Parmi les compositeurs qui ont été le fer de lance du modernisme en musique au début du XXe siècle, c’est Igor Stravinsky (1882-1971) dont l’influence s’est avérée la plus durable et la plus omniprésente. Alors que la propre musique de Stravinsky a radicalement changé de direction à deux reprises au cours de ses 70 ans de carrière – si radicalement, en fait, que ses œuvres de chaque phase auraient facilement pu être écrites par des compositeurs différents – sans lui, la musique du XXe siècle aurait pu suivre un cours très différent.
La musique que vous pourriez reconnaître
Pour beaucoup, leur première rencontre avec la musique de Stravinsky se fait dans le célèbre film d’animation Fantasia de Walt Disney en 1940, dans lequel son œuvre la plus célèbre, Le Sacre du printemps, accompagne la plus longue séquence du film, décrivant la création de la Terre, et des dinosaures. Stravinsky aurait détesté la façon dont Disney avait utilisé sa musique. Plus récemment, des musiciens, de Charlie Parker et Ornette Coleman à Joni Mitchell et aux Pet Shop Boys, ont fait particulièrement référence au Sacre, tandis que d’innombrables musiques de films – de celle de Bernard Hermann pour Psychose, de celle de Jerry Goldsmith pour La Planète des singes à celles de John Williams pour Les Dents de la mer et La Guerre des étoiles – lui doivent une dette audible.
Sa vie…
Stravinsky grandit à Saint-Pétersbourg, en Russie, où son père est une grande basse de l’Opéra impérial. Ses parents le découragent de faire une carrière musicale, insistant plutôt pour qu’il fasse des études de droit à l’université de Saint-Pétersbourg. Là, il se lie d’amitié avec Vladimir, le plus jeune fils du compositeur Nikolaï Rimski-Korsakov, et grâce à lui, il peut organiser des leçons avec son père, qui se poursuivront jusqu’à la mort du compositeur plus âgé en 1908.
En plus d’un Chant funèbre, mémorial à son professeur et redécouvert seulement récemment, les œuvres que Stravinsky a écrites pendant cette période comprennent une Symphonie en mi bémol. Mais ce sont deux chefs-d’œuvre orchestraux brillamment colorés, Scherzo Fantastique et Fireworks, qui attirent l’attention de l’impresario Serge Diaghilev, qui cherche un Russe pour composer un ballet sur la légende de l’Oiseau de feu pour sa saison des Ballets Russes à Paris. L’Oiseau de feu fut créé en 1910 et connut un succès immédiat.
À cette époque, Stravinsky a une femme et deux enfants, et la famille partage son temps entre la France et la Suisse, où il écrit sa deuxième partition de ballet pour Diaghilev, Petrouchka. Créée en 1911, elle n’est pas aussi bien accueillie que l’Oiseau de feu, mais sa troisième œuvre pour les Ballets russes est Le Sacre du printemps, dont la première à Paris, en mai 1913, est l’une des plus sensationnelles de l’histoire de la musique, même si elle n’est pas tout à fait l’émeute que l’on prétend parfois. Le primitivisme du scénario, dans lequel une jeune fille est choisie comme victime sacrificielle et danse jusqu’à la mort, était assorti de la violence sans précédent de la partition de Stravinsky, avec ses niveaux élevés de dissonance, son mètre irrégulier et sa féroce impulsion rythmique. L’enchantement féerique de L’Oiseau de feu et le monde de la Russie tsariste avaient été laissés loin derrière.
Et les temps…
Les trois grands événements qui ont changé le monde du vivant de Stravinsky, les deux guerres mondiales et la révolution russe, ont tous eu une incidence directe sur sa carrière, déterminant où il s’est installé et comment sa musique s’est développée. Après la première du Sacre, il retourne brièvement en Russie, où il commence son premier opéra, Le Rossignol, mais après une autre brève visite en 1914, il n’y retournera pas pendant 48 ans. La famille Stravinski passe les années de la Première Guerre mondiale en Suisse, où les possibilités de représentation sont limitées, ce qui signifie qu’il est hors de question de créer des œuvres orchestrales de grande envergure. Stravinsky se tourne alors vers le drame musical à petite échelle, avec Renard et L’Histoire du soldat, des pièces qui sont aujourd’hui considérées comme les précurseurs du théâtre musical de la fin du XXe siècle.
Après la guerre, les Symphonies d’instruments à vent, un mémorial à Debussy, s’avèrent être l’une de ses réalisations les plus remarquables, avec sa construction en mosaïque, tandis qu’une autre partition tout à fait originale, le ballet Les Noces, écrit pour solistes, chœur, quatre pianos et percussions, ainsi que l’opéra comique en un acte Mavra, constituaient effectivement un adieu au monde de la culture populaire russe qui avait sous-tendu la musique de Stravinsky pendant près de deux décennies.
Mavra est également l’une des premières œuvres à révéler le remarquable changement stylistique qui s’est imposé à sa musique dans les années 1920. Une fois de plus, Diaghilev a servi de catalyseur, suggérant à Stravinsky de composer un ballet sur un scénario de commedia dell’arte du XVIIIe siècle, en utilisant la musique de Giovanni Pergolesi comme point de départ. Le résultat fut Pulcinella, dans lequel Stravinsky emprunta des formes et des thèmes baroques ; ce fut, dira-t-il plus tard, » ma découverte du passé, l’épiphanie par laquelle l’ensemble de mon œuvre tardive devint possible. »
Entre les deux guerres, Stravinsky était basé en France. En plus de composer, il se construit une carrière de chef d’orchestre, et les œuvres qu’il produit continuent de montrer la clarté formelle et la retenue du style néoclassique qu’il avait découvert avec Pulcinella. Il y eut d’autres ballets – Apollo, Le baiser de la fée (sur une musique de Tchaïkovski) et Jeu de cartes -, des concertos pour piano et violon, et l’une de ses œuvres les plus populaires du milieu de la période, la Symphonie de psaumes (1930). Et à mesure que sa renommée internationale s’accroît, il collabore avec certains des écrivains et artistes les plus célèbres de l’époque. Parmi eux, Pablo Picasso, le dramaturge et cinéaste Jean Cocteau (sur l’opéra-oratorio Oedipus Rex de 1927), et l’écrivain André Gide.
Stravinsky s’installe aux États-Unis en 1939. Sa première femme, Katya, était décédée plus tôt la même année, le laissant libre d’épouser la danseuse et artiste Vera de Bosset, avec qui il entretenait une relation depuis 1921. Le couple s’installe à Los Angeles, où il se retrouve au sein d’une communauté artistique expatriée comprenant des musiciens et des écrivains tels qu’Otto Klemperer et Arthur Rubinstein, Thomas Mann et Aldous Huxley, tandis que d’autres – WH Auden et Dylan Thomas – lui rendent régulièrement visite sur place.
Les œuvres majeures des premières années aux États-Unis sont deux symphonies, la Symphonie en ut et la Symphonie en trois mouvements. Lui et Vera deviennent citoyens américains en 1945, et Stravinsky entreprend de rétablir les droits d’auteur sur ses œuvres, de réorchestrer un certain nombre de ses principales partitions et de signer un nouveau contrat d’édition lucratif. La visite d’une exposition de gravures de William Hogarth est le point de départ de l’œuvre culminante de sa période néoclassique, l’opéra The Rake’s Progress, créé à Venise en 1951. Auden et Chester Kallman ont écrit un livret basé sur les gravures de Hogarth, décrivant l’histoire d’un jeune homme tenté par la débauche et la ruine, tandis que Stravinsky a modelé sa partition sur l' »opéra à numéros » classique, constitué d’un enchaînement d’airs imposés entrecoupés de passages de récitatifs.
Après Le Rake, la musique de Stravinsky change à nouveau de direction. Sa musique représente un courant distinct du modernisme d’Arnold Schoenberg et de la seconde école de Vienne, et bien que les deux compositeurs vivent à Beverly Hills, ils s’évitent. Mais après la mort de Schoenberg en 1951, Stravinsky commence à explorer les possibilités de la technique sérielle à 12 notes que Schoenberg a inventée. À cette époque également, Stravinsky s’était doté d’un assistant musical, le chef d’orchestre Robert Craft, qui restera aux côtés du compositeur jusqu’à sa mort en 1971, et avec lequel il collaborera à une série de livres de conversations.
À l’exception peut-être du ballet Agon de 1957, aucune des pièces dépouillées et anguleuses des deux dernières décennies de Stravinsky n’a atteint la popularité de sa musique antérieure, mais néanmoins des œuvres comme Canticum Sacrum, The Flood et Threni restent des exemples fascinants de la manière dont il a pu acquérir une nouvelle voix compositionnelle.
Pourquoi Stravinsky compte-t-il encore ?
Il est difficile de penser à un compositeur important des 100 dernières années qui n’ait pas été influencé par Stravinsky. Son esthétique néoclassique a été reprise par plusieurs générations de compositeurs des deux côtés de l’Atlantique, tandis que l’avant-garde des années 1950, menée par Pierre Boulez et Karlheinz Stockhausen, l’a salué pour la manière dont il avait émancipé le rythme et le mètre. Les textures pulsées à la base du minimalisme auraient été impensables sans lui, également ; le fait que des compositeurs britanniques de l’époque récente aussi totalement dissemblables que John Tavener et Harrison Birtwistle aient tous deux déclaré leur dette envers Stravinsky montre à quel point son influence a été omniprésente.
Grands interprètes
Dans les années 1950 et 1960, le compositeur dirigeait lui-même la quasi-totalité de ses œuvres orchestrales pour Columbia, des enregistrements qui ont été reconditionnés plusieurs fois dans des coffrets d’occasion. But many conductors have put their own imprint on this repertoire, from Ernest Ansermet, who conducted a number of Stravinsky premieres including Les Noces and Pulcinella and recorded extensively for Decca, through Boulez, whose recordings for CBS/Sony and Deutsche Grammophon include all the early masterpieces, to Riccardo Chailly, whose Decca recordings include perhaps the finest of all versions of The Rake’s Progress. And Robert Craft also made a series of recordings for Naxos of the music of the composer he assisted for so long.
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