Un auteur-compositeur en herbe m’a récemment posé plusieurs questions intrigantes : « Quelles sont les capacités dont j’ai besoin pour écrire des chansons ? Dois-je être capable de lire et d’écrire de la musique ? Jouer du clavier ou de la guitare ? Chanter juste ? » Il a poursuivi en demandant quelles compétences supplémentaires il lui faudrait pour enregistrer des démos et collaborer avec succès avec d’autres auteurs-compositeurs.
Regardons les compétences qui sont nécessaires – et celles qui ne le sont pas – pour réussir à écrire et à enregistrer des chansons.
Vous faut-il savoir jouer de la guitare ou du clavier ?
Lorsque je me suis inscrit à mon premier atelier d’écriture de chansons en 1980, mes compétences en tant que guitariste étaient loin d’atteindre le niveau de mes camarades de classe. Certains d’entre eux pouvaient flamboyer à travers des licks et des riffs qui sonnaient comme s’ils appartenaient à des singles numéro 1. Moi, par contre, j’étais autodidacte à la guitare et à la mandoline, et je ne savais jouer que les accords les plus basiques. J’avais à peu près les mêmes chances de maîtriser les accords de mesure à la guitare que de me faire pousser des ailes. Il était hors de question d’inclure des accords de fa, de fa#, de si, de si bémol, de do# et d’autres accords difficiles à jouer dans mes chansons originales. J’étais encore plus limité au niveau des claviers.
Mais même avec seulement six ou sept accords au bout des doigts, je me suis aperçu que j’étais capable de composer des mélodies accrocheuses. Certains des Keith Richards en herbe de ma classe pouvaient exécuter des solos de guitare incroyables et jouer des grooves géniaux, mais ces compétences ne se traduisaient pas nécessairement par des mélodies mémorables à faire chanter par un chanteur.
Je ne veux pas dire que les grooves et les progressions d’accords convaincantes ne sont pas des aspects essentiels de nombreuses compositions réussies. Ces deux talents peuvent contribuer à faire d’une chanson un succès. Mais la capacité à jouer d’un instrument – et la capacité à écrire des mélodies mémorables – sont des compétences complètement différentes.
Savoir maîtriser les claviers ou la guitare peut être énormément utile, mais ce n’est pas obligatoire pour ceux qui espèrent composer des mélodies mémorables. J’ai écrit l’une de mes mélodies les plus réussies a capella, sans jamais toucher un instrument. J’ai chanté et enregistré la mélodie dans mon téléphone. Tant que vous pouvez enregistrer les mélodies que vous entendez dans votre tête, vous pouvez trouver les accords plus tard – ou demander à quelqu’un de vous aider à le faire.
J’ai travaillé avec des producteurs de morceaux à succès qui composent des pistes d’accompagnement comprenant de multiples parties de clavier élaborées, ainsi qu’une basse et une batterie programmées. Plusieurs de ces auteurs-compositeurs-producteurs talentueux étaient incapables de jouer des claviers. Pendant nos sessions d’écriture, ils n’ont jamais touché un instrument ; en fait, il n’y en avait même pas dans la pièce. Leur composition se faisait uniquement au sein de leurs ordinateurs.
Avez-vous besoin de connaître les structures de base des chansons et les schémas de rimes ?
La réponse simple est » oui « . Lorsque j’ai commencé mon parcours d’écriture de chansons, je n’avais aucune idée que presque toutes les chansons qui faisaient partie de la bande sonore de ma vie étaient construites à l’aide de couplets, de refrains, de ponts et, parfois, de pré-chorus. (Back then post-choruses were not being used.) I was equally oblivious to the fact that most popular songs were constructed by joining those elements in quite specific ways.
For example:
- Verse – Chorus – Verse – Chorus
- Verse – Chorus – Verse – Chorus – Bridge – Chorus
- Verse – Verse – Bridge – Verse
- Verse – Verse – Bridge – Verse – Bridge – Verse
Similarly, I had no clue that rhymes were typically included in prescribed places.
For example:
In a 4-line section there are two places where we typically find rhymes:
- lines 2 and line 4 -or-
- lines 1 & 2 and lines 3 & 4
While there are several popular variations in song forms and rhyme schemes, these are the basics. La plupart des auditeurs ne sont pas conscients des formes de chansons ou des schémas de rimes, mais ils ont passé toute une vie à les entendre à la radio, donc lorsqu’une chanson n’adhère pas aux structures ou aux schémas de rimes typiques, quelque chose semble clocher.
Il existe certainement des exemples de chansons à succès qui varient des formes attendues. Mais il est préférable d’apprendre les bases puis de s’en écarter, si vous choisissez, sur la base d’une décision créative – et non parce que vous n’étiez pas conscient de vous écarter de ce que les auditeurs ont appris à attendre. La bonne nouvelle est qu’avec si peu de structures de chansons et de schémas de rimes couramment utilisés, ces outils peuvent être maîtrisés rapidement.
Vous devez être capable de chanter juste ?
Les compositeurs doivent être capables de faire sortir de leur tête les mélodies vocales qu’ils écrivent pour les enregistrer. Avec l’utilisation de programmes d’auto-tune, les voix peuvent facilement être accordées à la perfection. Pour ceux qui sont incapables de chanter en temps et d’exécuter les rythmes qu’ils entendent dans leur tête, un ingénieur du son compétent peut utiliser des programmes d’enregistrement numérique pour décaler les voix (et les instruments) afin d’obtenir le rythme juste.
Ceux qui sont tout simplement incapables de chanter pourraient débiter leurs mélodies sur un clavier ou un autre instrument. Rappelez-vous, votre objectif n’est pas de produire un enregistrement digne d’un GRAMMY si vous êtes un non-chanteur. Vous devez juste capturer la bonne mélodie pour qu’un chanteur de démonstration puisse l’apprendre.
Vous faut-il savoir lire la musique ?
Les auteurs et compositeurs de chansons n’ont pas besoin de savoir lire ou écrire la notation musicale. Dans les années 1980, lorsque j’étais inscrit au programme de composition pour le cinéma et la télévision de l’UCLA Extension, je passais d’innombrables nuits courbé sur du papier de notation musicale (également appelé papier de manuscrit musical ou papier de portée musicale) jusqu’à l’aube, écrivant à la main les parties que les instruments individuels joueraient lorsque ma composition serait exécutée. Aujourd’hui, avec l’avènement des logiciels de notation musicale, il nous suffit de jouer une composition sur un clavier. L’ordinateur peut faire le reste, en générant des partitions – la notation musicale – qui expriment ce qui a été joué.
Au cours des vingt dernières années, on ne m’a jamais demandé de fournir une partition principale, et je ne connais aucun autre auteur-compositeur à qui cela a été demandé. Mon avis est que peu de musiciens qui se produisent sur mes démos – et encore moins de cadres de l’industrie musicale – seraient capables de la lire. À moins que cela n’ait été demandé, inclure des partitions lors de la soumission d’une démo à un éditeur de musique, à un autre professionnel de la musique ou à une maison de disques équivaut à marquer votre soumission à l’encre rouge : « AMATEUR ». Cela ne se fait tout simplement pas.
Cependant, il est nécessaire de fournir des partitions comprenant les accords et toute notation rythmique cruciale aux musiciens qui enregistrent vos chansons. Si vous êtes incapable de créer un diagramme d’accords précis, vous devrez engager quelqu’un pour le faire à votre place. Si vous connaissez les accords de votre chanson, il vous suffit de demander à quelqu’un de les mettre sous la forme d’un tableau d’accords. Dans de nombreux cas, un musicien inscrit à votre session le fera pour vous, mais il est important de le prévoir à l’avance.
En revanche, si vous avez écrit votre chanson a capella et que vous ne parvenez pas à trouver les accords, vous pourriez engager quelqu’un pour harmoniser votre mélodie vocale, c’est-à-dire fournir les accords. Dans ce cas, il est essentiel de déterminer dès le départ s’il s’agit d’une collaboration. Dans une large mesure, cela sera déterminé par le genre de musique et votre emplacement.
Avant de préparer un tableau d’accords, demandez à vos musiciens s’ils préfèrent un tableau standard qui utilise les noms des accords (comme « C » ou « Bb ») ou le « Nashville Number System », qui utilise des chiffres au lieu de lettres.
Quelles sont les compétences nécessaires pour enregistrer une démo?
Dans le monde actuel, les musiciens créent presque toujours leurs propres parties sur les enregistrements sur lesquels ils jouent. Par exemple, nous ne disons pas au bassiste les notes exactes que nous aimerions qu’il joue. Nous décrivons la façon dont nous voulons que cela sonne et les musiciens créent leurs parties. Ainsi, les compétences les plus importantes requises pour enregistrer une démo géniale sont la capacité à exprimer ce que vous voulez – et la capacité à engager les musiciens et les ingénieurs du son qui peuvent fournir les enregistrements que vous envisagez.
Les musiciens et les chanteurs ne sont pas des lecteurs d’esprit et apprendre à transmettre ce que nous entendons dans notre tête est une compétence acquise qui s’améliore avec la pratique. Plus nous sommes précis dans nos descriptions, plus nous avons de chances d’obtenir un enregistrement qui est tout ce que nous espérons et plus encore. Dire à vos musiciens : « Je veux que ça ressemble à une chanson country à succès » ne leur donne pas suffisamment d’informations. La musique country couvre le spectre des sons traditionnels d’artistes tels que Midland et Kacey Musgraves aux sons d’influence pop d’artistes tels que Keith Urban et Florida Georgia Line.
Il sera plus efficace de spécifier une chanson qui se rapproche de l’instrumentation, des sons et des grooves que vous espérez capturer sur votre enregistrement. En disant : » Je veux que ce soit dans la timonerie de ‘Bitch Better Have My Money’ de Rihanna « , puis en jouant cette chanson, vos musiciens peuvent étudier et émuler les sons et les parties musicales qui ont été utilisés dans cet enregistrement, tout en proposant quelque chose qui soit distinctif et original pour votre chanson.
Quelles sont les compétences nécessaires pour collaborer ?
Il existe une grande variété de compétences qu’une personne peut apporter à une collaboration. Il y a de la place pour ceux qui n’écrivent que des paroles, que des mélodies, ceux qui produisent des backing tracks, et d’autres encore. Vous pouvez être un collaborateur précieux si votre principale compétence est la création de licences instrumentales accrocheuses, la création de grooves géniaux, l’apport de titres originaux et uniques, ou d’innombrables autres compétences. L’un des avantages de la collaboration est que nous n’avons pas besoin de pouvoir tout faire.
De toute évidence, il serait difficile pour un parolier de terminer une chanson si son cowwriter n’écrit également que des paroles. Il est donc important de demander quelles compétences vos coauteurs potentiels apporteront, pour vous assurer d’écrire avec des collaborateurs qui complètent vos capacités. Si nécessaire, vous pouvez faire appel à un rédacteur supplémentaire qui pourra apporter les éléments dont vous avez besoin.
La ligne de fond
Si savoir jouer de la guitare ou des claviers, et être capable de chanter et de trouver les meilleurs accords pour harmoniser vos mélodies sont des outils précieux pour ceux qui espèrent écrire des tubes, ils ne sont pas obligatoires. En supposant que vous ayez une ou plusieurs des nombreuses compétences qui peuvent contribuer à une grande chanson, les attributs les plus importants nécessaires pour réussir à écrire des chansons sont une attitude positive, la capacité de rebondir après un rejet, être le genre de personne avec qui les gens ont hâte de travailler, et une forte croyance en vos talents et capacités. Ces traits, plus une bonne dose de persistance et de détermination, pourraient bien être les outils dont vous avez besoin.
Jason Blume est l’auteur de 6 Steps to Songwriting Success, This Business of Songwriting, et Inside Songwriting (Billboard Books). Ses chansons figurent sur des albums nommés aux Grammy Awards et se sont vendues à plus de 50 000 000 d’exemplaires. Il a été conférencier invité au Liverpool Institute for Performing Arts (cofondé par Sir Paul McCartney) et à la Berklee School of Music. Pour obtenir des informations sur ses ateliers, des articles supplémentaires, des téléchargements audio didactiques et bien d’autres choses encore, visitez le site www.jasonblume.com.
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