A 20. század elején a zenei modernizmus élére állt zeneszerzők közül Igor Stravinsky (1882-1971) hatása bizonyult a legmaradandóbbnak és legátütőbbnek. Bár Stravinsky saját zenéje 70 éves pályafutása során kétszer is radikálisan irányt váltott – olyannyira radikálisan, hogy az egyes fázisok műveit könnyen írhatták volna más-más zeneszerzők -, nélküle a 20. század zenéje egészen más irányt vehetett volna.
A zene, amit felismerhetünk
Sztravinszkij zenéjével sokak számára az első találkozás Walt Disney 1940-es, ünnepelt Fantázia című animációs filmjében történik, amelyben leghíresebb műve, A tavasz rítusa kíséri a film leghosszabb, a Föld és a dinoszauruszok teremtését ábrázoló jelenetét. Stravinsky állítólag gyűlölte, ahogyan Disney felhasználta a zenéjét. A közelmúltban a zenészek Charlie Parkertől és Ornette Colemantől kezdve Joni Mitchellen át a Pet Shop Boysig különösen sokszor tettek utalásokat a Rítusra, míg számtalan filmzene – Bernard Hermanntól a Psychóhoz, Jerry Goldsmithtől A majmok bolygójához, John Williamstől a Cápa és a Csillagok háborúja filmzenéjéhez – tartozik neki hallható adóssággal.
Az élete…
Stravinszkij az oroszországi Szentpéterváron nőtt fel, ahol apja a Császári Operaház vezető basszusgitárosa volt. Szülei lebeszélték a zenei pályáról, ehelyett ragaszkodtak ahhoz, hogy jogásznak tanuljon a szentpétervári egyetemen. Ott kötött barátságot Vlagyimirrel, Nyikolaj Rimszkij-Korszakov zeneszerző legkisebb fiával, és rajta keresztül tudott órákat szervezni apjával, amelyek az idősebb zeneszerző 1908-ban bekövetkezett haláláig tartottak.
A Sztravinszkij ebben az időszakban írt művei között – a tanára emlékére írt Chant Funèbre mellett, amelyet csak nemrég fedeztek fel újra – szerepelt egy Esz-szimfónia. Két ragyogóan színes zenekari showműve, a Scherzo Fantastique és a Tűzijáték azonban felkeltette Serge Diaghilev impresszárió figyelmét, aki a párizsi Ballets Russes évadához keresett egy oroszt, aki a Tűzmadár legendájára komponálna balettet. A Tűzmadarat 1910-ben mutatták be, és azonnal sikert aratott.
Stravinszkijnak ekkor már felesége és két gyermeke volt, és a család Franciaország és Svájc között osztotta meg idejét, ahol Diagilev számára írt második balettzenéjét, a Petrushkát. Az 1911-ben bemutatott művet nem fogadták olyan jól, mint a Tűzmadarat, de harmadik műve a Ballets Russes számára A tavasz rítusa volt, és 1913 májusában, Párizsban tartott bemutatója a zenetörténet egyik legnagyobb szenzációja volt, ha nem is olyan lázadás, mint amilyennek néha állítják. A forgatókönyv primitívségéhez – amelyben egy fiatal lányt választanak áldozatul, és halálra táncolja magát – Stravinsky zenéjének példátlan erőszakossága párosult, nagyfokú disszonanciával, szabálytalan metrummal és kegyetlen ritmikai lendülettel. A Tűzmadár mesebeli varázsa és a cári Oroszország világa messze maga mögött hagyta.
És az idők…
Sztravinszkij életének három nagy világmegváltó eseménye, a két világháború és az orosz forradalom közvetlenül befolyásolta pályáját, meghatározta, hogy hol talált otthonra és hogyan fejlődött zenéje. A Rítus bemutatója után rövid időre visszatért Oroszországba, ahol elkezdte első operáját, A fülemülét, de az 1914-es újabb rövid látogatás után 48 évig nem tért vissza oda. Az első világháború éveit Sztravinszkij családja Svájcban töltötte, ahol a korlátozott fellépési lehetőségek miatt nagyszabású zenekari művekről szó sem lehetett. Stravinsky a kis léptékű zenedráma felé fordult, a Renard és A katona története című darabokkal, amelyeket ma a 20. század végi zenés színház előfutárainak tekintünk.
A háború után a Debussynek emléket állító Fúvós szimfóniák mozaikszerű felépítésével az egyik legfigyelemreméltóbb teljesítményének bizonyult, miközben egy másik, teljesen eredeti partitúra, a szólistákra, kórusra, négy zongorára és ütőhangszerekre komponált Les Noces (Az esküvő) című balett, valamint a Mavra című egyfelvonásos vígopera gyakorlatilag búcsút vett az orosz népi kultúra világától, amely Stravinsky zenéjét csaknem két évtizeden át meghatározta.
A Mavra volt az egyik első olyan mű is, amelyből kiderült az a figyelemre méltó stiláris változás, amely az 1920-as években végbement a zenéjén. A katalizátort ismét Diagilev szolgáltatta, aki azt javasolta Stravinsky-nak, hogy komponáljon balettet egy 18. századi commedia dell’arte forgatókönyvre, Giovanni Pergolesi zenéjét használva kiindulópontként. Az eredmény a Pulcinella lett, amelyben Stravinsky barokk formákat és témákat kölcsönzött; később így fogalmazott: “A múlt felfedezése volt az én felfedezésem, az a megvilágosodás, amely által az egész kései munkám lehetővé vált.”
A két háború között Stravinsky Franciaországban élt. A zeneszerzés mellett karmesterként is karriert épített, és az általa készített művek továbbra is a Pulcinellával felfedezett neoklasszikus stílus formai tisztaságát és visszafogottságát mutatták. Több balett – Apolló, A tündér csókja (Csajkovszkij zenéje alapján) és Jeu de Cartes -, zongora- és hegedűversenyek, valamint egyik legnépszerűbb középső korszakbeli műve, a Zsoltárszimfónia (1930). És ahogy nemzetközi hírneve nőtt, úgy jöttek létre együttműködések a kor leghíresebb íróival és művészeivel is. Köztük Pablo Picassóval, a drámaíró és filmrendező Jean Cocteau-val (az 1927-es Oedipus Rex című opera-oratóriumon) és André Gide íróval.
Stravinszkij 1939-ben az Egyesült Államokba költözött. Első felesége, Katya még ugyanebben az évben meghalt, így szabadon elvehette Vera de Bosset táncosnőt és művésznőt, akivel 1921 óta volt kapcsolata. A házaspár Los Angelesben telepedett le, ahol egy olyan emigráns művészközösség részévé váltak, amelynek tagjai között olyan zenészek és írók voltak, mint Otto Klemperer és Arthur Rubinstein, Thomas Mann és Aldous Huxley, míg mások – WH Auden és Dylan Thomas – rendszeresen meglátogatták ott.
A korai amerikai évek fő művei két szimfónia, a C-szimfónia és a Három tételes szimfónia. 1945-ben ő és Vera amerikai állampolgárok lettek, Stravinsky pedig nekilátott, hogy újra érvényesítse műveinek szerzői jogait, újra hangszerelte számos jelentős partitúráját, és jövedelmező új kiadói szerződést kötött. Egy William Hogarth grafikai kiállításán tett látogatás volt a kiindulópontja neoklasszikus korszakának csúcsművének, a The Rake’s Progress című operának, amelyet 1951-ben Velencében mutattak be. Auden és Chester Kallman Hogarth metszetei alapján írták a librettót, amely egy züllésre és romlásra csábított fiatalember történetét mutatja be, Stravinsky pedig a klasszikus “számopera” mintájára írta meg a partitúrát, amely recitatív szakaszokkal átszőtt díszlet-áriák láncolatából áll.
A Rake után Stravinsky zenéje ismét irányt váltott. Zenéje a modernizmusnak Arnold Schönbergétől és a második bécsi iskolától különálló irányzatát képviselte, és bár mindkét zeneszerző Beverly Hillsben élt, kerülték egymást. Schönberg 1951-ben bekövetkezett halála után azonban Stravinsky elkezdte felfedezni a Schönberg által kitalált 12 hangú soros technika lehetőségeit. Stravinsky ekkorra már szerzett egy zenei asszisztenst is, Robert Craft karmestert, aki 1971-ben bekövetkezett haláláig a zeneszerző mellett maradt, és akivel egy sor beszélgetőkönyvön dolgozott együtt.
A Stravinsky utolsó két évtizedének szikár, szögletes darabjai közül – talán az 1957-es Agon című balett kivételével – egyik sem érte el korábbi zenéjének népszerűségét, de ennek ellenére az olyan művek, mint a Canticum Sacrum, Az árvíz és a Threni továbbra is lenyűgöző példái annak, hogyan volt képes új zeneszerzői hangra szert tenni.
Miért számít még mindig Stravinsky?
Nehéz olyan jelentős zeneszerzőre gondolni az elmúlt 100 évből, akire Stravinsky ne lett volna hatással. Neoklasszikus esztétikáját zeneszerzők több generációja vette át az Atlanti-óceán mindkét partján, míg az 1950-es évek Pierre Boulez és Karlheinz Stockhausen vezette avantgárdja a ritmus és a metrum felszabadításáért üdvözölte őt. A minimalizmus alapját képező lüktető textúrák is elképzelhetetlenek lettek volna nélküle; az, hogy a közelmúlt olyan teljesen különböző brit zeneszerzői, mint John Tavener és Harrison Birtwistle egyaránt kijelentették, hogy Stravinskynek tartoznak, jól mutatja, mennyire átható volt a hatása.
Nagyszerű előadók
Az 1950-es és 60-as években a zeneszerző maga vezényelte szinte valamennyi zenekari művét a Columbia számára, a felvételeket többször újracsomagolták akciós dobozokban. But many conductors have put their own imprint on this repertoire, from Ernest Ansermet, who conducted a number of Stravinsky premieres including Les Noces and Pulcinella and recorded extensively for Decca, through Boulez, whose recordings for CBS/Sony and Deutsche Grammophon include all the early masterpieces, to Riccardo Chailly, whose Decca recordings include perhaps the finest of all versions of The Rake’s Progress. And Robert Craft also made a series of recordings for Naxos of the music of the composer he assisted for so long.
{{topLeft}}
{{bottomLeft}}
{{topRight}}
{{bottomRight}}
{{/goalExceededMarkerPercentage}}
{{/ticker}}
{{heading}}
{{#paragraphs}}
{{.}}
{{/paragraphs}}{{highlightedText}}
- Share on Facebook
- Share on Twitter
- Share via Email
- Share on LinkedIn
- Share on Pinterest
- Share on WhatsApp
- Share on Messenger