Rhythm and blues

Le rhythm and blues, également appelé rhythm & blues ou R&B, terme utilisé pour plusieurs types de musique populaire afro-américaine d’après-guerre, ainsi que pour certaines musiques rock blanches qui en sont dérivées. Le terme a été inventé par Jerry Wexler en 1947, alors qu’il éditait les classements de la revue Billboard et qu’il avait constaté que les maisons de disques publiant de la musique populaire noire considéraient les noms des classements alors utilisés (Harlem Hit Parade, Sepia, Race) comme dégradants. Le magazine a changé le nom du hit-parade dans son numéro du 17 juin 1949, après avoir utilisé le terme rhythm and blues dans ses articles pendant les deux années précédentes. Bien que les disques apparaissant par la suite dans le palmarès rhythm-and-blues de Billboard relèvent de styles différents, le terme a été utilisé pour englober un certain nombre de formes contemporaines apparues à cette époque.

Peut-être que la signification la plus communément comprise du terme est comme une description de la musique urbaine sophistiquée qui se développait depuis les années 1930, lorsque le petit combo de Louis Jordan a commencé à faire des disques basés sur le blues avec des paroles humoristiques et des rythmes entraînants qui devaient autant au boogie-woogie qu’aux formes classiques du blues. Cette musique, parfois appelée jump blues, a établi un modèle qui est devenu la forme dominante de la musique populaire noire pendant et pendant un certain temps après la Seconde Guerre mondiale. Parmi ses principaux praticiens figuraient Jordan, Amos Milburn, Roy Milton, Jimmy Liggins, Joe Liggins, Floyd Dixon, Wynonie Harris, Big Joe Turner et Charles Brown. Si de nombreux numéros du répertoire de ces interprètes étaient dans la forme classique du blues A-A-B à 12 mesures, d’autres étaient des chansons pop directes, des instrumentaux proches du jazz léger ou des compositions pseudo-latines.

Au sein de ce genre, il y avait le rhythm and blues en grand groupe et en petit groupe. Le premier était pratiqué par des chanteurs dont l’expérience principale était celle des big bands et qui étaient généralement des employés engagés par des chefs d’orchestre tels que Lucky Millinder (pour le groupe duquel Harris chantait) ou Count Basie (dont les chanteurs comprenaient Turner et Jimmy Witherspoon). Les petits groupes se composent généralement de cinq à sept pièces et comptent sur les musiciens individuels pour se relayer sous les feux de la rampe. Ainsi, par exemple, dans le groupe de Milton, ce dernier jouait de la batterie et chantait, Camille Howard jouait du piano et chantait, et les saxophonistes alto et ténor (Milton en a connu plusieurs) apparaissaient chacun au moins une fois. Une autre caractéristique des petits groupes de rhythm and blues est la relégation de la guitare, si tant est qu’il y en ait une, à un rôle de chronométreur, car le solo de guitare est considéré comme « country » et peu sophistiqué. L’exemple le plus extrême de cela était Brown, à la fois dans son travail précoce avec les Three Blazers de Johnny Moore et dans son travail ultérieur en tant que chef d’orchestre ; dans les deux cas, le groupe était composé d’un piano, d’une basse et d’une guitare, mais les solos étaient presque totalement gérés par Brown au piano.

Les débuts du rhythm and blues ont été enregistrés en grande partie à Los Angeles par de petits labels indépendants comme Modern, RPM et Specialty. La fondation d’Atlantic Records en 1947 par Ahmet Ertegun, un fan de jazz et le fils d’un diplomate turc, et Herb Abramson, un professionnel de l’industrie musicale, a déplacé le centre de l’industrie à New York. En 1953, ils ont fait appel à Wexler comme partenaire, et Ertegun et lui ont contribué à faire avancer le rhythm and blues. Atlantic a engagé des musiciens de jazz comme musiciens de studio et, grâce à son ingénieur, Tom Dowd, a accordé une attention particulière à la qualité sonore de leurs enregistrements. Elle a introduit certains des plus grands noms féminins du rhythm and blues – notamment Ruth Brown et LaVern Baker – et a signé Ray Charles, qui avait imité Charles Brown, et l’a aidé à trouver une nouvelle direction, qui allait évoluer vers la soul. Wexler et Ertegun travaillent en étroite collaboration avec Clyde McPhatter (à la fois dans et hors de son groupe les Drifters) et Chuck Willis, tous deux des figures importantes du rhythm and blues du début des années 1950. King Records à Cincinnati (Ohio), les labels Chess et Vee Jay à Chicago et Duke/Peacock Records à Houston (Texas) ont également joué un rôle essentiel dans la diffusion du rhythm and blues, tout comme Sun Records à Memphis, Tennessee – avant que Sam Phillips ne se tourne vers Elvis Presley et la musique rockabilly – et J&M Studio à la Nouvelle-Orléans, en Louisiane, où ont été enregistrés un certain nombre des disques les plus importants sortis sur les labels basés à Los Angeles.

Au milieu de la décennie, le rhythm and blues en était venu à désigner une musique populaire noire qui n’était pas ouvertement destinée aux adolescents, car la musique qui commençait à être connue sous le nom de rock and roll comportait parfois des paroles qui concernaient le premier amour et les conflits parents-enfants, ainsi qu’une approche moins subtile du rythme. De nombreux groupes vocaux doo-wop étaient donc considérés comme des groupes de rock-and-roll, tout comme des artistes tels que Little Richard et Hank Ballard and the Midnighters. La distinction entre le rock-and-roll et le rhythm and blues n’étant pas fondée sur des règles strictes, la plupart des artistes ont publié des disques qui entraient dans les deux catégories. De plus, certains chanteurs qui furent plus tard considérés comme des interprètes de jazz – en particulier Dinah Washington – apparurent également dans les hit-parades de rhythm-and-blues, et un flux constant d’instrumentaux dirigés par des saxophones, fermement inscrits dans la tradition du rhythm-and-blues, continua d’être produit par des interprètes tels que Joe Houston, Chuck Higgins et Sam (« The Man ») Taylor, mais fut considéré comme du rock-and-roll et fut souvent utilisé comme musique de thème par les disc-jockeys des radios rock-and-roll.

La division basée sur l’âge du public visé par la musique populaire noire signifiait également que, vers le milieu des années 1950, une grande partie du blues électrique guidé par la guitare provenant de Chicago et de Memphis était désormais considéré comme du rhythm and blues, car il plaisait aux acheteurs plus âgés. Ainsi, bien qu’ils n’aient rien ou presque rien en commun avec la génération précédente de crieurs de blues soutenus par des groupes, des artistes tels que Muddy Waters, Howlin’ Wolf et B.B. King (qui, parce qu’il utilisait une section de cuivres quand il le pouvait, était peut-être plus proche de l’ancienne génération que des bluesmen de Chicago) ont été considérés comme des interprètes de rhythm and blues. Une figure importante de cette transition est Ike Turner, un pianiste devenu guitariste originaire du Mississippi qui travaille comme découvreur de talents pour plusieurs labels et dirige un groupe appelé Kings of Rhythm, qui accompagne nombre de ses découvertes sur disque. Lorsque Turner épousa l’ancienne Anna Mae Bullock et la rebaptisa Tina Turner, l’Ike and Tina Turner Revue devint une force significative dans la modernisation du rhythm and blues, se passant de la section de cuivres mais incluant un trio de choristes féminines qui avaient pour modèle les Raelettes de Ray Charles.

En 1960, le rhythm and blues était, sinon une force usée, du moins vieillissant avec son public. Des interprètes comme Washington, Charles et Ruth Brown se produisaient davantage dans les boîtes de nuit que dans les revues à plusieurs interprètes dans lesquelles ils s’étaient fait connaître. Bien que des artistes plus jeunes, comme Jackie Wilson et Sam Cooke, aient clairement une dette envers la génération précédente d’artistes de rhythm and blues, ils sont davantage des figures de transition qui, comme Charles, établissent le nouveau genre de la soul. De manière significative, dans l’édition du 23 août 1969 de Billboard, le nom du palmarès de la pop noire change à nouveau, pour devenir soul. Bien que la soul soit alors devenue le terme privilégié pour désigner la musique populaire noire, dans certains milieux, le rhythm and blues a continué à être utilisé pour désigner presque tous les genres de musique noire de l’après-Seconde Guerre mondiale.

Le terme rhythm and blues a toutefois atteint une nouvelle signification grâce aux groupes britanniques qui ont suivi dans le sillage des Beatles. La plupart de ces groupes, notamment les Rolling Stones, jouaient un mélange de blues de Chicago et de rock and roll noir et qualifiaient leur musique de rhythm and blues. Ainsi, les Who, pourtant quintessence du rock mod, annonçaient leurs premières prestations comme « Maximum R&B » pour attirer un public. Bien que les groupes qui ont suivi cette génération – les Bluesbreakers de John Mayall et Fleetwood Mac, par exemple – se soient appelés eux-mêmes des groupes de blues, le rhythm and blues est resté la rubrique des Animals, Them, the Pretty Things et autres. Aujourd’hui, un groupe qui s’annonce comme du rhythm and blues suit presque certainement cette tradition plutôt que celle des premiers pionniers.