21 hip-hop album, amely a faji politikát tükrözte, Tér és hely 2017-ben

A művész jóvoltából

Vince Staples, Big Fish Theory

A feminista esszéista és költő Adrienne Rich egyszer azt írta, hogy “egy tisztességes emberi kapcsolat – azaz, amelyben két embernek joga van használni a ‘szerelem’ szót – egy folyamat, amely kényes, erőszakos, gyakran félelmetes mindkét érintett számára, egy folyamat, amely finomítja azokat az igazságokat, amelyeket el tudnak mondani egymásnak.” A nők közötti kapcsolatokról beszélt, ezért remélem, megbocsátja, hogy gondolatát minden olyan emberre alkalmazom, akinek túlélési mechanizmusként meg kellett tanulnia hazudni: Vince Staples könnyfakasztó klubzenékből álló albuma a szerelem folyamata a gyakorlatban. Ez a lemez teret teremt az igazságoknak: Ahogyan a műfajról beszélsz, ha nem vigyázol, valószínűleg hazugság, és az elektronikus és house zene története fekete történelem.”

Ez egyúttal a szerelmes dalok albuma is. Senki sem nevezi őket szerelmes daloknak, mert Staples dalszövegei, akárcsak a hozzájuk társított ütemek, nem követik a hagyományos forgatókönyveket. De amikor a “745” című dal egy olyan basszusvonal fölött, amely elég keményen megy ahhoz, hogy szétverje a gyanútlan hangszórókat, kiadja a vallomást: “This thing called love real hard for me / This thing called love is a god to me,” it feels heart-wrenchingly romantic. Nem értékítéletet mond a szerelemmel való küzdelemről. “Nem hiszem, hogy bármi is jó vagy rossz” – mondta egyszer. Ehelyett egy igazságot mond. – Jenny Gathright

Quelle Chris, Being You Is Great, I Should Be You More Often

Quelle Chris nem zsugorodó ibolya; sőt, az indie-backpackerek-az-iskolások-mármája sztereotípia a nyolcvanas évek közepének Dillatroit/Madvillain/Okayplayer hulláma óta nem állja meg a helyét. A rivális rappereket “klónoknak” nevezi a “The Prestige”-ben (amely Jean Grae hihetetlen monológjával is büszkélkedhet). De a lírai hadviselés zsákmányára is éhezik. Az “I’m That Nigga”-ban azzal dicsekszik, hogy a legdurvább csajokkal sportol, “minden városban, minden városban”. A detroiti származású nomád, aki rövid időre Oaklandtől Brooklynig minden városban letelepedett, nem próbálja feloldani belső ellentmondásait. De nem is rejtőzik el előlük. A Being You Is Great, I Should Be You More Often legjobb dalai közül néhány – az illusztrált borító tükörképként ábrázolja őt, az egyik homlokráncolva, a másik foghíjas vigyorral – Quelle-t a gondolatai között szitálva találja. “Feels like my birthday today, and those are the worst days / If it’s a race for the end, then why come in first place?” raps on “Birthdaze.”

Stuffed with cameos with sundry luminaries of the hip-hop underground, this is a ideologically messy gem, made coherent by beats chock full of furcsa minták, produced by Quelle and others; and his crusty, sharply self-aware performance. – Mosi Reeves

Joey Bada$$, ALL AMERIKKKAN BADA$$

Joey Bada$$ második albuma felháborodástól, szomorúságtól és zavarodottságtól hemzseg, politikai témákkal (rendőri brutalitás, fehér felsőbbrendűség és fekete identitás) birkózik eddigi legszorosabb tematikájú projektjében. Az Amerikában élő feketék nyomorúságos helyzetét feltáró rapperek aligha újdonság, de van valami ebben a projektben, amely egy olyan időszakban jelent meg, amikor a neonácizmus és a fehér felsőbbrendűség újjáéledt és viszonylag normalizálódott, ami különösen áthallásosnak és radikálisnak tűnik.

Most, amikor Joey a “LAND OF THE FREE”-ben azt rappeli, hogy “leave us dead in the street to be organ donors”, az úgy olvasható, mint egy szalagcím, a “Y U DON’T LOVE ME (MISS AMERIKKKA)” pedig kevésbé egy egyszerű kérdés, mint inkább egy kétségbeesett kísérlet a faji alapú támadások megértésére. Az ALL AMERIKKKAN BADASS az év egyik legszókimondóbb lemeze, amelynek üzenetét büszkén ültetik az élre. A lemez kritikusai azt mondanák, hogy egy kicsit túlságosan az orrunk előtt van; de talán csak így lehet meghallani az üzenetet. – Steffanee Wang

Princess Nokia, 1992 Deluxe

Ha figyelmesen hallgatod Destiny Frasqueri 1992 Deluxe című lemezét, észrevehetsz egy vékony szemcsés réteget a hangzásban. Ez egy üdvözlendő csiszolás. Valójában ez az, ami Frasqueri 2016-os mixtape-jének – amelyet kibővített és idén újra kiadott debütáló LP-jeként – olyan önéletrajzi realitást kölcsönöz, hogy elképzelem, ahogy a kis Destiny a láncos kosárlabdapályákon tombol, és halkan rappeli magának ezeket a számokat.

Az 1992 Deluxe Frasqueri New York City és mindazok ünneplése, akik nem illeszkednek a társadalom tiszteletreméltó formájába. Az “ABCs of New York”-ban ebbe beletartoznak a gettólányok és az egyedülálló anyák, gyermekkorának példaképei. A “Brujas” az afrikai diaszpóra előtt tiszteleg, és a traumát spirituális szupererőnek állítja be. Az irodalomban (emlékszel a The Crucible Titubájára?) és a történelemben a boszorkányság a fekete nők ellen felhozott vád volt, amely gyakran véget vetett az életüknek. Ez a szám felforgatja ezt a narratívát, mivel a hagyományos yoruba spiritualitásra épülő varázslatokat és boszorkányságokat a fehér felsőbbrendűség ellenszereként használja: “Én vagyok az a fekete indián, én minden gonoszt legyőzök”. Szédítő erejében és fenyegető üzenetében a “Brujas” egy takaros tézis az 1992 Deluxe számára: “Talk shit, we can cast spells”. – Steffanee Wang

Billy Woods, Known Unknowns

Billy Woods hatodik szólóalbuma – nem számítva az olyan mellékprojekteket, mint az Armand Hammer, az Eluciddal való párosítás, amelyből tavaly ősszel készült a Rome – úgy hangzik, mint a vintage underground New York, eltömődött metróartériákra emlékeztető, klausztrofób beatdübörgésekkel. Woods egy rap-rajongó szerepét játssza, aki annyira elmerült a kultúrában, hogy nem tudja elképzelni, hogy mást csináljon. A “Groundhogs Day”-ben szeszélyesen leír egy napot, amikor felkel, füvet szív, és megpróbálja működésre bírni örökké alulfinanszírozott karrierjét. Az olyan számok, mint a “Snake Oil” és az “Everybody Knows” egy olyan elméről árulkodnak, amely a politikai meglátásokat pépes metaforikus nyelvezetbe ágyazza. “They know the plates on your mama car / They know where the hooptie parked” – rappeli az utóbbiban konspiratív, paranoiás hangnemben a producer Blockhead holtpontos zongorahangjai alatt. “They know who you are.” A veterán producer, akinek zenei trükkjei a barokkos, dobos hangszerelés DJ Shadow iskolájából származnak, Blockhead segít fenntartani Woods eddigi legjobb munkáját, különösen az olyan számokban, mint a “Bush League”, amely úgy hangzik, mintha egy afrobeat kompakt lemez lenne ismételgetve. – Mosi Reeves

Migos, C U L T U R E

Mintha évek teltek volna el azóta, hogy a Migos 2017 elején kiadta a C U L T U R E című albumát. A trió azóta hatékonyan beszivárgott a mainstream látóterébe, együttműködve Katy Perryvel, Calvin Harrisszel, Frank Ocean-nel és számtalan mással. Az album vezető kislemeze, a Lil Uzi Verttel (akinek saját Luv Is Rage 2 című dalát alább találod) közös “Bad and Boujee” megkerülhetetlen volt, és 36 hétig maradt a Billboard Hot 100-as listáján. Donald Glover köszönetet mondott az együttesnek a Golden Globe díjátadó beszédében, a Beatleshez hasonlítva őket. A Migos fellépett Ellenben, ami az év egyik legszürreálisabb eseménye volt. Visszagondolva minderre, talán predesztinált volt, hogy a lemez az év elején érkezett hozzánk, és csendben megerősítette magát, mint a game-changer, amely megváltoztatja a kulturális tájképet, ahogyan azt ismertük.

Az album lelkes fogadtatása érthető – a játékos mód, ahogyan Quavo, Offset és Takeoff egyéni flow-jai kiemelik és kiegészítik egymást, mindig a legélesebb. A Metro Boomin, Zaytoven, G Koop, Murda Beatz és a többiek sima produkciója újrajátszásról újrajátszásra tartja a lemezt. “Slippery”, az egyik dallamosabb vágások a lemezen, lehetett volna Migos nyúl a pop-stílusok felé; de, mint kiderült, a pop megfordult, és átölelte őket helyett. – Steffanee Wang

Jonwayne, Rap Album Number Two

Lépj be bármelyik weboldalra, amely a balközép zenét központosítja, és tucatnyi kiadványt találsz, amelyek szerzője a Los Angeles-i rapper és producer Jonwayne. Vannak rövid, ötsávos EP-k, sampler-gépes edzéseknek szentelt kompaktlemezek és gyűjtőknek szánt kazetták, amelyek mind az ő felbukkanásától, a késő nyolcvanas évek végétől datálódnak. De a Rap Album Number Two olyan, mintha az első olyan albuma lenne, amelyet még az alkalmi hallgatóknak is meg kellene hallgatniuk, akik nincsenek tisztában a beat-rajongók körében szerzett hírnevével. Öntudatosan jelzi a szünetet az újonnan józan lelkiállapota és a nemzetközi turnék, részeges bohóckodás és “teher lenni az embereimnek és elidegeníteni a rajongóimat”, ahogy az “Afraid of Us”-ban fogalmaz.”

“Annyira elkapott az elfogadás hiánya / Soha nem koncentráltam az emberre, hogy elfogadjam” – rappeli ugyanezen a számon. Mégis, ugyanaz a dallam- és hangszerelési tehetség, ami kezdetben a karrierjét hajtotta, tartja lendületben ezt az albumot. A vészjósló, lépkedő zongora, amely a leghivalkodóbb számot, a “TED Talk”-ot hajtja, és a légies vonósok, amelyek a legnyomasztóbb, lelkiismeret-furdalásos számban, a “Paper”-ben lebegnek, szórakoztatóbbá és éleslátóbbá teszik a Rap Album Number Two-t, mint egy egyszerű 12 lépéses vallomás. – Mosi Reeves

Ill Camille, Heirloom

Még júliusban, az egykori NPR Music podcast Microphone Check egyik epizódjában Ill Camille beavatta a társműsorvezetőket, Frannie Kelley-t és Ali Shaheed Muhammadot az önfelfedezés folyamatának kulcsába. Ez egy olyan kérdés formájában jelent meg, amelyet karrierje egy kritikus pontján tett fel magának: “Mit szeretek magamban, amit felnagyíthatok, amiről beszélhetek és ünnepelhetek?”

A válasz áthatja a Heirloom című albumot, amelynek elkészítése és kiadása négy évig tartott a Los Angeles-i rapper számára. Akárcsak füstös, tapasztalt éneke, a Heirloom is tükrözi erejének, fájdalmának és személyes fejlődésének mélységét. 2014-ben elvesztette családja három oszlopát: nagymamáját, édesapját és nagybátyját. Annak ellenére, hogy a Los Angeles-i hip-hop szcéna állandó szereplője, aki különböző Top Dawg Entertainment művészekkel való együttműködéséről ismert, közreműködött Kendrick Lamar Good Kid, M.A.A.A.D. City című albumán, és a TDE elnöke, Terrence “Punch” Henderson közreműködött a Heirloom “Sao Paulo” című számában, az Illustrated című 2013-as kiadványa után szünetet tartott, hogy az élet tempójában éljen. Az eredmény egy olyan album, amely visszhangozza a család iránti mélyen gyökerező megbecsülését, a közösség tiszteletét és az önszeretetét. A nyugati parti legenda, Battlecat és mások produkciójával egy jazzes meditáció az L.A.-i hitelességről. – Rodney Carmichael

Brockhampton, Saturation III

Egy 12 tagú hip-hop fiúzenekar, amely egy éven belül három albumot dob ki, egyesek szerint tankönyvi túltelítettségnek számít. De a texasi BROCKHAMPTON nevű csapat tagjai pont ezt akarják elhitetni veled. A BROCKHAMPTON vibráló és deklaratív ethosza valami újat fecskendez a hip-hopba.

A zenekar 2017-es harmadik és egyben legerősebb albuma, a Saturation III Kevin Abstract, Ameer Vann, Matt Champion és társait minden eddiginél koncentráltabbnak találja; már nem egy csapat kölyök, akik felváltva rímelnek egy ütemre, hanem tudatos, izgalmas történetmesélők. A “BOOGIE”, az album magas adrenalinszintű nyitánya behúzza a hallgatót, a “HOTTIE” popos hangulatú horgokat szolgál fel, miközben a szerencsétlenséget érinti, a “STAIN” pedig a gyűlölködőket vonja be a narratívába. Az albumon a produceri munkát is a stáb tagjai végzik, elsősorban Romil Hemnani és Jabari Manwa.

A rendhagyó testvérekből álló banda egy emberként mozog – rapperek, producerek, hangmérnökök és webmester is -, és olyan helyet foglalnak el a rapben, amely a közelmúltig nem igazán létezett. A BROCKHAMPTON további zenéi 2018 elején jelennek meg, a srácok kétségtelenül folytatják a határok szétzúzását és a rap-kollektíva képességeinek újradefiniálását. – Sidney Madden

GoldLink, At What Cost

A 2015-ös And After That, We Didn’t Talk című albumán GoldLink megszólaltatta ezt a pillanatot. A “Pálmafák” című dalban, amely egy olyan karakterről szól, aki megpróbál meggyőzni egy nőt, hogy engedje vissza, a menekülésről beszél: “A pálmafák alatt / Elhagyhatod a gondjaidat”. De egyúttal felelősségről is beszél: “You know that I need to bring my city back” – rappeli dallamosan, meggyőződéssel.

GoldLink mindig is az otthonról beszélt, de az At What Cost című dalban tényleg oda visz minket, a DMV sajátosságaiba, különösen Washington és Prince George’s megye azon területeire, ahol a legtöbb időt töltötte felnőttként. Dokumentálja generációjának sajátosságait: olyan gyerekek, akiknek szüleiknek meg kellett küzdeniük a crack-korszakkal, olyan gyerekek, akik a go-go zene kulturális dominanciájának legvégét élték meg, olyan gyerekek, akik még emlékeznek a város egy korábbi, kevésbé dzsentrifikált változatára, és közelről tudják, mi változott – és mi nem -. Az album egy narratíva a rajongásról és a romboló rivalizálásról, amelyet gazdag és rétegzett utalásokon keresztül mesélnek el a kívülállók a Google-nak. Olyan érzés, mintha GoldLink olyan embereknek készítette volna, akiknek szükségük volt arra, hogy a hip-hop végre elismerje sajátos valóságukat. Az eredmény újságírói, mint egy időtlen dokumentumfilm. – Jenny Gathright

Tyler, the Creator, Flower Boy

Tyler, the Creator vagy drasztikus növekedésen megy keresztül, vagy okosabb, mint amilyennek eddig hittük. Korai munkáinak sokkoló és félelemkeltő megközelítése rengeteg ellenzőt, de egy fanatikus rajongótábort is szerzett magának. Mindannyiunk közös vonása az volt, hogy hallani és látni akartuk, mi következik. Aztán jött a “Treehome95” a 2013-as Wolf albumról, és elkezdődött a fokozatos váltás, a Cherry Bombon pedig a Tyler the conductor több jele is átütött. A Flower Boyon (amit Scum F*** Flower Boy néven promózott) pedig korábbi énjének eddig rejtett magját mutatja be. Bastard-bőre itt szinte teljesen levedlett, a régi Tylerből csak néhány maradvány maradt meg a “Who Dat Boy” és az “Ain’t Got Time” című dalokban. A minőséget kapjuk a mennyiség helyett a bárok tekintetében, a legnagyobb hangsúlyt az érintetlen produkcióra fektetve. A mániákus dobokat és a torzított szintetizátorokat finom vonós hangszerelésre és akkordmenetre cserélték. A jövőben teljesen el tudom képzelni, hogy Tyler tovább haladjon példaképe, Pharrell útján, filmzenéket szerezve, és több zenész számára Quincy Jones-t szerezve. Tehát Tyler Okonma leleplezésének vagyunk tanúi, vagy egy hosszabb történet újabb stratégiai cselekményének? Azt mondanám, hogy mindkettőből sok. – Bobby Carter

CyHi The Prynce, No Dope On Sundays

Egyszerű elfelejteni, hogy Kanye West utolsó néhány albumának lírai koncepciója mögött álló titkos fegyver történetesen Atlantából származik. A város az elmúlt években sok kritikát kapott a hamis dope-boy narratívák felgyorsításáért és a King’s English lekicsinyítéséért az énekes hangú dallamokért, olyan módon, ami állandósítja az artikulálatlan fekete férfiakról alkotott sztereotípiákat. De ez ugyanaz a város, amely Andre 3K költészetét, Ludacris csattanóit és Killer Mike politikai hevületét szülte. Aztán ott van CyHi The Prynce a G.O.O.O.D. Musicból. Az egyetlen ok, amiért eddig nem csengett a neve a város nagyjai között, annak ellenére, hogy több kemény mixtape-et is kiadott, az az, hogy nem volt stúdióalbuma. Ez végre megváltozott a No Dope On Sundays régóta várt megjelenésével. És itt a zsenialitása a projektjének: fogta a város drogcsempész trópusát, és a feje tetejére állította. Mert egyszer volt, hol nem volt, Atlantában az igazi drogos fiúk is felismerték a szombatot. Ha nem is azért, hogy kifejezzék az Istenbe vetett hitüket, de a Red Dog rendőri egységtől való félelmükben – amely arról volt híres, hogy a legdiszkrétebb időpontokban tartott razziákat. CyHi éles metaforákkal és beteg szójátékkal teli lírai megnyilvánulása itt már önmagában is dicséretes. De a megváltás, amit beleprésel, még saját kettősségének kibontása közben is, az az, ami a No Dope On Sundays-t magasabb szintre emeli. – Rodney Carmichael

Jay-Z, 4:44

A fekete kapitalizmus avatárjaként Jay-Z már régóta ingadozik a saját különlegességének hangoztatása és az evangélium nagylelkű terjesztése között nekünk, szerencsétlen, határozottan szegényebb lelkeknek. A 4:44 az utóbbi kategóriába tartozik, mivel sokszor kritizált TIDAL-vállalkozását a digitális zenei gazdaság fekete hatalmi tétjeként állítja be, és olyan javaslatokat tesz a “Family Feud”-ra, mint például: “Mi a jobb, mint egy milliárdos?” (“Kettő”, mondja a felesége, Beyoncé Knowles elismerően.)

Az amerikai fiatalság szocializmussal szembeni természetes ellenállása ellenére – vagy inkább az a buzgalma, hogy ezt a pillanatot olyan alaposan kisajátítsa, mint egy ’70-es évek végi Fekete Párducok utáni polgármesterjelölt – Jay-Z továbbra is elbűvölő és meggyőző előadóművész. Olyan történeteket ad elő, amelyek elmélyítik az őt körülvevő mítoszt, a címadó dalban a házassági hűtlenségről szóló vallomásoktól a “Marcy Me” és a “Smile” önéletrajzi megnyilatkozásaiig. A zenén, amely tele van Stevie Wonder és Donny Hathaway mintákkal, No I.D. producerrel dolgozott együtt. Nem érzem kényesnek és földhözragadtnak, olyan, mintha a kedvenc nagybátyámat hallgatnám a bőrfotelben, miközben a meleg tűz pattog és a lemezjátszó zümmög. És bár Jay-Z felvetése, miszerint mindannyian lehetünk anyagilag gazdagok, ha elég keményen dolgozunk, lekezelőnek és nevetségesnek tűnik, mégis örülünk, hogy hallhatunk tőle néhány nagy mesét. – Mosi Reeves

Future, HNDRXX

A férfiakat az érzelmek elfojtására szocializálták. Ez kétszeresen is igaz a testvérekre, akik egy olyan műfajban tevékenykednek, ahol a mérgező férfiasságot és a nőgyűlöletet nemcsak ünneplik, hanem honoráriummal is jutalmazzák. Nem csoda hát, hogy Future-nek olyan sokáig tartott, mire sikerült kiszabadulnia a sikere csapdáiból. Arról már írtam, hogy miért ez az LP az év egyik legjobb R&B albuma, így ellentmondásnak tűnhet, ha az ide való felvétel mellett érvelek. De ha van olyan album, ami kiemeli az esztétikai korlátokat feszegető művészt, akkor az Future HNDRXX című albuma. Ez az a projekt, amit Atlanta rezidens űrhajósa már alig várta, hogy kiadhasson a sztratoszférikus felemelkedése óta. Emlékszel a Honest című második albumára? Future-nek vissza kellett lépnie a megjelenése után, hogy visszaszerezze az utcákat, és ehhez egy hosszú mixtape-szakadásra indult a rachet trap himnuszokkal. Ez a produkció sokkal szemcsésebb és szarabb volt, mint a pop-barát dallamok, amelyek a 2014-es LP-t fűszerezték. Mintha a rajongók nem álltak volna készen arra, hogy átöleljék őt a teljes meztelen őszinteségében. A három évvel későbbi visszatérése a sebezhetőség hasonló állapotába – ezúttal súlyosbítva a Ciara egykori menyasszonyával való nyilvános szakításával – még több érzelmi üzemanyagot adott neki, hogy kimerítse. Ez a férfi egó és a túlzás döbbenetesen dicsőséges bemutatója, olyan, amilyen csak egy megvetett férfitól származhat. De a keserű sorok között Future egy olyan szívet fedez fel, amely ugyanannak az érzelmi pöcegödörnek az áldozata, amelybe belefullad, még akkor is, amikor az utolsó Auto-Tuned lélegzetvételét gurgulázza. – Rodney Carmichael

Rapsody, Laila’s Wisdom

A Laila’s Wisdomot azért dicsérni, mert a fekete nőket állítja a középpontba, lusta útnak tűnik, holott valójában sok más dologra vonatkozó kommentárjával tűnik ki: Egy olyan politikai pillanatban, amikor úgy érezzük, hogy mindenkinek van platformja, de senki sem tud semmit. Anderson .Paak, BJ the Chicago Kid és a kanadai énekesnő, Merna (akinek a “You Should Know” című számban való közreműködésén tényleg érdemes elidőzni) zamatos horgai adják az album gazdag textúráját. Ahogy a többi nagynevű közreműködő is: Kendrick Lamar, Busta Rhymes. De az album legjobb részei azok a hosszú szakaszok, ahol Rapsody csak rappel, jobban generálja a poliritmusokat, mint szinte bárki más manapság, és olyan szójátékot használ, amiről gyakran mondják, hogy az emberek már nem értékelik eléggé.

Nem fogok gratulálni a Laila’s Wisdomnak a puszta létezéshez. Azért fogom tisztelni, mert ez az az album, amelyhez végül újra és újra visszatértem, hogy emlékeztessen arra, milyen az, ha szembeszállsz mindenkivel, aki azt mondja neked, hogy csak abban a kritikus keretben létezhetsz, amit ők alkottak számodra. A szöveg, amin megakadtam, a “Black and Ugly”-ban van. Ez egy utalás Biggie “One More Chance” remixére: “Black and ugly and still nobody fine as me.” – Jenny Gathright

Lil Uzi Vert, Luv Is Rage 2

“Magasabb, mint Elon Musk” – dicsekszik Lil Uzi Vert a “Neon Guts”-on, miközben Pharrell Williams támogatja őt a piszkos billentyűs hangszerek és a szívből jövő dallamok ellenséges keverékével. A kiemelkedő szám nem az egyetlen jele annak, hogy Lil Uzi Vert eddigi legnépszerűbb albuma az énekes-hangos pop-rap legújabb evolúciója. A “Malfunction”-on úgy hangzik, mint Wiz Khalifa; az “Early 20 Rager”-en pedig viszi a “rager-botot”, amit egykor Kid Cudi rúgott le. A philadelphiai hip-hop énekes megérdemel némi elismerést azért, hogy táplálja a rapperek körében elterjedt trendet, miszerint a szótagok mintázása az ütemek ellenében történik. “Én vagyok az, aki igazán elkezdte ezt az egészet” – énekli a “Two”-ban. Néhány emós vonást is hozzátesz az előadásához, főleg az “XO TOUR Llif3” című hatalmas slágerben, ahol egy barátnője nihilista módon közli vele: “All my friends are dead / Push me to the edge”. De minden rövid merülés a narkotikus sötétségbe, mint például a “Feelings Mutual”-ban, egy nagyobb fröccsöt jelent a megnyugtató harmonikus hencegés. Lil Uzi Vert talán tisztában van a halandóságával, de túlságosan elfoglalt a szórakozással ahhoz, hogy elmerüljön a depresszióban. – Mosi Reeves

Kendrick Lamar, DAMN.

A beszédes beszédű Kendrick Lamar manna a dekódológyűrű-kutatók számára, akik úgy vélik, hogy minden kreatív cselekedet szétbontható különálló, megmagyarázható részekre. Mégis, a Lamar legújabb remekművét övező összes tézis, gondolatmenet és mélyreható elemzés – a keresztény hitéről, a feketeségéről, a karmáról szóló elméleteiről és a saját fizikai pusztulásával kapcsolatos rajongásáról – nem igazán tudja leírni azt a kísérteties szomorúságot, ami mindezek felett lebeg. Vajon ez egyszerűen egy olyan korszak mellékterméke, amelyben a popzene tematikusan csüggedtté vált, hajlamos a vegyszerrel való visszaélés és az öngyilkossági gondolatok kifejezésére? A traumatikus 2016-os választási szezon utáni nagy visszaesés? Talán fatalizmus a képességünkkel kapcsolatban, hogy szerető, empatikus lényekké fejlődjünk, ami Bekon testetlen hangját eredményezi, amint a “Pride”-ban énekli: “Lust’s gonna get you killed / But pride’s gonna be the death of you, and you, and me …”?

A DAMN. talán Lamar albumai közül a legreménytelenebb, amit a “Loyalty” és a “Duckworth” hitvallásai sem tudnak teljesen feloldani. Átitatja az a gondolat, hogy a hit bármilyen formában áldozatot jelent, és csak a hit, hogy a jó cselekedeteidet még jóval azután is értékelni fogják, hogy felemelkedtél a túlvilágra, táplál téged. – Mosi Reeves