Tidén om den klassiska perioden, dvs. det antika Greklands och Roms tid, som en elegant enhetlig samling av överlägsna estetiska och filosofiska kulturdrag, har en egen historia, en historia som i stor utsträckning härrör från den neoklassiska eran. Återupptäckten av antiken tog tid innan den nådde den tonhöjd den skulle göra under 1700-talet, då hänvisningar till grekisk och latinsk retorik, arkitektur och skulptur var ofrånkomliga. Men från och med renässansen och framåt fick det klassiska status som kulturell dogm.
En av den klassiska idealismens hyresgäster är föreställningen att romersk och grekisk statytik förkroppsligade ett ideal av ren vithet – en missuppfattning som moderna skulptörer vidmakthöll i hundratals år genom att göra byster och statyer i polerad vit marmor. Men sanningen är att både grekiska statyer och deras romerska motsvarigheter – som du lär dig i Vox-videon ovan – ursprungligen var starkt bemålade med livliga färger.
Det gäller bland annat Augustus från första århundradet e.Kr. av Prima Porta, den berömda figuren av kejsaren som står triumferande med en upphöjd hand. I stället för att lämnas som tom vit marmor skulle statyn ha haft bronserad hud, brunt hår och en brandvarm röd toga. ”Det antika Grekland och Rom var verkligen färgstarka”, får vi veta. Så hur kom alla att tro något annat?
Det är delvis ett ärligt misstag. Efter Roms fall begravdes antika skulpturer eller lämnades utomhus i hundratals år. När renässansen började på 1300-talet hade deras färg bleknat bort. Som ett resultat av detta insåg inte de konstnärer som grävde upp och kopierade antik konst hur färgglada de skulle vara.
Men vit marmor kunde inte ha blivit normen utan en viss egensinnig okunnighet. Även om det fanns en massa bevis för att antika skulpturer var målade valde konstnärer, konsthistoriker och allmänheten att bortse från det. Den västerländska kulturen verkade kollektivt acceptera att vit marmor helt enkelt var vackrare.
Vita statyer symboliserade ett klassiskt ideal som ”i hög grad är beroende av största möjliga dekontextualisering”, skriver James I. Porter, professor i retorik och klassiker vid University of California, Berkeley. ”Endast så kan de värden som den värnar om isoleras: enkelhet, lugn, balanserade proportioner, återhållsamhet, formens renhet… alla dessa är egenskaper som understryker den tidlösa kvaliteten hos det högsta möjliga konstuttrycket, likt ett andetag som hålls inne i all oändlighet.” Dessa ideal blev oskiljaktiga från utvecklingen av rasteorin.
För att lära sig att se det förflutna som det var krävs att vi lägger historiskt förvärvade skygglappar åt sidan. Detta kan vara ytterst svårt när våra idéer om det förflutna kommer från hundratals år av nedärvd tradition, från varje period i konsthistorien sedan Michelangelos tid. Men vi måste erkänna att denna tradition är påhittad. Den inflytelserika konsthistorikern Johann Joachim Winckelmann, till exempel, hyllade värdet av klassisk skulptur eftersom han ansåg att ”ju vitare kroppen är, desto vackrare är den.”
Winckelmann gjorde också, konstaterar Vox, ”allt för att ignorera uppenbara bevis på färgad marmor, och det fanns en hel del av det”. Han avfärdade fresker med färgade statyer som hittades i Pompeji och bedömde en målad skulptur som upptäcktes där som ”för primitiv” för att ha gjorts av gamla romare. ”Bevisen ignorerades inte bara, en del av dem kan ha förstörts” för att genomdriva ett ideal av vithet. Även om många statyer har blivit utplånade av elementen under hundratals år, beskrev de första arkeologerna som upptäckte Augustus av Prima Porta på 1860-talet dess färgsättning i detalj.
Kritiken mot den klassiska idealismen har inte sitt ursprung i en politiskt korrekt nutid. Som Porter utförligt visar i sin artikel ”What Is ’Classical’ About Classical Antiquity?” går de åtminstone tillbaka till 1800-talsfilosofen Ludwig Feuerbach, som kallade Winckelmanns idéer om romerska statyer för ”ett tomt fantasifoster”. Men dessa idéer ”tas för det mesta för givna snarare än att ifrågasättas”, menar Porter, ”eller så håller man fast vid dem av rädsla för att förlora ett kraftfullt cachet som, även i den belägrade nutiden, fortsätter att översättas till kulturell prestige, auktoritet, elitistiska tillfredsställelser och ekonomisk makt.”
Relaterat innehåll:
Hur gamla grekiska statyer verkligen såg ut: Forskning avslöjar deras djärva, ljusa färger och mönster
The Met återställer digitalt färgerna i ett gammalt egyptiskt tempel med hjälp av projektionskartläggningsteknik
Se konst på gamla grekiska vaser få liv med hjälp av 21:a århundradets animationer
Josh Jones är författare och musiker och bor i Durham, NC. Följ honom på @jdmagness