Tra i compositori che hanno guidato il modernismo in musica all’inizio del XX secolo, è stato Igor Stravinsky (1882-1971) la cui influenza si è dimostrata la più duratura e pervasiva. Mentre la musica di Stravinsky cambiò radicalmente direzione due volte durante i suoi 70 anni di carriera – così radicalmente, infatti, che le sue opere di ogni fase avrebbero potuto facilmente essere scritte da compositori diversi – senza di lui la musica del XX secolo avrebbe potuto seguire un corso molto diverso.
La musica che potreste riconoscere
Per molti, il loro primo incontro con la musica di Stravinsky è nella celebre animazione Fantasia di Walt Disney del 1940, in cui la sua opera più famosa, La Sagra della Primavera, accompagna la sequenza più lunga del film, raffigurante la creazione della Terra e i dinosauri. Stravinsky avrebbe odiato il modo in cui Disney aveva usato la sua musica. Più recentemente, musicisti come Charlie Parker e Ornette Coleman, Joni Mitchell e i Pet Shop Boys hanno fatto particolarmente riferimento al Rito, mentre innumerevoli colonne sonore – da quella di Bernard Hermann per Psycho, quella di Jerry Goldsmith per Il pianeta delle scimmie e quella di John Williams per Jaws e Star Wars – hanno un debito udibile.
La sua vita …
Stravinsky è cresciuto a San Pietroburgo, in Russia, dove suo padre era un importante basso dell’Opera Imperiale. I suoi genitori lo scoraggiarono dalla carriera musicale, insistendo invece perché studiasse da avvocato all’università di San Pietroburgo. Lì fece amicizia con Vladimir, il figlio più giovane del compositore Nikolai Rimsky-Korsakov, e attraverso di lui fu in grado di organizzare lezioni con suo padre, che continuarono fino alla morte del vecchio compositore nel 1908.
Oltre a un Chant Funèbre, un memoriale al suo maestro e riscoperto solo recentemente, le opere che Stravinsky scrisse durante questo periodo includevano una Sinfonia in Mi bemolle. Ma furono due capolavori orchestrali dai colori brillanti, Scherzo Fantastique e Fireworks, che attirarono l’attenzione dell’impresario Serge Diaghilev, che cercava un russo per comporre un balletto sulla leggenda dell’Uccello di fuoco per la sua stagione dei Ballets Russes a Parigi. L’Uccello di fuoco fu presentato per la prima volta nel 1910 e fu un successo immediato.
All’epoca Stravinsky aveva una moglie e due figli, e la famiglia si divideva tra la Francia e la Svizzera, dove fu scritta la sua seconda partitura per Diaghilev, Petrushka. Eseguita per la prima volta nel 1911, non fu accolta così bene come L’uccello di fuoco, ma il suo terzo lavoro per i Ballets Russes fu La sagra della primavera, e la sua prima a Parigi nel maggio 1913, fu una delle più sensazionali della storia della musica, anche se non fu mai un vero e proprio tumulto come viene talvolta affermato. Il primitivismo dello scenario, in cui una giovane ragazza viene scelta come vittima sacrificale e balla fino alla morte, fu abbinato alla violenza senza precedenti della partitura di Stravinsky, con i suoi alti livelli di dissonanza, il metro irregolare e la feroce spinta ritmica. L’incanto fiabesco de L’uccello di fuoco e il mondo della Russia zarista erano stati lasciati alle spalle.
E i tempi…
I tre grandi eventi che cambiarono il mondo durante la vita di Stravinsky, le due guerre mondiali e la rivoluzione russa, influirono tutti direttamente sulla sua carriera, determinando dove egli si stabilì e come si sviluppò la sua musica. Dopo la prima del Rito tornò brevemente in Russia, dove iniziò la sua prima opera, L’usignolo, ma dopo un’altra breve visita nel 1914 non vi fece ritorno per 48 anni. La famiglia Stravinsky trascorse gli anni della prima guerra mondiale in Svizzera, dove le limitate opportunità di esibizioni significavano che le opere orchestrali su larga scala erano fuori questione. Stravinsky si rivolse al dramma musicale su piccola scala, con Renard e Il racconto del soldato, pezzi che ora sono visti come precursori del teatro musicale del tardo XX secolo.
Dopo la guerra, le Sinfonie degli strumenti a fiato, un memoriale a Debussy, si dimostrarono uno dei suoi risultati più notevoli, con la sua costruzione a mosaico, mentre un’altra partitura assolutamente originale, il balletto Les Noces (Le nozze) per solisti, coro, quattro pianoforti e percussioni, insieme all’opera comica in un atto Mavra, fu effettivamente un addio al mondo della cultura popolare russa che aveva sostenuto la musica di Stravinsky per quasi due decenni.
Mavra fu anche una delle prime opere a rivelare il notevole cambiamento stilistico che avvenne sulla sua musica negli anni ’20. Ancora una volta Diaghilev fornì il catalizzatore, suggerendo a Stravinsky di comporre un balletto su uno scenario da commedia dell’arte del XVIII secolo, usando la musica di Giovanni Pergolesi come punto di partenza. Il risultato fu Pulcinella, in cui Stravinsky prese in prestito forme e temi barocchi; fu, disse più tardi, “La mia scoperta del passato, l’epifania attraverso la quale l’intero mio ultimo lavoro divenne possibile.”
Tra le due guerre, Stravinsky era di base in Francia. Oltre a comporre, stava costruendo una carriera come direttore d’orchestra della sua musica, e le opere che produsse continuarono a mostrare la chiarezza formale e la moderazione dello stile neoclassico che aveva scoperto con Pulcinella. Ci furono altri balletti – Apollo, Il bacio della fata (basato su musiche di Tchaikovsky) e Jeu de Cartes, concerti per pianoforte e violino, e una delle sue opere più popolari del medio periodo, la corale Symphony of Psalms (1930). E mentre la sua fama internazionale aumentava, ci furono anche collaborazioni con alcuni dei più celebri scrittori e artisti dell’epoca. Pablo Picasso, il drammaturgo e regista Jean Cocteau (per l’opera-oratorio Oedipus Rex del 1927), e lo scrittore André Gide tra questi.
Stravinsky si trasferì negli Stati Uniti nel 1939. La sua prima moglie, Katya, era morta all’inizio dello stesso anno, lasciandolo libero di sposare la ballerina e artista Vera de Bosset, con la quale aveva una relazione dal 1921. La coppia si stabilì a Los Angeles, dove si trovarono a far parte di una comunità artistica espatriata che comprendeva musicisti e scrittori come Otto Klemperer e Arthur Rubinstein, Thomas Mann e Aldous Huxley, mentre altri – WH Auden e Dylan Thomas – lo visitavano regolarmente.
Le opere principali dei primi anni negli Stati Uniti furono due sinfonie, la Sinfonia in Do e la Sinfonia in tre movimenti. Lui e Vera divennero cittadini statunitensi nel 1945, e Stravinsky si mise a ristabilire i diritti d’autore sul suo lavoro, riorchestrando un certo numero delle sue principali partiture e firmando un nuovo lucrativo contratto editoriale. Una visita a una mostra di stampe di William Hogarth fu il punto di partenza per il lavoro culminante del suo periodo neoclassico, l’opera The Rake’s Progress, rappresentata per la prima volta a Venezia nel 1951. Auden e Chester Kallman scrissero un libretto basato sulle incisioni di Hogarth, raffigurante la storia di un giovane tentato dalla dissolutezza e dalla rovina, mentre Stravinsky modellò la sua partitura sulla classica “opera numero”, costituita da una catena di arie di scena intervallate da passaggi di recitativi.
Dopo The Rake, la musica di Stravinsky cambiò nuovamente direzione. La sua musica rappresentava un filone separato del modernismo da quello di Arnold Schoenberg e della Seconda Scuola Viennese, e sebbene entrambi i compositori vivessero a Beverly Hills, si evitavano a vicenda. Ma dopo la morte di Schoenberg nel 1951, Stravinsky cominciò ad esplorare le possibilità della tecnica seriale a 12 note che Schoenberg aveva inventato. A quel punto Stravinsky aveva anche acquisito un assistente musicale, il direttore d’orchestra Robert Craft, che sarebbe rimasto al fianco del compositore fino alla sua morte nel 1971, e con il quale collaborò a una serie di libri di conversazioni.
Con l’eccezione forse del balletto Agon del 1957, nessuno dei pezzi spigolosi e spartani degli ultimi due decenni di Stravinsky ha raggiunto la popolarità della sua musica precedente, ma tuttavia opere come Canticum Sacrum, The Flood e Threni rimangono esempi affascinanti del modo in cui fu in grado di acquisire una nuova voce compositiva.
Perché Stravinsky conta ancora?
È difficile pensare a un compositore significativo degli ultimi 100 anni che non sia stato influenzato da Stravinsky. L’estetica neoclassica è stata ripresa da diverse generazioni di compositori su entrambe le sponde dell’Atlantico, mentre l’avanguardia degli anni ’50 guidata da Pierre Boulez e Karlheinz Stockhausen lo ha acclamato per il modo in cui ha emancipato il ritmo e il metro. Le trame pulsanti alla base del minimalismo sarebbero state impensabili anche senza di lui; il fatto che compositori britannici di tempi recenti completamente diversi come John Tavener e Harrison Birtwistle abbiano entrambi dichiarato il loro debito nei confronti di Stravinsky dimostra quanto sia stata pervasiva la sua influenza.
Grandi interpreti
Negli anni ’50 e ’60, il compositore stesso ha diretto quasi tutte le sue opere orchestrali per la Columbia, registrazioni che sono state riconfezionate più volte in scatole d’occasione. But many conductors have put their own imprint on this repertoire, from Ernest Ansermet, who conducted a number of Stravinsky premieres including Les Noces and Pulcinella and recorded extensively for Decca, through Boulez, whose recordings for CBS/Sony and Deutsche Grammophon include all the early masterpieces, to Riccardo Chailly, whose Decca recordings include perhaps the finest of all versions of The Rake’s Progress. And Robert Craft also made a series of recordings for Naxos of the music of the composer he assisted for so long.
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