En tillbakablick på de mest inflytelserika japanska låtarna från 2010-talet

Tidvis verkade det som om 2010-talet bara var en enda lång, vemodig blick in i det förflutna, särskilt när det gällde musiktrender.

Strömningstjänster gör det möjligt för människor att på några sekunder gräva i en artists kataloger, samtidigt som YouTube-uppladdningar fyller i eventuella luckor. Så när musikikonen David Bowie dog 2016 kunde hans fans barn ta del av en flera decennier lång karriär under en enda binge-tung helg.

Japanska musiker var inte immuna mot denna nostalgiska vändning och hämtade inflytande i synnerhet från 1980- och 90-talen. Globalt sett fick japansk popmusik inte mycket uppmärksamhet från utlandet. Men fansen upptäckte och hyllade allt gammalt och obskyrt i den japanska musiken och förvandlade mindre viktiga skivor från bubbeltiden till modernt guld på nätet.

Med tanke på hur japansk musik tar tid på sig att få ett brett erkännande kan vi föreställa oss att vi kommer till slutet av 2040-talet. 2010-talet är nu lika trendigt och inflytelserikt för framtidens ungdomar som 1980-talet har varit för oss. I 2040 års Japan, vilka pärlor tror du kommer att grävas upp och värderas igen?

Välkommen till 2049

När vi når halvvägs in i 2000-talet har en hyllning av det gamla och obskyra framstått som en av de mest intressanta utvecklingarna under 2040-talet. Varje generation minerar ett förflutet som den aldrig kände till, och barnen i det här årtiondet ställde in siktet på de sista åren av Heisei-eran (1989-2019).

Japan verkade ha nästintill inget inflytande på den globala musikscenen under 2010-talet. Få människor utanför landet dokumenterade den musik som vi njöt av då eftersom den verkade helt otakt med de bredare trenderna runt om i världen. Den nyfunna uppståndelsen kring den på 2040-talet berodde delvis på spänningen i att upptäcka det obskyra, ändå var en del av oss bara ute efter ett bra beat från en tid som vi aldrig kände till i första hand. Under 2010-talet definierades Japan av kawaiikulturen och sociala medier, och efter förödelsen från den stora jordbävningen i östra Japan var det för det mesta en ganska lättsam plats att leva på – särskilt med tanke på de omvälvningar som ägde rum i resten av världen.

Under 2010-talet fanns en liknande fascination för äldre japansk musik. Icke-japanska musikfans grävde i allt från skimrande pop till experimentella ambientskivor och japanska tolkningar av hawaiimusik. Även om den aldrig stal rubrikerna hade decenniets J-pop en mycket djupare inverkan på lyssnare och skapare. Hela underavdelningar av den elektroniska musiken försökte återskapa ljudet av Yasutaka Nakata och de grupper han producerade, som Perfume, och hela mikrogenrer på internet utvecklades kring blekta samplingar från japanska popklassiker. 2010-talet var en storhetstid för japansk musik från 1980-talet, och 2040-talet har kastat ett liknande strålkastarljus på 2010-talets japanska musik.

Och även om många låtar har fått förnyat erkännande var spåren som följer bland de större nostalgihitsnackarna från 2040-talet:

Izumi Makura: ”balloon” (2012)

Tastemakers och de numera utdöda hypebeasts som strövade runt i 2010-talets landskap sökte i all oändlighet efter cool japansk rap att presentera för världen. Så gott som alla ansträngningar på den fronten slutade hos Kohh, en begåvad men mediaskygg artist vars höjdpunkt var att medverka på en Frank Ocean-låt som endast fanns tillgänglig i tidskriftsform. Majoriteten av japansk hiphop syftade till att helt enkelt imitera långt överlägsna amerikanska rappare från södern, med minskande resultat.

Kvinnor, å andra sidan, närmade sig genren från olika vinklar under 2010-talet, och gjorde det arbete som fortfarande har kontakt med dagens ungdomar. Popvänliga skapare som Chelmico hittade utrymme i mainstream, medan hårdare MC:s som Chanmina och Awich färdades i utrymmen som länge dominerats av män. Sedan fanns det ”viskande rappare” som Daoko, Bonjour Suzuki och Izumi Makura, vars mjukare framförande och fokus på det dagliga livet i sina texter erbjöd låtar som korta berättelser som fångade upp- och nedgångarna hos decenniets ungdomar. En låt som ”ballong” brottas med tidlösa ämnen som småstadsnöje och depression, och är full av små detaljer som ökar dess djup. Spåret stack ut då på grund av hur det närmade sig rap från en ny vinkel, men det är relaterbart flera år senare på grund av den stämning hon framkallar.

Mondo Grosso: ”Labyrint” (2017)

”Labyrint” lät malplacerad på 2010-talet. Ingen av de dominerande stammarna av popmusik under decenniet dyker upp under dess fem minuter långa löptid. Producenten Shinichi Osawa, mer känd under sitt artistnamn Mondo Grosso, sammanfogade djupa houserummel med blinkande piano- och strängsvall för att skapa ett spår som var både filmiskt och fysiskt. Över detta sjunger skådespelerskan Hikari Mitsushima, som blivit sångerska, om att försöka njuta av ett ögonblick som inte kan vara för evigt, men hon kommer att försöka ändå. Tillsammans med en musikvideo som utspelar sig i Hongkong, som stod på gränsen till att driva på för sin eventuella självständighet, förblir ”Labyrinth” ett av landets mest hisnande släpp under decenniet, och ett som fortfarande kan förtrolla nya öron.

BiS: ”STUPiG” (2014)

Peppy idol-popgrupper dominerade de japanska musiklistorna på 2010-talet, med särskilt glada projekt som AKB48 och dess systergrupper som gjorde det mycket bra. Dessa optimistiska kolosser var tillräckligt stora för att inspirera en reaktionär ”alternativ idol”-gemenskap som, även om den fungerade enligt en liknande affärsmodell, producerade mycket intressantare musik, allt från den hyperaktiva teatern från Dempagumi.inc till de självmedvetna återslagen från Negicco och de ockult refererande Necronomidol.

Ingen visade sig vara viktigare än BiS, en grupp som medvetet drev idolpop-idén till dess yttersta utkanter. ”STUPiG” chockade då och fortsätter att göra det nu. Det är svårt att föreställa sig något J-popspår – än mindre ett som faktiskt hamnade på topp 10 när det släpptes – som byggde på gabberstamps och skrikande sång. ”STUPiG” är klaustrofobisk och kaotisk, men har ändå en öronorm av en hook som avslöjar en viss värme underifrån. Det skulle vara en total outlier var som helst och när som helst, men det är en del av charmen, som visar hur djärv J-pop kan bli om man vågar sig ut i kanterna.

Foodman: ”Ez Minzoku” (2016)

Få hörn av den japanska musiken fortsätter att glädja som nationens experimentella samhällen, och tiden har varit särskilt snäll mot den typen av produktion från 2010-talet. Många av de mest hyllade udda alsterna erbjöd en högupplöst reflektion av ett liv mättat av popkultur och sociala medier, tack vare galna samplingscollage av DJWWWW, woopheadclrms och de dussintals svåråtkomliga (och i dag högt värderade) utgåvorna som gavs ut av skivbolaget Wasabi Tapes. Andra erbjöd färgstarka mutationer, från Technicolor-sockerruset från Toiret Status till de mer intima denpa-låtarna från emamouse. Inget album smälter dock hjärnorna bättre än ”Ez Minzoku”. Det var det genombrottsutgåvan från periodens svåraste vetenskapsman, Foodman, som nu rankas där uppe tillsammans med Keiji Haino och Phew. Han tog till synes disparata ljud och spådde off-kilter beats från handfull av gitarr, synthesizers, skrikande röster och vad som helst annat som fanns till hands.

Soutaiseiriron: ”Inget band i Japan visade sig vara mer inflytelserikt under 2010-talet än Soutaiseiriron. Gruppen, som slog igenom stort i slutet av 2000-talet, förtjänar beröm för att ha legat långt före decenniets nostalgiska vändning, och byggde sina låtar kring Showa Era-indebiterade gitarrmelodier som snart skulle plockas upp av copycats (Passepied), loopade alt-rockare (Frederic) och virala överraskningar (Gesu no Kiwame Otome.). Ett lika stort avtryck gjordes av sångerskan Etsuko Yakushimarus sing-speak-utförande och diktionsfokuserade texter. Att försöka hitta för mycket mening i hennes ord visade sig vara meningslöst – hon lekte runt med ordlekar och vändningar och lade all vikt vid hur allting lät snarare än vad de betydde. Rockband till viskande rappare följde denna formel, och alla vägar leder tillbaka till Soutaiseiriron när man försöker gräva sig igenom allt.

Mariya Takeuchi: ”Plastic Love” (1984/2018)

Prova det här med dina musiknördiga vänner nästa gång ni umgås – fråga dem när Mariya Takeuchis ”Plastic Love” ursprungligen släpptes, och jag slår vad om att de flesta kommer att säga ”någon gång på 2010-talet”. Du kommer att få dem att häpna när du avslöjar att den först kom ut 1984. Denna bit melankolisk disco-pop låter dock lika passande för 2010-talet som för 1980-talet, om inte ännu mer. Det är den definitiva låten från den periodens ”city pop revival”, en tid då västerländska ungdomar lagrade äldre japanska ljud som om det vore flaskvatten inför en tyfon, medan trendiga västerländska och koreanska akter lånade från det funk-inblandade ljudet långt in på 2020-talet.

Men ”Plastic Love” var också en låt som gjordes ”internetberömd” av en YouTube-algoritm, med den extra vändningen att den nästan åtta minuter långa versionen som blev viral var en mutation av den ursprungliga femminutersklippningen. Det är dock den känslomässiga kärnan i ”Plastic Love” som verkligen lockar. Takeuchi upplevde aldrig bubbeltidens byten personligen medan de ägde rum, och detta var hennes föreställning om hur livet i bubblan kunde vara med alla dess toppar och dalar – vilket är hur otaliga lyssnare över hela världen närmade sig låten på 2010-talet och decennierna efter att den blev en global popstandard.

group_inou: ”Fråga era mor- och farföräldrar vad en ”genre” var, barn, och bli förvånade när ni får veta att det fanns en tid då människor gärna avgränsade musikaliska idéer från varandra. Duon group_inou skulle passa riktigt bra in i 2049 års fria värld, men den uppstod under första delen av 2010-talet, när det fortfarande var ett ganska främmande koncept att blanda rap, spoken word, danspop och komiska bitar i en och samma melodi. Att nämnda melodi dessutom innehöll passager om delfinterapi gjorde det bara ännu konstigare.

Med undantag för internetcentrerade artister som tofubeats och Mikeneko Homeless som löpte parallellt med grou_inou, skulle det ramsliga tillvägagångssättet för ljudet som paret fulländade på ”Therapy” inte bli tydligt i den japanska musiken förrän senare på 2010-talet, när yngre akter som Haru Nemuri, Mom och (framför allt) Wednesday Campanella kanaliserade parets fritt flödande anda i sin musik.

Dean Fujioka: ”History Maker” (2016)

Anime och videospel har också svepts med i den nuvarande uppsvinget för retromani, även om till skillnad från majoriteten av de japanska låtarna från den perioden de utgåvor som får kärlek på 2040-talet var ganska stora globalt sett på 2010-talet. Ljudspåren till dessa skapelser har också blivit eftertraktade. Dussintals boutique-återutgivningsbolag har dykt upp under de senaste fem åren för att ge fans specialutgåvor av svårfångad spelmusik, vilket har bidragit till att höja de pigga melodierna i ”Persona 5” och de melankoliska bakgrunderna i ”Nier: Automata” till samma status som Studio Ghibli-ljudspår.

Det samma gäller för anime från 2010-talet, som går från en nischad besatthet till något som är värt att lovordas och studeras nästan 30 år senare. 2017 års serie ”Yuri!!! On Ice” åtnjuter kritiskt beröm nu, tack vare en av de bättre berättelser som kom från den japanska animationsvärlden under den här perioden och för att den är ett tidigt exempel på japanska medier som lyfter fram samkönad kärlek på ett icke-stereotypt sätt. Naturligtvis har Dean Fujiokas bluffande tema också nått nya fans, och inte bara på grund av att det får dem att tänka på nämnda konståkningsdrama. Den får extra ben genom att den sammanfogar det trendiga EDM-ljudet från 2010 med orkesterfantasi, men påminner om hur sammankopplade så mycket av den tidens japanska medier verkligen var.

Famm’in: ”Circle” (2016)

Det fina med att se tillbaka är att kunna hylla verkligt originella idéer som ignorerades på sin tid. Att kalla 2016 års projekt Famm’in för en supergrupp skulle vara att ge det för mycket beröm. Den bestod av en J-pop-aktör som tillbringade decenniet med att försöka tjäna pengar på sillen kring K-pop (Faky), en duo som upplevde viss viral berömmelse tack vare en låt som hyllade hur mycket medlemmarna älskar pengar (Femm) och en singer-songwriter på mellannivå (Yup’in).

På något sätt resulterade det tidsbegränsade projektet i ”circle”, en låt som uppehåller sig vid existensens cirkelformade natur, mot inslag av traditionell japansk domstolsmusik och dåtida modern slagverk. Den hade ingen chans när den släpptes, men 30 år senare kan dess originalitet uppskattas ordentligt.

mus.hiba: ”Slow Snow” (2014)

Mängder av spelförändrande teknik slutade med att bli en blindgångare under 2010-talets teknikrusning. Smarta glasögon tjänar mest som rekvisita i filmer för att visa hur vilseledda människor var på den tiden, medan SoftBank använde alla övergivna WeWork-kontor för att förvara de återstående Pepper-robotar de kunde rädda. Lägg till virtuella sångare till den listan.

Men medan Hatsune Miku och vännerna presenterade en bättre värld via Vocaloid-programvaran – och medverkade i några lagom decennieanpassade låtar – muterade tekniken på 2020-talet till ett sätt för människor att tjäna pengar på döda kändisar och för virtuella popstjärnor, som Kizuna AI, att bete sig precis som sina föregångare av kött och blod. Många valde då att föreställa sig den värld som kunde ha varit.

Tokyos elektroniska artist mus.hibas ”Slow Snow” använder digi-rösten från karaktären Yufu Sekka som ytterligare ett lager i en ljudlig feberdröm, där man inte oroar sig så mycket för att förvandla ett datorprogram till en person, utan snarare ser vad som är möjligt konstnärligt med detta nya instrument. Massor av fantastiska självgjorda producenter gjorde liknande saker, och även om drömmen förvandlades till nyhet kan deras musik fortfarande slå igenom.

HNC: ”I Dream I Dead” (2010)

”Spookiness” i 2010-talets japanska kultur var nära kopplad till landets ”kawaii”-rykte, som bäst representerades av spektakel som ”Shibuya Halloween” (åtminstone fram till dess att det förbjöds år 2024 efter den stora oktoberbranden som förstörde Don Quixote Megaplex). När man grävde under det färgglada yttre avslöjade man dock en hel del skräck. Indieakter som Jesse Ruins, Sapphire Slows och Hotel Mexico (vid ett tillfälle alla tillsammans) erbjöd glimtar av ecstasy höljd i skuggor, medan den japanska dubstep-pionjären Goth-Trads definierande arbete hämtade från den kusliga verkligheten i livet i Japan efter jordbävningen och tsunamin den 11 mars 2011, och Eadonmm från Osaka tappade till samma oroväckande stämning för sin debut, ”Aqonis”. Till och med en stor J-pop-aktör som AKB48 hittade tid att bli ganska tung i 2012 års ”Uza.”

”I Dream I Dead” oroar dock mer än någon av dem. Den kommer från en artist som lätt kunde ha hjälpt till att definiera den mjukare bilden som skulle komma. HNC brukade gå under namnet Hazel Nuts Chocolate och gjorde gosig lekrumspop som hyllade ämnen som glass och katter. Hon vände sitt fokus till den tidlösa oron för döden och den oro som omger den och skapade en av de läskigaste musikaliska bakgrunderna av klockspel och stapplande trumtoner. ”I Dream I Dead” påminner oss om att människorna i Japan inte alla var fyllda av flummiga tankar och ger en fin motvikt till den bild som landet vid den tiden är ihågkommet för.

Kyary Pamyu Pamyu: ”PonPonPon” (2011)

Ingen artist definierade bilden av Japan för världen på 2010-talet som Kyary Pamyu Pamyu Pamyu.

Om du bläddrar på en film från perioden som nämner Japan är oddsen ganska goda att du hör en av hennes låtar i bakgrunden när regissören försöker förmedla idén om landet till lyssnarna. Hennes låtar dök upp i livestreams av videospel och memes i lika hög grad, medan hennes mischmaschmode satte tempot för hur folk föreställde sig att barn i Harajuku klädde sig dagligen. Japan sågs vid den här tiden som ett Technicolor-underland med en lite konstig kant, och Kyary Pamyu Pamyu satte den bilden fram, inte tydligare än i hennes genombrottsdebut singel, ”PonPonPon.”

Det fanns mer bakom spårets lekrumspop – ett kawaii-gone-sinister-klipp som många kom att älska efter att det blev viralt i början av årtiondet. Det dök upp månader efter 2011 års jordbävning i Öst-Japan, ett nationellt trauma som definierade decenniet. Folk ville fly, och ”PonPonPon” erbjöd exakt det med en obeveklig studs och texter som hyllade människor som var sig själva. Den hyperfärgade idén dominerar fortfarande den japanska estetiken i dag.

Musiken kom från producenten Yasutaka Nakata, vars bascentrerade elektropop redan sipprade in i den då spirande världen av elektronisk dansmusik, men här fann han en ny sonisk palett att leka med. Countless artists all over the world tried to imitate it, but none have had the lasting impact of this slice of pure pop perfection.