décision, si vous voulez. Et donc c’est vraiment le moment où nous avons dit, « Très bien. Nous devons garder notre voix, parce que tout ce que nous avons construit est en train de s’effondrer à nouveau. »
Vous avez eu trois sortes de singles crossover avant cet EP, un avec Big Machine, et deux avec Interscope, qui, honnêtement, ne semblent pas aussi intéressants que la musique que vous faites maintenant. On aurait dit que vous visiez le gros hit single, juste dans un format différent.
KIMBERLY : Les » Live Forevers » du monde, même » Stay in the Dark « , bien que nous aimions ces chansons, il y avait une foule d’autres influences autour d’elles, que ce soit des producteurs, des coécrivains ou, honnêtement, des labels. Tout le monde avait son mot à dire sur la façon dont elles devaient sonner et sur la place qu’elles devaient occuper dans le monde. Et c’est l’autre chose qui nous a en quelque sorte amenés à faire : » Nous devons nous assurer que ce que nous sortons est Kimberly, Reid et Neil. «
Nous avons eu des conversations très cool l’automne dernier avec des producteurs que nous respections. L’un d’entre eux était No ID. Nous sommes allés dans son studio à Los Angeles et il avait ces pièces avec des piles d’amplis de guitare et tous ces claviers, dont certains que nous avions depuis nos premiers jours en tant que groupe. Nous avons beaucoup parlé avec lui du matériel et des raisons pour lesquelles il a choisi de faire les choses de cette manière, ce qui est intéressant. Le lendemain soir, nous sommes allés chez Mike Dean, pour qui nous avons un grand respect. Son studio avait un mur entier de synthétiseurs modulaires, et il y avait un milliard de câbles, et on avait l’impression d’être dans une machine à fabriquer des sons dans un vaisseau spatial bizarre. Ces gars-là ont été si gracieux de nous laisser entrer et nous éduquer, écouter et poser les questions.
Vous avez fait un album inédit avec Rick Rubin pour Big Machine, entre vos sorties de première et de deuxième année, et il a produit de manière exécutive votre nouvelle musique. Comment avez-vous repris contact ?
KIMBERLY : Pour avoir une perspective sur les volumes des chansons, Reid, Neil et moi allons prendre la voiture et rouler. Il se trouve qu’un samedi de l’automne dernier, nous étions sur la Pacific Coast Highway en train de faire ça, en nous demandant : » Est-ce qu’on les aime ? Sont-elles à nous ? Comment peuvent-ils être meilleurs ? » Et Shangri-La – le studio de Rick, qui appartenait à l’origine au groupe et qui est un lieu très spirituel – se trouve juste à côté de l’autoroute. L’ampoule s’est allumée. Genre, « Il faut qu’on parle à Rick. » Parce qu’il a toujours été une boussole pour nous. Il vit sa vie comme un minimaliste, et il produit et organise la musique avec des artistes qui ont ce sens du minimalisme, et qui ont le plus d’impact. Nous l’avons donc appelé et sommes retournés à Shangri-La la semaine suivante pour lui faire écouter une dizaine de chansons. Nous lui avons dit : « Hé, Rick, tu sais qui nous sommes. Écoute ces chansons et aide-nous à trouver où nous concentrer. Parce que différentes facettes d’entre elles représentent qui nous sommes. » Et donc il a pointé une chanson du lot, sur 20, et il était comme, « Je pense que vous pouvez battre cette chanson, mais c’est le son. » Et il a dit, « Les gars, vous devez sortir tout le monde de votre éthique, à part vous trois, et vous devez vous concentrer sur ce son sur lequel vous êtes tombés, et vous devez juste aller le tirer du sol et écrire cet ensemble de travail avec ça comme guide. » C’était tellement merveilleux de revenir à Rick, parce que tout ce qui nous importe, c’est d’être véridique et d’être perçu comme nous le sommes vraiment, avec précision. Et il a été un très bon challenger à cet égard.
Que s’est-il passé en 2012 ?
KIMBERLY : Il était temps de faire un deuxième projet. Et pour être honnête, vous avez peur. Vous entendez toutes ces histoires sur l’effondrement du deuxième album. On a appelé Rick et il nous a fait venir à Shangri-La où on lui a joué tout ce sur quoi on travaillait pour le deuxième projet. Il a dit : « Tout d’abord, j’adorerais faire ce projet avec vous. Deuxièmement, vous n’avez pas à avoir peur. Ne pensez pas à la radio. Ne pensez pas à ce que vous avez déjà fait. C’est votre responsabilité en tant qu’artistes d’être vous-même. »
On a donc passé deux ou trois mois à Shangri-La, et on rentrait à Nashville pour prendre des nouvelles de tout le monde. On faisait : « Salut les gars. Voilà ce qu’on est en train de faire. Est-ce que tout le monde est à l’aise avec ça ? Est-ce que vous entendez des singles ? » Nous avons donc terminé cinq chansons avec Rick et les avons apportées à une réunion avec notre label de l’époque, et tout le monde était juste amoureux – je veux dire, obsessionnellement amoureux. Il y a eu une fête dans le bus parce qu’on nous avait dit que nous avions nos premier et deuxième singles dans ce lot, et ils nous ont vraiment donné le pouvoir de revenir en arrière et de terminer. Ils nous disaient : « Amusez-vous avec l’autre moitié de l’album. Profitez-en ! On a ce qu’il nous faut. » Nous étions fous de joie. Et puis un mois après, on est revenu à Nashville pour une session d’écoute à 23h dans la salle de conférence du label. Nous avons remarqué qu’à chaque fois qu’une chanson se terminait, personne ne disait rien. C’était un silence très gênant. Nous avons écouté 10 morceaux, et la réunion s’est terminée de manière très abrupte. Ils nous ont demandé « qu’est-ce qu’ils écoutaient ». « C’est le projet de Rick Rubin que vous avez adoré il y a un mois ! » Et je dirai que si je peux regarder dans notre histoire le moment où tout a changé, c’était cette nuit-là et ce moment-là.
REID : Les choses que nous avions apprises de Rick étaient comme l’huile et l’eau quand nous l’avons ramené à la maison.
KIMBERLY : Donc il a été mis de côté immédiatement, et ensuite nous sommes juste passés en mode survie. Il était temps de rendre l’album et ils étaient comme, « Nous avons besoin d’un single immédiatement. » Donc nous à apporter les chansons que nous avons écrites à Shangri-LA et à trouver un autre producteur pour eux.
REID : En fait, nous avons ces chansons de Rick Rubin avec nous. Lorsque nous avons acheté notre sortie du label, nous avons mis dans le contrat que nous pouvons les prendre avec nous. En ce moment, nous voulons vraiment sortir de la musique qui est très présente à l’endroit où nous sommes. Mais nous les avons et nous aimerions les sortir à un moment donné.
Cet EP était-il aussi sévèrement DIY que cela a été suggéré ?
REID : C’est nous quatre – Kimberly, Neil, Owen (Thomas) et moi-même – qui étions en studio. Nous avons récupéré un tas de matériel analogique, de vieux synthés et des boîtes à rythmes, et nous nous sommes juste terrés pendant plusieurs mois.
NEIL : L’une des choses que nous voulions dès le début était d’utiliser du matériel analogique, ce qui donnait aux instruments électroniques un sentiment de réalité que nous que nous voulions toujours maintenir.
KIMBERLY : Un fil conducteur que nous avons vraiment vu persister est notre penchant pour le langage. Nous aimons la poésie. Nous avons grandi avec la littérature gothique du Sud, nous aimons ces petits ingrédients de noirceur. Et donc l’humeur de nos compositions n’a pas vraiment changé. Une chose dont je suis fier, c’est que, même avec tous les sons fous – comme l’apport d’un Moog, de quelques 808 et de la programmation de la batterie – c’est que la chanson reste. C’est un conseil permanent de Rick, car nous remettons en question différentes parties de la chanson pour les améliorer : est-ce que celle-ci tient la route avec une guitare et un piano ? Nous étions un groupe de rock indépendant quand nous étions enfants, puis nous avons fait notre temps dans la campagne, et les chansons ont toujours été la chose la plus importante. … Notre plus grande priorité en tant qu’artistes a toujours été de faire la musique que nous aimons. Si cela signifie qu’il y a un banjo dessus, mettons un banjo dessus. Si nous ne voulons pas mettre un banjo dessus, pouvons-nous être dans une situation où nous n’avons pas à le faire ?
John Taylor, coprésident de Philymack management, déclare : » S’ils voulaient rester dans la scène de la musique country et continuer à faire des disques pour vendre des billets sur ce marché, ils auraient pu facilement continuer à le faire. Mais cela a laissé un vide créatif en eux. Et cela m’inspire – comme si ces gars étaient prêts à laisser de l’argent sur la table et à payer pour tout laisser derrière eux afin de faire ce qu’ils veulent vraiment faire artistiquement. » (Il affirme que le groupe a payé pour se libérer de son contrat avec Big Machine et récupérer les masters originaux de Rubin. Big Machine a refusé tout commentaire.) « Dans le monde de la création de marques et de partenariats, nous n’entendons pas toujours parler de cela : ils ont dit : « L’art est vraiment, vraiment, vraiment important pour nous ». C’est facile de regarder la situation en surface et de se dire que ces gars-là s’éloignent de leur base de fans nationaux. Nous sommes assez confiants dans le fait qu’une bonne partie de cette base de fans de country qui ne sont pas des auditeurs passifs de musique country sont là pour la balade. »
En ce qui concerne les attentes, Taylor dit : « Nous ne sommes pas étrangers à la chose de la réinvention ici à Philymack. Cela prend du temps », ajoute-t-il, et ils cherchent à réintroduire progressivement le groupe avant d’aller chercher les grosses annonces radio. « Il n’y a pas de parallèle exact ici, mais si vous regardez certains des groupes de pop pour adolescents qui sont devenus des groupes de pop radiophoniques légitimes que nous avons eus chez Philymack, la première chose à laquelle je pense est probablement Nick (Jonas). C’était une situation similaire, et après une année passée à raconter son histoire de la bonne manière, à s’accrocher à ses idées et à faire la musique qu’il voulait faire avec les collaborateurs qu’il voulait, il est passé de « Oh, c’est le gars des Jonas Borthers » à Nick Jonas avec un tube radio numéro un. Nous avons un peu d’histoire à raconter et nous devons changer les perceptions, et c’est là que vous pouvez voir les parallèles : le monde vous voit comme ceci, et vous aimeriez être vu comme cela parce que c’est ce que vous êtes vraiment. En aucun cas, il ne s’agissait de dire « Hé les gars, allez-y, arrachez le pansement. Dites adieu à tout ce que vous avez connu pour vous réinventer et repartir à zéro ». C’est plutôt qu’ils sont sortis lentement de leur coquille. »