Dahi arbetade på 3.15.20 intermittent i över två år. Han talade med Rolling Stone om vikten av att sitta med låtarna länge innan man släpper dem och hur – enligt honom – 3.15.20 är som en tur på den magiska mattan.
Hur drogs du in i samarbetet med Glover?
Jag kände killarna, jag hade bara inte känt Donald. Jag hade känt hans manager, Fam , i flera år, och Ludwig också i fyra, fem, till och med sex år. Jag och Ludwig hade arbetat med en del saker för Black Panther och för Creed när han komponerade för den filmen.
Fam sa: ”Jag vill verkligen få ihop dig med Donald och försöka få något att hända”. Vi kopplade ihop oss för ungefär två och ett halvt år sedan. När vi äntligen kom in i studion var det ett möte mellan olika sinnen. Jag är alltid projektorienterad. Jag vill vara med på resan när jag kan – jag letar alltid efter möjligheter att vara en del av någons album i betydelsen helhet. Vi låste oss till en början i några veckor. Men sedan utvecklades det till att jag bara var med. Då börjar man verkligen tänka på vad vi försöker åstadkomma och uppnå. Oavsett vilket budskap du försöker göra är jag där för att hjälpa till att se till att det låter bra. Det var min roll. Vi borde prova det här, vi borde driva det här, vi borde dra tillbaka det här.
Populär på Rolling Stone
Vad var det för budskap ni syftade till?
Jag har varit i stort sett i studion med honom till och från de senaste två och ett halvt åren. Ludwig kom in vid olika tidpunkter; han arbetar också med några galna filmprojekt. Vi kanske skriver en låt, lägger den åt sidan och kommer tillbaka. Vi provar några saker, lägger det åt sidan och kommer tillbaka. Det finns några låtar på den som vi har haft länge. Vi har levt med dem: ”Det här känns som om det kan pågå ett tag, det kan vara något som man inte kan tidsbestämma”. Det var något vi jagade. En känsla av: ”Jag har hört det här förut”, men du kan inte säga: ”Det här är från 1960-talet, 1970-talet eller 2000-talet.”
Vi ville att ljudbilden skulle ha något varmt, något välbekant. Vi ville inte heller bli indragna i att ge folk hits och göra den här stora grejen. En stor del av detta är gemenskapen. Vi vill att det ska vara ett album som du kan dela med din mormor och ett album som du kan dela med dina barn. Du kan inkludera din familj i det. Det var mer av ett mål än att göra en singel.
Vissa av de här låtarna har varit i omlopp ett tag.
”Algorhythm” har funnits. Han framförde den på sin senaste turné. Det var en som kändes som antingen början eller slutet på något. ”Time” har funnits länge – jag tror att vi startade den idén vid den första sessionen som vi kom in och arbetade tillsammans.
Jag försöker komma på titlar, men uppenbarligen har de här låtarna inga titlar. Skivan ” Summer” är gammal. Skivan som är som ”why go to the party?” a capella , det är en äldre skiva, även om vi ändrade den med tiden, lade till vissa saker. Så nästan halva albumet är skivor som vi har haft och bara suttit med.
För mig är det bra att veta att skivor kan leva förbi ett ögonblick. Ibland blir man hypad över något, det låter häftigt, men ögonblicket går förbi, tiden och utrymmet du lever i förändras, och då låter det inte längre så bra. Jag har levt med de här sakerna under en så lång tid. Men jag lyssnar fortfarande på albumet.
Hur utvecklades låtarna när ni satt med dem?
Hela processen för oss var jam. För ”Time” kom jag med några idéer till ackordmelodier. Ludwig kom in och började skriva ändringar i ackordprogressionen. Donald kom in och lade några inledande tankar. Början av den skivan är helt annorlunda än när den är nu. Den var mycket dystrare och hade en mycket mer tung känsla. Men jag har alltid älskat texterna, idén om att saker och ting är väldigt slutgiltiga.
Vi började låta andra människor höra skivan, röra vid skivan. Vi ville ändra trummornas groove, och min pojke Chukwudi kom in och gav några galna trumidéer. Sedan gjorde Ludwig om ackorden och fick den att låta lite ljusare. Ely kom in och lade till några häftiga syntlinjer och en annan förändring av ackordföljden. Den gick liksom igenom en fabrikslinje – alla rörde vid den vid olika tillfällen och lade till den tills den kom till den punkt där den är nu.
Det är förmodligen den skiva som jag är mest stolt över. Det är den första låten jag gjorde tillsammans med Donald. Den var inte med på albumet, sedan var den det, den förändrades, den kom tillbaka – den betydde något för projektet.
Är du van vid att arbeta på det sättet?
Arbetet med det här albumet var annorlunda: musiken fortsatte att utvecklas. Och det här var första gången jag verkligen fick chansen att arbeta intensivt med många begåvade musiker. Man har en första idé och sitter med den ett tag, och det fanns så mycket musiker på det här albumet att saker och ting fortsatte att utvecklas till en punkt där det var som att jag inte ens hade kunnat föreställa mig att det skulle bli så här. Idéer är aldrig färdiga förrän man ger upp dem. På den här fortsatte vi bara att försöka.
Flera av de här låtarna byter läge – ”12:38” går från förförelsefunk till att 21 Savage pratar om polistrakasserier, och ”24:19” börjar lågt och slutar som en ångestattack.
”12:38” var också en sak som utvecklades. Vi hade en första beatidé och Ely hade några bra ackord. För mig kändes det som att det här är en enkel skiva som känns bra om vi gör rätt. Men under ett tag kunde vi inte komma fram till vad den var till för. Khadja Bonet kom in och sjöng några partier för en annan skiva, och sedan hackades de upp och sattes in i den här skivan. Det slutade med att den fick en slags The Love Below-energi – funkig, udda, men känns bra. Den blev liksom åsidosatt. Men sedan började Donald komma på vad han ville säga på skivan. Vi hade den 21 versen ett tag. Ink var en låtskrivare som kom in för att hjälpa till att skriva på skivan. Vi tog oss tid. Vi försökte det ena och det andra. Det är i ett och ett halvt år gammalt.
När jag förklarar det för killarna, teamet, säger jag alltid att albumet kändes som en global resa. Det känns som om man befinner sig i olika delar av världen. I min fantasi sitter man på en magisk matta och flyger över olika delar av världen. Du lyssnar på någons samtal – ”ok, coolt, låt mig flyga över till det här landet”. Sedan åker du hit. Sedan åker du tillbaka i tiden. De övergående sakerna är en del av det. Det är bara att följa den och komma fram till slutpunkten.
Tror du att det finns en konstnärlig anledning till tidsstämplarna? För att flytta fokus till hela albumet?
Det är en fråga att ställa till Donald, helt klart. Men målmässigt handlar det alltid om hela paketet. Det sätt på vilket vi tolkar och hör musik nu är väldigt ”Jag kan ändra detta nu om jag inte gillar det”. Det är lättare att byta ut något. Vi vill att folk åtminstone ska sitta med låtarna. Det handlar inte om att separera låtarna, det handlar om helheten.
”32:22” sticker ut på detta – den är mer slipande än allt runtomkring.
Sättet jag beskriver den på är som om du gick in i någon by, ett stamsamhälle med människor som du aldrig hade sett eller hört talas om men som du observerade. Den låten ska vara en inblick i ett andligt firande av något slag. Att gå till en plats, uppleva något, inte bara säga: ”Jag fattar inte, jag förstår inte”. Ibland är det bra att befinna sig i en obekväm situation. Den låten gör det för mig. Jag har alltid älskat den eftersom den inte låter som något som någon specifikt gör. Det är den här stamupplevelsen som vi inte får höra i vår popvärld av musikskapande. Och det är bara ett fåtal artister som kan komma undan med det. Donald kan göra det. För många artister finns det regler – man får inte göra vissa saker. Men han kan utnyttja något som andra inte kan. Det här är en – jag vet inte var någon annan kommer att prova det här.
De flesta kommer nog inte heller att prova nästa låt, som börjar med kossor som muckar.
Jag vet återigen inte vem annan som kommer att göra den där skivan, med den mycket glada ljudmusiken från en bakgårdslada, den trevliga gitarren, men sedan pratar han om några drogreferenser. Vad är det som pågår? Det är detta obekväma utrymme som vi får gå in i. Det känns väldigt personligt, och det är han som gör det. Jag kan inte komma på någon annan artist som kan ta det utrymmet och känna sig äkta.
Det är det som är intressant för mig: Att arbeta med någon som många gånger kan göra vad han vill. Många konstnärer får inte den möjligheten. De måste hålla sig till berättelsen ”Jag är den här”. Jag har inte riktigt arbetat med en artist som säger: ”Jag behöver inte göra den här typen av skiva”. Vissa artister kan sitt bröd och smör. Jag vill vara i en miljö där man älskar eller hatar den. De andra stegen i skapandet av låtar känns tråkiga för mig. Jag gillar inte att sitta i mitten. Alla andra låter bara säkra. Det är coolt för andra människor, jag hatar inte det. Jag gillar bara inte att sitta i det utrymmet. Och jag och jag kan verkligen komma överens om den idén. Låt oss prova några saker.
Vet du att han skulle ladda upp albumet i 24 timmar och sedan ta ner det?
Jag visste ingenting om det. När albumet släpptes på det sätt som det gjorde, förvirrade det tanken på ett traditionellt släpp. Men det är vettigt för tillfället. Huvudmålet är att få folk att sitta med det, förstå smakerna. Det är svårt att få de stunderna från folk. Det här är den enda gången som ingen kan gå någonstans. Så sitt med den här.