Under sina sista år målade Monet vattenliljorna, van Gogh upptäckte solblomman och Matisse uppfann pappersutklipp. I samtliga fall ansågs det på den tiden att det fanns något ganska barnsligt över dessa senare verk. Picassos strävan efter det extrema var lika stark som Monets eller Matisses. Under sina sista fyra år skapade han mer än under någon annan jämförbar period i sitt liv. Hans livsinstinkt blev drivkraften att måla. Den råa ofullständigheten i hans former gjorde att han använde sig av en nästan barnslig palett: rosa och blekblått blandat med mjölkaktiga nyanser mellan beige och ockra, och sedan återigen rena färger direkt från hinken, applicerade med en bred pensel.
Det är anmärkningsvärt i vilken utsträckning Picasso övergav sitt färgkänsla, hånade kulturen i sin palett och krävde den grövsta artikulationen och positionen av sina figurer. Deformerade kroppsdelar amorfa former, näsor som är platta och karikerade, pajasartade ögon och händer markerar animalismen hos hans energiska halvsvenskar. Dessa målningar är primitiva men oöverträffade och överlägsna sina expressiva efterföljare av idag. De liknar medlemmarna i en burlesk trupp och kräver allas uppmärksamhet. Vilken målare har inte dragit nytta av denne som bidragit till alla uttrycksformer under vårt århundrade? Jackson Pollock, Willem de Kooning – i jämförelse med dessa arkaiska skapelser ser deras utan tvekan lysande, men också nästan självbelåtna ut. Och den estetiska uppskattningen har omfamnat dem och för länge sedan gett var och en sin unika plats i konsthistorien.
Picasso, som skapade så mycket, krävde till slut tillbaka det som stod honom till godo. Han skördade så mycket av sina barn att han ibland tycks sluka dem orgiastiskt. Det är inte Goyas skräckinjagande målning som man kommer att tänka på, utan snarare på en Gargantua, som omättligt slukar livet för att få fram de material som behövs för att hysa sina varelser.
Hur som helst, han drog inte bara från de impulser som han själv hade skapat. På sin ålderdom tillät han sig själv en frihet som han i slutet av sitt liv inte försökte rättfärdiga. Han såg bredvid sig själv den spöklika följeslagare som han erkände som Den unge målaren den 14 april 1972, med det runda ansiktet och de mjuka konturerna av en docka. Knappögon och en exotisk hatt med bred brätte, den demonstrativt höjda handen med den tunna penseln döljer inte att detta porträtt visar den gamle målaren med barnsliga drag. Ansiktsuttryckets ömhet och osäkerhet ger porträttet en kvalitet av spöklik isolering, som gör anspråk på Francisco Goyas senare verk som parallell.
Ung målare, 1971
I en obarmhärtig konfrontation med spegeln tittade Picasso sig själv i ansiktet ännu en gång, den 30 juni 1972. I den speglade bilden såg han med stora ögon döden. Till denna teckning använde han kritor i samma blått, lila och svart som han trettio år tidigare hade använt i ett stilleben med koskalle, skapat efter att han hade blivit överväldigad av nyheten om sin vän och landsman Julio Gonzalez död. Nu förberedde Picasso sin egen skalle för en sådan händelse, och han stirrade med orörlig intensitet.
Detta ansikte stannar upp vid den gräns som skiljer livet från döden. Inget annat uttrycks i dragen, som i sin stelhet avslöjar ögonens extrema mottaglighet. Och det råder ingen tvekan om att dessa ögon är Picassos.
Också i andra avseenden står porträttet vid ett vägskäl. Några veckor tidigare hade målaren avslutat den serie på 201 målningar som skulle bli hans sista ”auvre”. Figurernas isolering, som här och där uppträder i två och tre, var hans ständiga identifierande kännetecken. Med breda och vårdslösa streck hade Picasso skisserat dessa varelser och i varje enskilt fall hade han anpassat dem till ett lämpligt format. Den robusta drivkraften i målarstilen motsvarar utseendet på de arketypiska figurer som avbildas där. Även målarens huvud är tecknat i denna anda, som sträcker sig in i den grafiska konstens sfär som sysselsatte Picasso under de följande månaderna.
Under sina sista år rörde sig Picasso bort från måleriet, rörde sig i motsatt riktning, mot etsning och gravyr – bara under en sjumånadersperiod 1968 gjorde han nästan 350 tryck! Det var också en tid då han såg tillbaka på de gamla mästarna. Han var särskilt intresserad av Rembrandt, den berömda holländska målaren och grafikern från 1600-talet: Picasso hade studerat hans etsningar och till och med projicerat diabilder av hans målningar på sin ateljévägg.
I Picassos etsningar blir scenerna mer och mer livliga och tydliga. Den smarta fördelningen av penseldragslagen, i alla nyanser mellan ljust och mörkt, svarar medvetet på de skrikiga färgerna. Ett pandemonium av sinnen uppstår likt en scenisk iscensättning som avslöjar de mest varierande insikter. Den trånga, ofta bisarra linjen, liksom maskeradtemat, påminner om Ensors vision av Kristi intåg.
Efter Rembrandt: Ecce Homo, 1971
I Picassos Efter Rembrandt: Ecce Homo, 1971, något som liknar en stor och allmänt begriplig vision. Ingen nedstigning till helvetet eller uppstigning till himlen, utan snarare slutbilden av en orientalisk saga: människans familj i klart ljus på en öppen scen. Känslan av perfektion och ändå förtrogenhet som den utstrålar är nästan obegriplig. Runt omkring, framför skogshuset på berget Olympus och bland landskapet, det färgglada bruset och den nyfikna publiken, är inspirationen riklig. Ingen annan framställning under Picassos senare år har kunnat förena det mänskliga tillståndet i hans konst mer fritt och entusiastiskt. Vårt århundrades signatur kunde inte ha funnit en lämpligare förvaringsplats än här.
Under de sista åren av sitt liv blev måleriet en besatthet för Picasso, och han daterade varje bild med absolut precision och skapade på så sätt en stor mängd liknande målningar – som om han försökte kristallisera enskilda ögonblick i tiden, men med vetskap om att allt i slutändan skulle vara förgäves.
Pablo Picassos begravningsplats
Pablo Picasso avled till sist den 8 april 1973, 92 år gammal. Han begravdes i grunderna till ett slott som han köpte i ett infall 1958 i byn Vauvenargues i södra Frankrike.