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Una sceneggiatura per fumetti è un insieme di istruzioni per l’artista e il letterista. Ha lo scopo di presentare i meccanismi della tua storia con la massima chiarezza possibile. Aderire ad un formato preciso, come nella sceneggiatura, non è necessario. Quando scrivi una sceneggiatura per fumetti, non devi preoccuparti di usare software speciali come Final Draft. Qualsiasi elaboratore di testi di base, come Microsoft Word o Google Docs, sarà sufficiente.
In molti modi, scrivere una sceneggiatura per un fumetto è più difficile che scrivere per un film. Con una sceneggiatura, lo scrittore lascia molti dettagli al regista, agli attori e alla troupe. È una forma di scrittura molto snella. Meno è meglio, dicono alcuni esperti. Il film è una forma d’arte molto collaborativa. Le impronte digitali di molte persone finiscono sul prodotto finale che il pubblico vede.
Questo non è il caso dei fumetti dove sono solo lo scrittore e l’artista a vedere la sceneggiatura. Lo scrittore dice all’artista cosa disegnare, di solito con molti più dettagli di una sceneggiatura. L’artista ha la possibilità di cambiare le cose e aggiungere le proprie idee, ma il suo lavoro è principalmente quello di disegnare e intensificare ciò che lo scrittore ha deciso di mostrare. Devi pensare per immagini oltre che per parole.
Un’immagine vale più di mille parole
Per affinare il tuo pensiero visivo, ti suggerisco di leggere diversi fumetti popolari con occhio critico, pensando alle scelte visive fatte da scrittori e artisti – cosa viene mostrato e non mostrato, e come viene rappresentato. Prova a immaginare come lo scrittore ha descritto ogni immagine nella sua sceneggiatura prima che fosse data all’artista. Come esercizio pratico, anche scrivere le tue descrizioni dei personaggi e delle scene che vedi in un fumetto pubblicato ti aiuterà.
Per pensare come un artista di fumetti e comunicare la tua visione della storia, devi suddividere le tue scene in pannelli, che sono una serie di inquadrature sequenziali. Tu dici all’artista cosa disegnare in ogni pannello e decidi in quale inquadratura il tuo personaggio dirà una certa linea di dialogo o voce fuori campo. Questo, in sostanza, ti rende il regista del film, e potresti pensare all’artista come al direttore della fotografia che porta la tua visione alla vita.
La quantità di dettagli e la descrizione della scena sulla pagina varia enormemente da scrittore a scrittore. Alcuni creatori come Alan Moore (Watchmen, V for Vendetta) scrivono lunghi paragrafi di descrizioni in stile romanzo in cui descrivono gli abiti indossati da ogni personaggio, i veicoli, la scenografia e persino le angolazioni della telecamera perché vogliono avere più controllo sul risultato finale, indipendentemente dall’artista che viene ingaggiato per disegnarlo.
Altri scrittori scrivono in modo molto scarno, non molto più di quanto potrebbe entrare in un messaggio di testo, perché non sanno esattamente cosa vogliono o non gli interessa. Lasciano che l’artista riempia i dettagli e interpreti la scena come lui la immagina.
Entrambi i metodi, e tutto ciò che sta in mezzo, possono funzionare a seconda del rapporto che si ha con l’artista. Tieni presente che alcuni artisti, specialmente quelli che hanno molto talento o molta esperienza con molti crediti pubblicati, non amano essere microgestiti da uno scrittore, in particolare da uno scrittore esordiente che non hanno mai sentito prima.
Ogni artista professionista con cui vale la pena lavorare conoscerà l’arte della narrazione sequenziale e avrà una visione artistica che potrebbe essere migliore di qualcosa che tu proponi. Quindi, è meglio lasciare che il tuo collega faccia la sua magia. Si tratta di manipolazione dell’artista. So che suona sinistro, ma il trucco è far piacere all’artista. Corteggiali con le tue parole e la tua personalità. Ispirarli a fare il loro miglior lavoro.
Un artista annoiato o non ispirato consegnerà pagine che sembrano stronzate. È colpa tua o dell’artista? Cibo per la mente.
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